Estrenada en Moscú en 1878, la Cuarta de PI Chaikovski es la Sinfonía del Fatum, del Destino como Fatalidad, que la convierta en una partitura cíclica, cuyo tema principal reaparece también al final de la obra
Fue compuesta durante el año 1877, simultaneado con el Eugene Onegin, y fue dedicada a M. von Meck, con quien por esa época comenzó su relación. Entre su intercambio epistolar encontramos una intensa descripción de esta Sinfonía, sobre cuyo cuarto movimiento, Allegro con fuoco, decía Chaikovski “Si no encuentras ningún motivo de alegría en ti, mira hacia los demás. Existe una felicidad simple pero poderosa.”
Así, este movimiento se convierte en una fiesta popular, basada en una canción rusa que convierte “una realidad penosa en sueños de felicidad fugitiva”. Pero el implacable fatum retorna, angustioso, antes del final. La fiesta en la cuerda contrasta con la seriedad bufónica del metal, hasta que la llamada final de la Fatalidad desgarra, con su pesimismo angustioso, el bullicio hedonista, y nos conduce a la destrucción-purificación en el intenso fuego de la cuerda, tal como nos propone la incendiaria versión de Evgeny Svetlanov, el director pirómano, al frente de suOrquesta de la URSS(recuerdan?)
Hoy, en este posmoderno santoral que, en su vorágine, todo lo aplana, conmemoramos el Día de la Mujer(Trabajadora) en recuerdo de la lucha femenina por los derechos laborales y sociales, en especial durante el período de entre siglos XIX-XX.
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Por desgracia no abundan, tampoco en el Castillo, las compositoras de gran relieve, efecto sin duda de los condicionamientos sociales de los siglos pasados. Por eso mismo, y de la misma época donde nace el Feminismo en su acepción reivindicativa e igualitaria, quiero traer hoy a la pequeña de dos músicas, compositoras e instrumentistas de primer nivel: Lili y Nadia Boulanger.
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Marie-Juliette Olga (Lili) Boulanger (1893-1918) nació en París en el seno de una familia de gran arraigo musical en la capital francesa. Un más que precoz talento musical, conducido en primer lugar por su hermana mayor Nadia, y por otras luminarias de la época como Gabriel Fauré, que se maravillaba día a día de las dotes artísticas de su pupila.
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De frágil salud, marcada por una enfermedad crónica, nos dejó antes de cumplir los veinticinco años, pero a tiempo de legarnos toda la Mística, la Energía, la Ternura, de su luz musical en un variado catálogo de obras, en especial corales y piano. Una obra donde divisamos el influjo de Fauré y de Debussy en el bello color de su rica armonía y su detallista instrumentación.
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Una sensibilidad aguda y prodigiosamente humana servida en su expresividad por una gama completa de dones naturales, desde la gracia, el color, el encanto y la sutileza hasta el lirismo alado, o la fuerza clara, fácil y profunda. Virtudes que raramente suelen ir juntas, en beneficio de un único temperamento creador (L . Vuillemin)
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Fue la primera mujer que ganó el prestigioso Premio de Roma de composición en 1913 con su sofisticada Cantata Faust et Hélène, sobre un texto de Eugène Adénis basado en la segunda parte del Fausto de Goethe, cuyo fragmento inicial pasamos a escuchar y donde encontramos todas las cualidades de su sensacional arte:
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(vídeo Barbebleuei)
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Sylvie Brunet
Vincent LeTexier
Herbert Lippert
Deustche Symphonie-Orchester
Marc Minkowski
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Y si todavía tienen ganas de algo más ¿qué tal un encantador Nocturno?
No sólo se querellan los bufones, también los rockeros; ya se sabe, gente de mala vida y genio encendido.
Una de las trifulcas más comentadas y creativas, con final feliz, tuvo lugar en los setenta, a propósito de patrias chicas y banderas.
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El canadiense Neil Young incluía en su tercer álbum After The Gold Rush (1970) un tema llamado Southern Man, donde criticaba el racismo en los estados del sur:
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Vendrá al final un cambio para el sur.
Ahora tus cruces arden rápido
Sureño. Vi el algodón y vi a negros
Grandes mansiones blancas y pequeñas chabolas
Sureño ¿cuándo pagarás por ello?
Escuché gritos y látigos chasqueando
¿Por cuánto tiempo?
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(vídeo RockkkV2)
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Dos años más tarde, en su obra cumbre Harvest, volvía a abrir la llaga haciendo ahora una mención concreta al estado de Alabama, en su canción homónima:
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Alabama,
Llevas en los hombros el peso
Que te rompe las espaldas.
Tu Cadillac
Tiene una rueda en la cuneta
Y una rueda en la carretera.
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(vídeo RockkkV2)
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Las ampollas levantadas tuvieron una respuesta musical, de gran nivel, por parte del grupo de Rock Sureño, Lynyrd Skynyrd (tres guitarras solistas) quienes en su segundo y descomunal álbum Second Helping (1974) incluyeron un himno que aún perdura, llamado Sweet Home Alabama, donde aluden explícitamente al cantautor canadiense, invitándole a no aparecer por los estados de la antigua confederación:
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Escuché al Sr. Young cantar sobre ella
Bueno, escuché al viejo Neil menospreciarla
Bueno, espero que Neil Young recuerde
Que un hombre del sur no lo necesita para nada
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(vídeo CountryRock2U) .
La sangre no llegó al río; tras los elogios profesionales mutuos y el conocimiento personal, como puede verse en el vídeo, incluso el cantante de los Skynyrd, Ronnie Van Zandt, llegó a lucir en público una camiseta con una portada de un disco, fantástico, de Neil Young (Tonight’s the Night 1975)
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Y al bueno de Young se le vió con similar prenda en homenaje a la banda sureña
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Una querella ahogada en buena música, disfrútenla...
El Haiku ó Haikai es un poema breve japonés, de tres versos no rimados subdivididos en cinco, siete y cinco moras o sílabas; de ambientación natural, su impactante lirismo recae en su sencillez y en su condensación evocadora.
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En 1962 tras un viaje de conciertos por Japón, un Olivier Messiaen (1908-1992) profundamente impresionado por el país del sol naciente, compuso unos Proyectos para pequeña Orquesta y Piano solo: Sept Haïkaï.
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Siete breves piezas, a modo de haikus, donde condensaba sus impresiones sobre lo que había visto, oído y entendido del Japón. El conjunto, de una belleza tímbrica arrebatadora (feliz síntesis entre el mundo musical de Messiaen, alternativo y naif, y el exotismo de extremo oriente, y más acá), es perfectamente simétrico: una Introducción y una Coda engloban dos evocaciones del paisaje y dos imitaciones de cantos de pájaros, dejando la parte central, el cuarto haïkaï, para una lenta y ceremoniosa música imperial: Gagaku. Un ciclo rítmico eterno...
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I. Introducción: ritmos de la India, polifonía compleja, un canto sólido; como los dos reyes guardianes que encuadran la entrada a los templos budistas (Messiaen)
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II. El Parque de Nara y las Linternas de Piedra: evocación paisajística de la región de Nara, con su templos y su avenida principal con 3000 linternas de piedra.
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III. Yamanaka – Cadenza: el canto de los pájaros del lago Yamanaka, al pie del monte Fuji, con cadenza del piano:
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Haikus I-III:
(vídeo NewMusicXX)
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IV. Gagaku: pieza hierática, estática, a la vez religiosa y nostálgica: movimiento lento, implacable (Messiaen). El encanto irritante de los instrumentos de la música de la corte imperial japonesa: Shô (órgano de boca) e Hichiriki (oboe primitivo) reemplazados por un grupo de ocho violines y una trompeta, respectivamente.
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V. Miyajima y el Torii en el Mar: nueva evocación paisajística saturada de color, de una montaña cubierta de pinos y arces japoneses, que alberga un precioso templo sintoísta, y un torii (pórtico) en el mar. Imaginad todos esos colores mezclados, el verde de los pinos, el oro yel blanco del templo, el azul del mar, el rojo del torii (Messiaen)
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Haikus IV-V:
(MrRaph87)
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VI. Los Pájaros de Karuizawa: vuelven los cantos de los pájaros de montaña, de la región cercana al volcán Asama-Yama, con nuevas cadenzas del piano.
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VII. Coda: retoma la introducción para completarla, y cerrar la obra con el segundo rey-guardián.
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Haikus VI-VII:
(MrRaph87)
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Joela Jones, piano
The Cleveland Orchestra
Pierre Boulez
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Dedicatoria de Olivier Messiaen : « A Yvonne Loriod, à Pierre Boulez, à Madame Fumi Yamaguchi, à Seiji Ozaw, à Yoritsuné Matsudaïra, à Sadao Bekku et Mitsuaki Hayama, à l'ornithologue Hoshino, aux paysages, aux musiques, et à tous les oiseaux du Japon ».
Conviene insistir: el genio musical de WA Mozart encuentra en el piano su medio más natural de expresión; engloba y expone toda su potencia creadora, que es inmensa y que trasciende a lo conocido como música de entretenimiento. Va mucho más allá del denominado estilo galante, deudor en su caso de FJ Haydn, para transmitirnos una Belleza clásica y refinada.
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Mientras, Él, a lo largo de su vida iba clarificando su propio lenguaje sonoro, hasta llegar a la transparencia absoluta y esencial. Así lo vamos a ir descubriendo mientras recorremos esta mini serie sobre sus Sonatas para Piano, demostrando, una vez más, la bendita inutilidad del Arte. La Estética como fin...
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Dejando obviamente aparte sus primeras Sonatas, obras infantiles, perdidas en su totalidad, comenzamos por un primer grupo de seis Sonatas escritas entre el otoño de 1774 en Salzburgo y comienzos de 1775 en Mannheim: las KV 279-284.
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Sonata en si bemol mayor KV281: obra plenamente galante, intrascendente, pero ¡ay, cuán hermosa!; como todas, escrita en tres movimientos; y como casi todas, con la más alta cota de seducción habitando en su movimiento lento:
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II. Andante amoroso: suavidad, delicadeza, elegancia,... en las manos de la exquisita Maria Joao Pires:
Uno de los grandes renovadores de la gran escuela musical polaca a comienzos del siglo XX, miembro del grupo Joven Polonia, fue Karol Szymanowski (1882-1937)
Precoz y dotadísimo compositor, dueño de una personalísima armonía, en cuya obra podemos rastrear diversas y cronológicas influencias: desde una primera etapa, post-romántica, deudora de Wagner y R. Strauss; una segunda fase simbolista e impresionista, influida por Debussy; hasta un retorno a valores nacionalistas basados en un folclore popular. A esta tercera y última fase pertenece su magnífica Sinfonía Concertante para piano y orquesta op. 60, compuesta en 1932 y dedicada a su mentor Artur Rubinstein.
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El auge y valoración de la obra del compositor, recordemos los recientes y exitosos montajes de su ópera Krol Roger en el GTL y TR, nos sirve hoy de excusa para presentar una flamante interpretación de su Sinfonía Concertante (27 de enero de 2012 Herkulessaal, Munich) bajo la batuta del granadino Pablo Heras-Casado, más que una promesa de la dirección orquestal española. Tras su afortunada incursión en el podio de la Filarmónica de Berlin, ahora nos llega al frente de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, con Emanuel Ax al piano, en una lectura de impetuosa tensión y briosa dinámica, dejando la piel en cada arista. Escuchemos el segundo de sus tres movimientos:
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2. Andante molto sostenuto: un piano ostinato acoge un delicado diálogo melódico entre flauta y viola, el cual, tras unas figuraciones del solista, introduce un solo de violín que encadena un formidable crescendo en el tutti; un clímax que se relaja y evapora en delicados timbres cristalinos, avanzados por la flauta y sonorizados en el marfil:
La decimoctava ópera de GF Händel tuvo por título TAMERLANO (1724), y fue fruto literario de una adaptación del libreto de CA Piovene sobre la tragedia Tamerlán o La Muerte de Bayaceto de J Pradon. Obra teatral de gran aceptación en el mundo lírico pues son varias las óperas sobre la misma temática:
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Il Gran Tamerlano (1706), de A Scarlatti
Il Tamerlano (1711), de F Gasparini
Il Gran Tamerlano (1771), de J Myslivecek
Y podemos añadir el pasticcioBajazet (1735), de A Vivaldi
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Pero nadie mejor que Händel para moverse por esta imposible trama de locos amores cruzados y de míticos emperadores bipolares. Nadie mejor que el genio de Halle para poner en la voz del Senesino el fundamental papel de Andronico, o elevar a la tesitura de tenor al emperador otomano Bayaceto, consiguiendo, siglos después, que el ecléctico Domingo se sintiese atraído por el rol. Nadie mejor, efectivamente, que este formidable dramaturgo musical para navegar en un océano de dudas y malentendidos, con escenas de gran fuerza emocional, aromas exóticos y variedad de afectos:
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Acto I: presentación
Melancolía en el aria de Asteria S’ei non mi vuol amar:
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(vídeo tenar41146)
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Acto II: nudo
Pena en el aria de Andronico Cerco in vano:
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(vídeo sosarme1)
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Acto III: desenlace
Dulzura, valor y consuelo en el dúo de amantes, Andronico y Asteria, Vivo in te, mio caro bene:
Con ese despectivo nombre denominaron los británicos a la fértil e imaginativa escena rock de principios de los setenta, en la conocida por entonces como República Federal de Alemania; nosotros no íbamos más allá de llamarle Rock Alemán. La gran influencia anglosajona, incluso cantaban en inglés, cosechaba los primeros frutos autóctonos de la juventud post-Reich, y lo hacía a lo grande, cualitativa y cuantitativamente.
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Pese a la amplitud de propuestas, además de la coincidencia en tiempo y espacio, se pueden rastrear en muchos de los grupos influencias comunes, explícitas o no, que van desde Stockhausen hasta la cultura psicodélica post-hippie, pasando por la Velvet Underground, el free-jazz, las vanguardias clásicas o el etnicismo sonoro más exótico, para dar un impulso potente y mucho lustre al Rock Progresivo con fuerte dosis de experimentación.
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Por motivos didácticos, siempre erróneos y de líneas difusas, distinguiría una línea o escuela Planeadora o Cósmica, basada en sintetizadores, muy atmosférica, liderada por grupos de la talla de los nebulosos Tangerine Dream, Ash Ra Tempel, los industriales Kraftwerk o los místicos Popol Vuh (autores de bandas sonoras de algunos de los mejores films de Werner Herzog, Nosferatu, Aguirre, Fitzcarraldo) Su legado provocó la explosión de la música electrónica, el Ambient y la New Age.
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Por otro carril, paralelo, una tendencia más rock, potentemente rítmica y mucho más interesante para mi gusto, de algún modo seminal para la aparición del punk; su origen puede encontrarse en el grupo NEU! y los representantes más destacados para quien suscribe son:
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AMON DÜÜL II: nacidos artísticamente en la comuna Amon Düül de Munich, supusieron la evolución dospuntocero, o sea profesional, de la faceta musical de dicho enclave artístico, alejados de veleidades políticas. Con el multiinstrumentista C. Karrer (guitarra, violín, saxos, voz) al frente y una vocalista con ínfulas líricas Renate Knaup, el grupo fue enormemente libre en su aspecto creativo; de amplia paleta instrumental se movían a sus anchas en las largas improvisaciones saturadas de toda la variedad de influencias imaginables. Para valorarlos escuchemos dos ejemplos de su magnífico segundo y doble álbum YETI (1970):
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Sandoz in the Rain: improvisación de aromas exóticos entre flauta y violín.
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(vídeo krautfranz)
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No se engañen con el ejemplo anterior, también tenían su lado salvaje:
Arcangels Thunderbird: potentes riffs de ambiente siniestro
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(vídeo estepedeamigos)
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CAN: (Comunismo, Anarquismo, Nihilismo) posiblemente los mejores, mucho más creativos e imaginativos, su influencia llega hasta nuestros días entre los grupos más rompedores, en especial en la propuesta world music. Con una formación muy sólida de miembros provenientes de distintas escuelas musicales: clásica, jazz, rock, y un vocalista japonés en sus mejores tiempos, construyeron auténticos rascacielos sonoros basados en un concepto rítmico muy rico e inteligente, gracias a una base rítmica brutal Czukai/Liebezeit (bajo/batería), en un ambiente psicodélico. Con el tiempo fueron derivando hacia propuestas más atmosféricas, pero todavía disfrutamos de su doble elepé TAGO MAGO (1971)
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Oh Yeah: un tema que comienza en viaje cósmico para terminar en una danza tribal
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