jueves, 30 de octubre de 2008

A Coruña 2008: Die Walküre para el porvenir

Kampe, Treleaven, Pérez y la OSG
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Continuando con la entrega anual del Anillo coruñés de la OSG, el pasado día 25, inaugurando la temporada de abono de la orquesta, tuvo lugar la interpretación de la primera jornada del festival escénico wagneriano: Die Walküre.
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Al igual que Das Rheingold el pasado año, y lo que parece norma para el futuro, la ópera se ha leído en versión concierto, lo cual uno ya lo va considerando un plus, tanto por evitar penosas y antimusicales escenografías, como por el deleite de contemplar a una orquesta en pleno proceso productivo. Goce visual y auditivo debido a una excelente centuria sobre un escenario: el frotamiento de los atareados contrabajos, el fulgor preparativo de los metales, la continua asistencia a las maderas o el maravilloso ajetreo de la percusión.
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Sin retrasos y con el aforo completo, el maestro titular Víctor Pablo Pérez atacó el desasosegante preludio al lírico primer acto, con empuje y control, rico en colores. En escena una elegantísima Anja Kampe, Sieglinde de alta escuela, lírica-spinto de hermosos agudos, amplios matices y elegante fraseo; enamorada y entregada (O hehrstes Wunder!), heroica incluso en su determinación (una de las triunfadoras). A su lado John Treleaven, Siegmund de voz gastada y opaca, ni heroico ni juvenil, de emisión forzada y tensa pero voluntariosa, suplió con oficio las muchas limitaciones vocales llevando adelante el papel salvo en las exigencias (Wälse, wälse). Enfrente Attila Jun, Hunding recio, severo, canónico, de impactantes graves y atemorizante ademán (Ich weiß ein wildes Geschlecht). Un primer acto muy bien conducido por VPP, con emoción y dulzura, exaltando el entusiasmo y apianando la ternura; rubateando con generosidad, según manda nuestro señor Thielemann. Excelente el brillante tema de la espada, etéreo el motivo del Walhalla.
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El proteico segundo acto nos agració con más excelencia vocal: Jennifer Wilson expresa una Brünnhilde especialmente lírica y sensible, su voz es brillante, bella y expansiva en el agudo, muy homogénea. Espectacular en su entrada (Hojotoho!), quizá resulta algo escasa de cuerpo en la zona media-baja para la Valquiria más heroica y las futuras jornadas. Juha Uusitalo es un Wotan convincente en su recitado, altanero, algo ligero y escaso de anchuras (muy baritonal), pero redondo y noble en su vocalidad y humano en sus penurias (el otro triunfador de la noche). Una pareja de protagonistas de espléndido porvenir, a través de un ensanchamiento vocal y psicológico de unos roles para toda una vida. Elena Zaremba, una Fricka moscovita de osura emisión y agraciadas dotes dramáticas, apareció inquieta, con un cierto vibrato y terminó el diálogo con su marido, con convicción y atrevimiento. Aquí VPP comenzó a escorarse hacia el estruendo orquestal: molesto en el monólogo de Wotan, en los pasajes más íntimos del sinceramiento del dios con su hija, llegando a velar al bajo-barítono, efecto potenciado por la ausencia de foso.
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El tercero se abrió con una tremenda, tremendista y tremebunda Cabalgata, marca de la casa, desaforada en su volumen pero precisa en su lectura instrumental. Consiguiendo tapar no sólo a las ocho espantadas valquirias sino a treinta y nueve que hubiese. El beso de Wotan y su sentida despedida de Brünnhilde, previa al motivo del Fuego Mágico de Loge, fue el momento óptimo del acto: con el mejor Uusitalo, perfecto de línea, sensible y cantable, melódico en su monólogo, padre sufriente (Der Augen leuchtendes Paar); y una orquesta controlada llorando con el dios. Magnífica exposición reiterativa del motivo de Siegfried, cautivador el del Fuego.
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Zinoviev: Wotan calls Loge
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Mención aparte y especial para la orquesta, cuyas secciones estuvieron todas a una gran altura: Metales afinados, poderosos y brillantes; Maderas calurosas, ensoñadoras y poéticas. Cuerdas prodigiosas, enérgicas y fibrosas, aunadas y ambiciosas; Timbales musicales y omnipresentes. La OSG tiene a Wagner en sus atriles… tan sólo se añora el refinamiento y la hondura dramático-psicológica en un podio que, para entendernos tiende mucho más hacia Keilberth que hacia Kna.
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A falta, por el momento de registros sonoros del evento, dejo como ilustración musical un video de la Valquiria de Florencia 2007 , subido por maac, con el mismo reparto paterno filial:
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martes, 28 de octubre de 2008

Tracy Chapman: cantautora de culto

A punto de publicar su octavo álbum Our bright future el próximo mes de noviembre, la cantautora de Cleveland (1964) atesora una carrera plena de calidad, dotada de un estilo personal y definido, con altibajos comerciales, y un nutrido grupo de incondicionales, también en Europa donde su obra tal vez no acaba de tener el eco que se merece.
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Asidua a Conciertos Benéficos desde su debut en el 70 Aniversario de Nelson Mandela, es la abanderada de Amnistía Internacional en eventos musicales. Sus duetos con primeros espadas circulan con profusión por la red: BB King, Eric Clapton, Bruce Springsteen, Sting, Michael Stipe, …
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Su debut discográfico fue 1988 con su impresionante primer disco homónimo, entroncado en el más puro folk acústico y comprometido de los sesenta, de raíces blues, impregnado de bellas melodías y letras de denuncia social (derechos minorías, libertad sexual, derechos civiles, violencia machista). Supo continuar y expandir hacia el futuro toda una tradición que no pasaba por su mejor momento. Sus temas son filtrados por su personal visión intimista, cálida , un punto amarga. Y por su voz negroide, untuosa, intensamente acariciadora, también intensamente triste.
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"Don't you know
They're talkin' bout a revolution"

Tracy Chapman (1988) fue un álbum único, introvertido, declamado en voz baja pero con altura de miras. Sin temas menores, emitiendo franqueza, sinceridad, orgullo y sensibilidad. Ganó tres Grammy.
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talking about a revolution


fast car


for my lover


across the lines


why

Discografía:
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"But every day is born a man
Who hates what he can't understand"

Crossroads (1989) tal vez un paso atrás, más oscuro y menos fresco e inspirado.

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"I wish I could dream
Once more"

Matters of the Heart (1992): el más comercial, expansivo y extrovertido álbum, supuso un aldabonazo en su línea estilística que se cerró con un limitado éxito. Precioso en todo caso.

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"The whole world's broke and it ain't worth fixing"
New Beginning (1995): un nuevo éxito, un nuevo Grammy. Retorno a las esencias chapmanianas en un álbum intenso y extenso, con arrebatadores aromas de soul.

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"There is fiction in the space between"
Telling Stories (2000): el regreso más elaborado y rockero de Tracy. En plan bonus: un precioso vídeo de una estupenda canción:
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telling stories

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"Let it flood these streets and wash me away"
Let it rain (2002): otro éxito en su más esencial estilo

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If you knew that you would be alone
Knowing right, being wrong,
Would you change?

Where you live (2005): buen trabajo catapultado al éxito por el tema “Change”

domingo, 26 de octubre de 2008

XXIII domingo tras la Trinidad: BWV 163

"A cada cual lo suyo" podría ser la traducción de esta Cantata compuesta en 1715 en Weimar sobre un texto de Salomo Frank, referente a los tributos del César.

Nur Jedem Das Seine comienza con un aria de tenor, cuyo reiterado tema musical recorre toda la pieza a partir del continuo, y de cuya instrumentación ha desparecido el oboe d'amore en la Nueva Edición Bach (hasta 1723 Bach no había tenido oportunidad de utilizarlo):



Paul Agnew
Amsterdam Baroque Orchestra
Ton Koopman

Ahora una versión de la misma aria con el citado instrumento:



Adalbert Kraus
Bach-Collegium Stuttgart
Helmuth Rilling

jueves, 23 de octubre de 2008

Manifiestos

Definitivamente parece que sí hay crisis. No me refiero a la financiera, sino a la artística. El dato concluyente es la proliferación de Manifiestos ante el marasmo de ideas, el mercantilismo adocenado y la propia fatuidad.

Se acaba de presentar en Galicia el Manifiesto Hartista , mascarón de proa del HARTISMO Una típica acción-reacción de severas líneas promovido por los denominados Hartistas y cuya lectura recomiendo: http://www.hartismo.com/manifiesto.html
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Movimiento emparentado con el STUCKISM que tiene su propio cargamento de Manifiestos: http://www.stuckism.com/manifest.html

A su vez la prestigiosa GALERÍA SERPENTINE de Londres convoca de nuevo a un Manifiesto de futuro:

"El manifiesto Futurista clamaba que la belleza solo existe en la lucha. Con el cambio de siglo el arte busca nuevos referentes y por eso una galería de Londres se ha lazando a la iniciativa de hallar lemas para una nueva era.

Los manifiestos de artistas, diseñadores, músicos y escritores serán expuestos por tercer año consecutivo en la Serpentine Gallery de la capital británica. Reúne a 50 nombres como Gilbert and George, Yoko Ono, Mark Wallinger, Vivienne Westwood o Brian Eno para que muestren en público su filosofía para el siglo XXI.

Gilbert y George reiteraron su manifiesto del año 1969 Laws of the Sculptors (Leyes de los escultores) que incluye reglas que van desde ir "siempre bien vestido, limpio, relajado, amigable y educado y en absoluto control" a "Haz que el mundo crea en ti y que pague mucho por ese privilegio". Brian Eno propone la creación de un partido político llamado The Thank You Party (el Partido de Dar las Gracias) en el que "se dará la enhorabuena a la gente por las cosas que hacen bien en lugar de criticarles por las que hacen mal".

Hans Ulrich Obrist, co-director de exposiciones de Serpentine, señala que la iniciativa pretende devolver el poder de los manifiestos de arte en el mundo. "Los manifiestos han tenido un papel fundamental hasta los años sesenta, especialmente en las vanguardias. Es interesante que ahora una nueva generación de creadores vuelva a ellos y por eso hemos invitado a artistas jóvenes y leyendas para que lo hagan". De todos, solo el más mayor de todos, el historiador Eric Hobsbawn, de 91 años, hablará en contra de los manifiestos."
(El País, 21/X/08)

Atentos…

martes, 21 de octubre de 2008

Brahms: Rapsodia para contralto, coro masculino y orquesta op.53

Nacida de una experiencia desoladora para Brahms, como fue el conocimiento de los preparativos de la boda de Julie Schumann, hija de Clara y Robert Schumann, con el conde Marmorito. Una joven de la que estaba secretamente enamorado el compositor. Este hecho fue el detonante en 1869 de la composición de una obra que, según Clara Schumann, estaba impregnada de un profundo dolor en texto y en música; una de las más dolientes de Brahms.

Nuestro autor se la presentó a Clara como un “Canto Nupcial para la condesa Schumann”. Está compuesta sobre tres estrofas del “Hazreiser im winter” de Goethe.
De ahí su color oscuro, remarcado por la voz de contralto, el coro sin voces femeninas y la gravedad de las cuerdas con sordina. Su estructura musical se divide también en tres partes:

I. Recitativo –adagio- en do menor. Comienza con un desapacible arranque orquestal, tal cual un pasaje invernal, asociado a un profundo acorde desolador, hasta que las maderas alegran la introducción de la contralto que ataca el primer verso “Aber abseits, wer ist’s”

II. Arioso –poco andante- en do menor. Se inicia con una bella melodía en la solista “Ach, wer heilet die Schmerzen” que lentamente va elevando la tensión dramática hasta el clímax que se produce en la repetición angustiosa del “Menschenhaß”

III. Aria –adagio- en do mayor: Ya en tono mayor se beneficia de la participación del coro. Se convierte en un himno y una oración, un majestuoso coral envuelto en la melopea calurosa del coro masculino, que se arrulla y sosiega en su declamación “Ist auf deinem Psalter” hasta que en su parte central, modulando con la introducción de los violines y flautas, se dulcifica en el verso “Öffne den unwölkten Blick”, y se extingue retomando la oración inicial.

Aber abseits wer ist's?
Im Gebüsch verliert sich sein Pfad;
hinter ihm schlagen die Sträuche zusammen,
das Gras steht wieder auf,
die Öde verschlingt ihn.

Ach, wer heilet die Schmerzen
dess, dem Balsam zu Gift ward?
Der sich Menschenhaß
aus der Fülle der Liebe trank!
Erst verachtet, nun ein Verächter,
zehrt er heimlich auf
seinen eigenen Wert
In ungenugender Selbstsucht.

Ist auf deinem Psalter,
Vater der Liebe, ein Ton
seinem Ohre vernehmlich,
so erquicke sein Herz!
Öffne den umwölkten Blick
über die tausend Quellen
neben dem Durstenden
in der Wüste!

Pero ¿quién vive apartado?
Tras su destierro se borrará su rastro,
tras sus huellas
se cerrará el matorral,
volverá a crecer la hierba,
y le engullirá la tierra.

Ah, ¿quién podrá curar las penas
de aquel que del bálsamo hizo veneno?
¿De aquel que bebió la hiel
en el cáliz del amor?
Otrora despreció y ahora, despreciado,
furtivo va consumiendo
su propia valía
en egoísmo insatisfecho.

¡Si en tu salterio hubiera,
Padre de Amor, un canto
que conmoverle pudiera,
consuela su corazón!
¡Guía su turbia mirada
hacia la límpida fuente
que anhela la sedienta boca
en mitad del desierto!

Para disfrutar de tan celestial música, adjunto dos versiones de youtube:

La grandísima Kathleen Ferrier y la London Philarmonic Orquesta y Coro, dirigidos por Clemens Krauss (gentileza de lochness11) :






Brigitte Fassbaender, el Coro Filármonico de Praga y la Filarmónica Checa, dirigidos por un magnífico Giuseppe Sinopoli (cortesía de Barbebleuei):




domingo, 19 de octubre de 2008

XXII domingo tras la Trinidad: BWV 89

“Was soll ich aus dir machen, Ephraim?” con esta frase bíblica del Viejo Testamento comienza esta cantata sencilla y breve para la liturgia de hoy, compuesta por JS Bach durante el primer año de labor en Leipzig, en 1723.

El Aria de soprano "Gerechter Gott, ach, rechnest du?" (Justo Dios, ay, ¿estás contando?), a ritmo de minueto, evoca la redención que anuncia su texto con una envolvente instrumentación de oboe, fagot y órgano:


Arleen Auger
Bach-Collegium Stuttgart
Helmuth Rilling

miércoles, 15 de octubre de 2008

Sarabande

Nacidas para el "Klavierbüchlein" de Anna Magdalena de 1722, las Seis Suites Francesas de JS Bach son, como su nombre indica, una sucesión contrastada de danzas barrocas, destinadas al teclado.

La zarabanda, una danza lenta en compás ternario de origen español, ofrece grandes posibilidades para una expresión sentimental. La correspondiente a la Suite Francesa n.5 BWV 816 es sin duda una de las más logradas en este sentido, dotada de una profunda carga de delicadeza e intimismo. Escuchemos tres interpretaciones al piano, bastante heterodoxas a la par que conmovedoras:



Edward Aldwell



Glenn Gould


Piotr Anderszewski

PS: disculpad la monotonía temática, pero estos días el cuerpo y la mente sólo me piden JS Bach, lo cual no es poco.

domingo, 12 de octubre de 2008

XXI domingo tras la Trinidad: BWV 38

“Aus Tiefer Not Schrei Ich Zu Dir” (“En mi Desamparo te imploro”) es la cantata de llantos, quejas y angustias, según JS Bach, para este domingo.

El Coral fugado inicial, basado en la canción del mismo título de Martín Lutero, está escrito a modo de motete con toda la solemnidad de una arcaica tonalidad. Es también el consuelo que emerge siempre de la música del Kantor de Sto. Tomás de Leipzig:
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Collegium Vocale Gent
Philippe Herreweghe

miércoles, 8 de octubre de 2008

Saariaho - "L’Amour de loin": Hipnótica Belleza Vertical

DVD: Dawn Upshaw, soprano (Comtesse Clémence) , Monica Groop, mezzo (Pèlerin), Gerald Finley, barítono (Prince Jaufré Rudel), Orquesta, Coro y electrónica de la Ópera Nacional de Finlandia. Esa-Pekka Salonen.

MÚSICA (KAIJA SAARIAHO): partitura que prima esencialmente el elemento vertical de la música, el timbre, el color, las texturas, sobre el horizontal; el ritmo ha muerto y la melodía que aparece en una forma medieval, etérea, casi cerrada (canción del trovador) que, Dios me confunda, me recuerda a Monteverdi. La música es estática, no avanza, sólo las disonancias en pícolos, oboes (Debussy revisited) y metales provocan tensiones, añaden sal en el plato para potenciar el sabor.
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El resultado es una sensación de ensoñación, hipnótica, onírica, repetitiva, atmosférica, también enormemente fría (gran predominio de timbres agudos), unido a un poso de opulencia y exotismo oriental, puro color. Sin duda, la electrónica contribuye a ello.

En la escena final de la Condesa, parece como que el tiempo se hubiese detenido, todo queda en suspenso, congelado: DIVINIZADO.

El Coro está usado como un instrumento, nunca aparece en escena. Cada amante “posee” el suyo propio, masculino para él, femenino para ella, que contribuyen a crear un fondo, una compañía, un entorno oportuno.

De todos los intérpretes, destacaría a Dawn Upshaw, Condesa apasionada, inflamada, entregada, ígnea: inmensa en su gran escena final. Y ¡cómo no! la lectura íntimamente idiomática de la batuta de Salonen.

LIBRETO (AMIN MAALOUF): intimista, cuenta la historia de un amor irresistible y mortal (Tristán) que acaba siendo sublimado en uno divino. No existe prácticamente una acción dramática, la historia apenas avanza. Sólo tres personajes, Ella, Él y el Peregrino, único nexo y a la postre celestina y “tejedor de la mortaja”.
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Ambos amantes viven aislados en su mundo y desdichados, en espera de “algo superior”: “he aprendido a hablar de la felicidad, pero no he aprendido a ser feliz” recita el hombre nada más comenzar la obra. En su gran escena final, la mujer, muerto ya su amante, y tras recriminarle a Dios su crueldad, acaba reconociéndole como su verdadero “amour de loin”, entrando en un éxtasis.
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ESCENOGRAFIA (PETER SELLARS): apropiadísima visión de ese mundo hipnótico y claustrofóbico: sobre un palmo de agua que tapiza el escenario (en el que acabarán empapándose los dos protagonistas ¡ay, esa laringitis!) se elevan dos torres separadas, aisladas, interiores, cerradas sobre sí mismas (escaleras de caracol), con colores (otra vez) propios para cada personaje, rojo pasión y amor para Ella,
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y azul/verde frío y solitario para Él, rodeadas de unas columnas en los mismos tonos con desplazamiento vertical (de nuevo) a modo de barrotes de una cárcel. Sólo cuando pronuncia el nombre de la amada, Clemencia, adquiere el Príncipe su tono rojo cálido.
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El mar, como elemento unificador y separador de ambos mundos, sobre el que habita el Peregrino y su barca, en estricto blanco y negro: no hay color, es el árbitro, el moderador, el punto de encuentro.


Resumiendo: gélidos restos de escarcha sobre hojas secas, tintineado al vaivén del viento invernal. Pero como todo hielo, su frío te abrasa.

Adoro a Kaija... (veamos dos pequeños fragmentos que he subido a youtube)
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domingo, 5 de octubre de 2008

XX domingo tras la Trinidad: BWV 162

"Ach! ich sehe, itzt, da ich zur Hochzeit gehe" (Ah, ahora veo que a la boda voy) Cantata sobre la parábola del banquete nupcial regio, compuesta entre 1715-1716 y que fue retomada por JS Bach en 1723 en su primer año de servicio en Leipzig. Completada para dicha ocasión con el Coral final sobre un texto de Johann Rosenmüller (1652) .
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Aquí os presento dicho Coral, uno más de los sublimes corales bachianos, Ach, ich habe schon erblicket. Y como es de breve duración, ¡hala! en dos versiones diferentes:

Frankfurter Kantorei
Bach-Collegium Stuttgart
Helmuth Rilling


Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki

miércoles, 1 de octubre de 2008

Schubert: 2 Tríos con piano

Los dos Tríos para violín, violonchelo y piano fueron compuestos en 1827. Ambos son dos obras de madurez que figuran entre las cumbres del género, dotados de los mejores sabores de la inspiración schubertiana: melodismo, fluidez, ligereza, intensidad, luminosidad,…

Trío nº1 en si bemol mayor op.99 D.898
De él dijo el genial Schumann “Basta un vistazo al op.99 de Schubert para que toda la miseria de la existencia se desvanezca como por encanto, y el mundo aparezca de nuevo henchido de su radiante frescura…” Escuchemos el segundo movimiento Andante un poco mosso, con su tema principal íntimo y soñador entrando sucesivamente en el violonchelo, pasando al violín y acabando en la opulencia del piano.
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Yehudi Menuhin, Maurice Gendron y Hepzibah Menuhin

Trío nº2 en mi bemol mayor op.100 D.929
Obra todavía más acabada y redonda en su conjunto que el anterior, conoció una ejecución pública en vida del autor, quien dejó escrito que “gustó a todo el mundo” Escuchemos también el segundo movimiento Andante con moto. Comienza con un lento ritmo de marcha casi monótono, machacón, que introduce un tema triste, desolador, trágico, de una hondura que contiene todo el romanticismo en su sima.

Trio Beaux Arts

Este tema fue utilizado por Stanley Kubrick en su increíble película Barry Lindon, cuya escena no puedo evitar reproducir: