jueves, 28 de abril de 2011

DAPHNE: la bucólica tragedia de R. Strauss

Apolo y Dafne - Jakob Auer (1645-1706)
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¡Desgraciada Dafne!
¿Por qué te amó un dios?

Para su decimotercera ópera, DAPHNE, subtitulada “una tragedia bucólica en un acto”, Richard Strauss utilizó un libreto de Joseph Gregor que bebía directamente en la antigüedad clásica, concretamente en Las Metamorfosis de Ovidio, para describirnos los mitológicos amores del dios Apolo con la ninfa Dafne, en plena fiesta de Dionisio.

Esta ópera nos devuelve al Strauss más arrebatado y lírico, de inabarcable melodía, y de exquisito (y difícil) tratamiento vocal, principalmente femenino como era norma de la casa; al tiempo que una nueva manifestación de inmenso orquestador, de sonido irisado y sensual, de paleta generosa, muy en la línea de Die Frau ohne Schatten.

La obra fue estrenada en 1938 en Dresde bajo la batuta de Karl Böhm, director al que fue dedicada la partitura.

Los personajes principales corresponden a una soprano, Dafne, y dos tenores, Leukippos y Apolo, secundados por bajo y contralto como padres de la ninfa.

Arcadia, época de la mitología griega: Apolo desciende a tierra desde su carro del Sol durante las fiestas dionisíacas, se enamora de Dafne, pastora que solo ama la naturaleza, y mata a su rival humano, Leukippos, amigo de la infancia de Dafne. Arrepentido ante el sufrimiento de la joven y consciente de su mala acción, el dios envía a Leukippos al Olimpo, y transforma a Dafne en el sagrado Laurel, símbolo del amor eterno.

Aunque la obra no tiene un solo desmayo, destaquemos tres momentos mágicos:

La aparición de Dafne, feliz, purísima: (vídeo PopoliDiTessalia)


La disputa de los enamorados, dios y hombre, y muerte de Leukippos: (vídeo shawDAMAN)


La mítica transformación de Dafne en laurel, y la posterior Mondlichtmusik (música de luz de luna), auténtica opalina orquestal con la que termina la obra: (vídeo Barbebleue.i)


Los tres cortes en la portentosa interpretación de Hilde Güden (Dafne), Fritz Wunderlich (Leukippos) y James King (Apolo)

jueves, 21 de abril de 2011

Schubert: tierna desolación en forma de Cuarteto

- cinturón de Orión-
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Entre 1824 y 1826, tras unos años de profunda oscuridad y depresión, Franz Schubert dio vida a sus tres últimos Cuartetos de Cuerda: tres obras maestras del género.
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El Cuarteto n. 13 “Rosamunda” D 804 op 29 n.1 en la menor es un fiel reflejo de su período de abatimiento: destella una desolación fluida y aceptada, casi amable; alejada del dramatismo retorcido de su coetáneo “La Muerte y la Doncella” D810. Aquí todo fluye de forma pacífica, triste pero resignada…
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I. Allegro ma non troppo: dos temas se entrecruzan con momentos de batalla de contrastes: el primero nostálgico, desolador, vehiculado por el primer violín; el segundo, confiado, ingenuo…
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II. Andante: el tema principal, tomado de su ballet Rosamunda (de ahí el nominativo del Cuarteto) transpira ternura y desánimo, sombras en forma de variación. Dulce inquietud en una formulación purísima…
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Takacs Quartet (vídeo HARMONICO101)
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III. Menuetto: Allegretto: proviene del lied “Los dioses de Grecia” y quiere arrojar luz sobre la obra, pero en su tristeza no alcanza a traspasar una débil y humilde incandescencia de tungsteno; el trío intenta, sin conseguirlo, animar el movimiento con su sabor popular…
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Quartetto Italiano (vídeo Barbebleuei)
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IV. Allegro moderato: ¿contraste? ¿risa sardónica? en el fondo de sus animados y rítmicos temas subyace el negro color de la tribulación…

jueves, 14 de abril de 2011

"Six Concerts Avec Plusieurs Instruments" (2)


Concierto de Brandemburgo n.2 en Fa mayor para Trompeta en Fa, Oboe, Flauta de pico (dulce), Violín, cuerdas y continuo BWV 1047

Como el resto de la serie, sus tres movimientos pertenecen al gusto italiano, y posiblemente sea el más cercano al concerto grosso.

Aquí la paleta de colores se amplía de forma significativa y extravagante merced a una tímbrica deliberada y esperpéntica. Un auténtico concierto cuádruple donde la maestría contrapuntística de JS Bach hace dialogar de forma elocuente a los diversos solistas.

La trompeta en Fa simboliza la Fama, mientras, siguiendo la interpretación de P. Pickett, el violín es Homero, la flauta es Dante y el oboe, Virgilio (¡!)

I. Sin indicación de tempo (Allegro): dominio de un ritornello de alerta y avance oponiendo solistas y ripieno; sobre la fanfarria de la trompeta, en su registro más agudo, prolifera la promiscuidad en diversas formas y colores: violín solo, violín-oboe, flauta-oboe, oboe-trompeta…


II. Andante: desaparece el metal en un movimiento plácidamente amargo que abre el violín y procede en los otros dos solistas, sobre un walking bass

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III. Allegro assai: fuga concertante cuyo tema, presentado en la trompeta, va saltando de las maderas a la cuerda solista en un frenesí festivo...
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Freiburg Baroque Orchestra

videos de SoliDeoGloria8550
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Nuevamente, mucho cobre...

viernes, 8 de abril de 2011

Wishbone Ash: la magia del doble punteo

Esta historia se remonta a finales de los sesenta cuando la base rítmica del grupo (Martin Turner, bajo; Steve Upton, batería) estaban buscando guitarrista para completar una nueva formación. Tras varias audiciones, fueron incapaces de elegir entre dos solistas, Ted Turner y Andy Powell, así que decidieron incorporar a ambos. Así nació la formación original de Wishbone Ash, cuna de su no menos original sonido: las guitarras gemelas. Dos guitarras solistas que no se limitan a repartirse los solos sino que intervienen a la vez, en una mágica armonía eléctrica; santo y seña del sonido del grupo.
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Si a esto le unimos que se trataba de una de las mejores parejas de guitarristas del rock anglosajón, a la altura de los mejores (Duane Allman/Dickey Betts - Jimmy Page/Jeff Beck) el resultado no podía ser ni siquiera mediocre.
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Su tercer álbum ARGUS fue todo un acontecimiento en 1972; con su inquietante portada del afamado diseñador Hypgnosis, resultó elegido por reputadas publicaciones de la época como el mejor álbum rock de ese año. Con el tiempo fue adquiriendo una pátina de disco legendario: una lección de composición (melodía, ritmo, armonía) y virtuosismo instrumental; imaginación sobre cuerdas tensadas y amplificadas.
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Aunque la doble solista marca el sonido del grupo, no conviene olvidar tanto la calidad del bajista, con una presencia inmensa, como la elaborada composición de los temas, de aromas folk, que adquieren el marchamo de himnos de carácter épico, por su propia prestancia y dinámico desarrollo.
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Throw Down the Sword
Inicio en un sencillo riff de una guitarra, al que se le une la segunda in crescendo, ensalzando la sensación de círculo cerrado de apariencia casi canónica, mientras se agiganta el redoble de caja hasta llegar al primer plano; momento en el cual el riff avanza y se desarrolla, y da entrada, tras un pequeño puente de acordes realzado por la potente línea de bajo, a la heroica melodía que cobra vida en la parte alta mientras se doblan las voces. Al final toman el mando las guitarras, que en cordial rivalidad se superponen y muestran la magia del doble punteo: (vídeo Avixz)
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Sometime World
Paradigmático tema wishboniano: comienzo melódico de base acústica, adornado por un delicado punteo eléctrico; para ir adquiriendo magnitud en la línea del bajo, acelerando el ritmo, y electrificando el ambiente, en un estribillo marchoso y unas guitarras desatadas: (vídeo riversend21)
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Leaf And Stream
Balada de tintes crimsonianos, delicados, melancólicos, sobre un colchón de acordes eléctricos, con tristes aderezos casi jazzísticos: (vídeo zosimfr)
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Disfruten de esta mítica banda británica, con toda la frescura y el empuje del mejor rock anglosajón en su mejor época…