De la Naturaleza a la Trascendencia

(nebulosa del cangrejo)

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¡Oh, Hombre! ¡Presta atención!

¿Qué dice la profunda medianoche?

¡Yo dormía!

¡Me desperté de un sueño profundo!

¡El Mundo es profundo!

¡Y más profundo de lo que el día recuerda!

¡Oh, Hombre! ¡Presta atención!
¡Profundo es tu dolor!
¡El placer es más profundo aún que el sufrimiento!
El dolor habla ¡Desaparece!
Más todo placer quiere Eternidad,
¡Quiere profunda, profunda Eternidad!
- F. Nietzsche -.
Este texto de Así habló Zaratustra fue utilizado por Gustav Mahler para poner voz humana al cuarto movimiento de su Tercera Sinfonía en Re menor: lo que me cuenta el hombre. Punto intermedio del relato cosmogónico emprendido en su grandiosa obra en seis movimientos: “la construcción de un mundo”; desde la Naturaleza inanimada, generadora de vida, hasta el místico final en la pura Trascendencia: lo que me cuenta el Amor.
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El Amor entendido por Mahler como el dios supremo, en un sentido religioso y moral, en una especie de panteísmo sinfónico. A través del Arte late la ansiedad del ser humano por la trascendencia, la eternidad, la disolución en el todo…
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El comienzo, un caos originario sometido a los elementos:
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Parte Una
I. El Despertar de Pan : en la llamada de las ocho trompas (el estado natural en el lenguaje romántico), y su fecundación vital que inicia una constante marcha incansable y primigenia conducida por la salvaje omnipresencia de los metales (entrada del verano): El Inicio de Todo, en la referencial versión de Jascha Horenstein 1970 con la London Symphony Orchestra (vídeo Barbebleuei)

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Siguiendo los peldaños intermedios:
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Parte Dos
II. Lo que me cuentan las flores del campo: en un delicado minuetto de “música despreocupada, como solo saben serlo las flores” (Mahler)
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III. Lo que me cuentan los animales del bosque: el scherzo bromista con canto de pájaros y corno de postillón. “Mi música no es más que el ruido de la naturaleza”
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IV. Lo que me cuenta el hombre: un lied orquestal de medianoche, misterioso, profundo y grave, en la más baja tesitura femenina.
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V. Lo que me cuentan los ángeles: coral canto celestial del Wunderhorn, alegre e ingenuo en el Coro de niños.
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Subiendo hasta el plano superior, el sublime Adagio final, extenso e intenso:
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VI. Lo que me cuenta el Amor: un devenir atemporal en dos temas contrastantes, instrumentados en los registros agudos de los violines, cuyas melodías solemnes y meditativas nos van convirtiendo en polvo estelar, en Cobalto químicamente puro; aquí en la impresionante lectura de F. Charles Adler 1952 con la Vienna Symphony Orchestra (vídeo Barbebleuei)

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El Génesis según Mahler…

Álbumes de una vida (14): La Flauta (mágica) de Klemperer

¡Ay, tengo el presentimiento
de que la dicha del amor
ha desaparecido para siempre!
¡Nunca volveréis a mi corazón,
horas de delicia!
-Pamina-
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Retomando la máxima de que el primer corte es el más profundo, sabemos que no hay nada comparable a la primera vez. Aún siendo limitada, insuficiente o atropellada, esa novedad suele dejar huella imborrable, pues tendemos a positivizar y mitificar los recuerdos trascendentes, que de una u otra forma nos van modelando. El ejemplo más representativo es el primer amor.
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Algo parecido, o similar, o igual, fue mi primera Die Zauberflöte con mi primer Klemperer. (a WA Mozart ya le conocía). Guardada como un tesoro, agradecido a los hados por estrenarme con algarabía con semejante maravilla con músculo. Tal era el hechizo, que tendía a oficiar su escucha con cierta liturgia vinílica: extrayendo con mimo el negro acetato, depositando sin respirar la aguja fonocaptora sobre el microsurco, y espaciando, por precaución, su uso, suplicando al que estuviese al mando que impidiese, como fuera, el deterioro de semejante grial. No fallaba: el ciclotímico Otto Klemperer embrujaba una y otra vez la estancia; yo juraría incluso que cada vez con más intensidad, si ello era posible.
. Requerido por Walter Legge, el mandamás de EMI, para la primera Flauta Mágica en estéreo de la compañía (1964), impuso su criterio de no registrar los recitativos de la obra, pues en su consideración no eran necesarios en ausencia de representación. Peleado con el jefe, y con la orquesta Philharmonia pendiente de disolución, extrajo el mejor sonido y la más alta musicalidad de esas sesiones. Acusado de pétreo, monolítico, pesado y lento, en este registro demuestra que sin perder nada de su poderío, clarifica el ambiente sonoro, agiliza el discurso, exhibe los detalles, y presenta en todo su esplendor esta música perfecta (Klemperer dixit). Un director genial…
. Contó además con el mejor elenco de una compañía mítica: el Nicolai Gedda más lírico y atractivo, un tenor para todo; la dulcísima Pamina de la opulenta Gundula Janowitz; el atractivo y dicharachero Papageno de Walter Berry; el insondable Sarastro de Gottlob Frick… e incluso, fíjense bien, Tres Damas de auténtico superlujo: Elisabeth Schwarzkopf, Christa Ludwig y Marga Höffgen (sic). Pero donde ya todo se sublima es en la referencial interpretación de la Reina de la Noche a cargo de la añorada Lucia Popp, en la belleza excelsa de su timbre y la claridad cristalina de su sobreagudo.
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Sirva como eficaz recuerdo e ilustración musical, única, la primera aria de la Königin, "O zitt’re nicht, mein lieber sohn!" dotada de un sobrenatural empuje en la entrada fulgurante de la orquesta, como un relámpago de amor y temor, en un crescendo a degüello, que solo podía manejar y resolver la Popp…

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Wooden Ships

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"Si me sonríes, te entenderé.
Porque eso es algo que todo el mundo hace en el mismo idioma"
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Así comienza uno de los temas míticos de finales de los sesenta, emparedado entre el miedo al holocausto nuclear de la guerra fría, vía Vietnam, y la rebelión juvenil disfrazada de revolución de paz y amor. Una letra apocalíptica para una casi dialogada balada, y un himno… ¿Psicodelia del Terror?
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En pleno cambio sociológico, el nuevo lenguaje de la música popular supuso un vehículo especialmente atractivo para su difusión y comunión. La promiscuidad musical entre los estandartes del movimiento fue legendaria, pese a los impedimentos legales; resulta complicado poner barreras al Arte y al Amor, más aún si van de la mano.
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Los Barcos de Madera fueron construidos en los astilleros de David Crosby, Stephen Stills y Paul Kantner. Los dos primeros completaron la botadura en su formidable primer disco “Crosby, Stills & Nash” publicado en mayo de 1969. Kantner iniciaría otra singladura, con su excelente banda Jefferson Airplane (la mejor de la bahía) en su no menos maravilloso sexto álbum “Volunteers” que vio la luz en noviembre de ese mismo año.
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Hoy les propongo la escucha de ambas interpretaciones, tan diferentes y tan atractivas; las dos originales, pues la historia conoce multitud de otras…
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Por orden cronológico, la primera es la siempre delicada, elegante, de preciosas armonías vocales, versión de C, S & N a los que pronto Neil Young pondría la pimienta que necesitaban: (video de sherrylynn70)
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Ahora la lisérgica lectura de Jefferson Airplane, con sus dos cantantes al frente: Marty Balin y la siempre maravillosa Grace Slick: (video de JeffersonJukebox)
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Personalmente no quisiera renunciar a ninguna, pero por si alguien está interesado: me quedo con el ácido… y con la pregunta: who won?

Tercera de Brahms: calidez invernal

La Sinfonía n.3 en fa mayor op 90 de J Brahms fue estrenada por la Filarmónica de Viena en 1883, obteniendo un gran éxito de público y crítica. Catalogada por el director del estreno, Hans Richter, como la Heroica brahmsiana, es considerada la más perfecta de sus obras sinfónicas.

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Escuchemos dos movimientos en la lúcida, decidida e imprescindible versión de la orquesta Philharmonia dirigida por Otto Klemperer. (vídeos de Addiobelpassato)

El tercer movimiento Poco allegretto, que se abre en una fluida y amplia melodía de los violonchelos, es de clima sereno pero sombrío, en el cual las cuerdas semejan maderas, las trompas, al retomar el tema inicial, parecen maderas; junto con las propias maderas del viento, forman la leña que arde en el hogar; un excepcional caso en el que la energía no se transforma sino que se bifurca:

El cuarto movimiento Allegro, trufado de temas y de un heroísmo muy personal, animoso y contenido, anima a salir a pasear en trineo entre abetos blancos, en las escasas horas de sol helado, sabiendo que nos espera la lumbre, para en sus rescoldos caer en la meditación: en la siempre meditativa música de Brahms:

Historia de la Navidad

Giotto - Natività (detalle)
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Abundante es la literatura musical sobre temas y textos navideños, tanto a nivel popular como culto; y grandes son las cimas alcanzadas a través de los siglos. Pero una de las obras más antiguas y hermosas sobre este hito cristiano es la Weihnachts-Historie SWV 435 de Heinrich Schütz (1585-1672)
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Compositor y organista alemán, nacido en Turingia, con sólida formación germana pero con ampliación de estudios, todo un plus, en la Venecia de principios del XVII con dos nombres señeros de la música: Giovanni Gabrieli y Claudio Monteverdi (enseñanzas que se reflejan en sus obras corales). Schütz fue desde 1617 Maestro de Capilla de la corte de Dresde, para la cual, ya en el otoño de su vida, compuso esta obra maestra, entre 1660 y 1664, fecha del estreno de su versión definitiva.
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Su historia navideña, basada enteramente en textos evangélicos de S. Lucas y S. Mateo, se desarrolla entre una Introducción-Sinfonía y una Conclusión para coro y orquesta, que engloban ocho Intermedios para los distintos personajes que deambulan por la historia (Ángeles, Pastores, Magos, Herodes, Sumos Sacerdotes) engarzados todos por la narración del Evangelista en un estilo parlando de evidente entonación gregoriana.
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Sinfonía: para coro a cuatro voces y orquesta completa que introduce la narración de la Natividad.
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Evangelista
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Intermedio I: el Ángel (soprano) anuncia la buena nueva a los pastores, entre texturas de viola da gamba y un tempo oscilante, entre moderato y presto.
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Evangelista
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Intermedio II: un ejército de Ángeles, coro a seis con sopranos y tenores doblados, canta la Gloria de Dios:

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"Ehre sei Gott in der Höhe"

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Evangelista
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Intermedio III: los pastores, dos contratenores, se dirigen a Belén con sus atributos instrumentales: flautas de pico y fagot.
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Evangelista
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Intermedio IV: pasaje de los tres Reyes Magos, tres tenores, que en un ritmo de marcha preguntan por el recién nacido (Wo ist? / Dónde está?) :
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"Wo ist der neugeborne König der Juden?"

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Evangelista

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Intermedio V: cuatro bajos personifican los Sumos Sacerdotes sacralizados por las dos partes de trombón:

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"Zu Bethlehem im judischen Lande"

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Evangelista
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Intermedio VI: dignificado por las trompetas, el bajo Herodes ordena diligentemente la búsqueda del niño, con un trasfondo de profunda hipocresía, casi bufa:

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"Ziehet hin"

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Evangelista
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Intermedio VII: el ángel-soprano urge a José a abandonar Israel, (Stehe auf! / Levántate!) con una línea musical ascendente
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Evangelista
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Intermedio VIII: ángel-alto, en una pieza más alegre, anuncia la muerte de Herodes y anima al regreso.

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Evangelista
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Conclusión: doble coro de agradecimiento por la venida del Mesías, en escritura veneciana, fruto del master con Gabrieli: masa coral y conjunto instrumental se responden en eco:

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"Dank sagen wir!"

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Ensemble Vocale - René Jacobs

(Vídeos de ataknoT)

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¡Venturoso Año Nuevo!

Zemlinsky (VI): "DER KREIDEKREIS"

Poster de Karl Domenik Geissbuehler
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Compuesta entre 1930 y 1932 El Círculo de Tiza fue la penúltima ópera de Zemlinsky, la última completa.
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El libreto de Klabund (Alfred Henschke) es un cuento chino, basado en una obra en verso de Li Xingdao (siglo XIV), obra maestra de la literatura de la dinastía Yuan, la cual inspiró también a Bertolt Brecht su Círculo de Tiza del Cáucaso.
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Una obra con final de cuento de hadas, un cuento de navidad, que sustancia potentes conflictos vitales de manera extremada: bondad/maldad, riqueza/pobreza, brutalidad/dulzura, sumisión/rebelión, amor/odio…
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Zemlinsky quiso extraer toda la magia oriental, tan en boga en esa época, de la obra literaria, enfatizando el componente tímbrico con todo su habitual y magistral lirismo cromático y su expresionismo musical más refinado (véase el delicado retrato de Haitang asociado a la flauta). Al que quiso y supo unir las modernas corrientes de sabor jazzístico que impregnaban algunas obras contemporáneas, como las de Kurt Weill o Ernst Krenek (escúchese el saxofón que abre la obra)
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La ópera se concibió abierta a la audiencia, con diálogos hablados y expresión directa, como si en un cabaret berlinés nos encontrásemos.
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Aunque llegó ser estrenada en varias ciudades alemanas (Berlín, incluido) pronto fue considerada Entartete Musik.
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Acto I: incapaz de pagar sus deudas al mandarín Ma, el padre de la bella Haitang se suicida. Al tiempo que su hermano Chang-ling se convierte en revolucionario, su madre vende como prostituta a la joven, siendo Ma quien la compra, y la convierte en su segunda esposa, pese a que el enamorado príncipe Pao intenta pujar por ella.

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Acto I: "Am ufer hinter Weiden" (Haitang)
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Acto II: Yu-Pei, la primera esposa de Ma, sabiendo que Haitang le ha dado un hijo, envenena a su esposo acusando a ésta del homicidio, y reclamando su hijo como propio.

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Acto II: "Darf ich eine Frage " (Yu-Pei, Ma, Haitang)
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Acto III: Haitang es juzgada y condenada a muerte, pero la desaparición del Emperador y la ascensión del príncipe Pao al trono suspende todas las condenas. Revisado el caso por el nuevo monarca, éste decide probar a ambas mujeres. Colocado el niño dentro de un círculo de tiza se considerará que la madre será aquella que logre sacarlo hacia sí. Temerosa de lastimar a su hijo, Haitang suelta la mano del pequeño para que Yu-Pei se lo lleve. Pao proclama a Haitang como su verdadera madre al tiempo que le hace saber que él es su padre pues la día de su venta entró a escondidas en casa de Ma y pasó la noche con ella. Haitang es elevada a Emperatriz y su hijo proclamado príncipe heredero.

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Acto III: Preludio-Interludio-Escena final (Pao, Haitang)

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Renate Behle, Haitang
Gertrud Ottenthal, Yu-Pei
Roland Hermann, Ma
Reiner Goldberg, Pao
Radio-Symphonie-Orchester Berlin
Stefan Soltesz
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PS: aprovecho el Cuento para desearos Amor y Música, ahora y siempre!

Álbumes de una vida (13): Hot Rats (FZ)

En el año 1969 mientras algunos estiraban melodías de compasillo, el gran Frank Zappa se metía en el estudio con un novedoso, aún en pruebas, equipo de grabación de 16 pistas para alumbrar un puzzle sonoro espectacular. Un álbum bizarro, en su doble acepción; española: generoso, lúcido, espléndido, valiente; anglo-francesa: extravagante, transgresor, delirante, raro. Todo esto, y mucho más, es Hot Rats… también una cumbre del eclecticismo musical y la experimentación sonora.
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Para su segundo disco en solitario, sin The Mothers of Invention, se hizo acompañar por su mano derecha de aquella época, Ian Underwood, un multiinstrumentista de sólida formación (piano, órgano, saxos, clarinetes) contando además con la colaboración de renombrados músicos de sesión para la sección rítmica y el violín eléctrico; y la aparición de su buen amigo Don van Vliet (Captain Beefheart) para poner voz a un escaso texto en un único tema. A lo que hay que añadir la explosión como gran guitarrista de FZ con su fulgurante Gibson Les Paul Goldtop, quien sin un portentoso virtuosismo instala una sonoridad apabullante, casi polifónica. Para rematar la faena, un caratulista de primera clase: Cal Schenkel fotografiando en tonos psicodélicos a Miss Christine (integrante del grupo GTO’s, a la sazón novia del todavía activo Alice Cooper)
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El resultado fue una obra instrumental adelantada a su tiempo, donde tienen cabida líneas pianísticas jazzísticas, improvisaciones de saxo ácido, complicadas tramas de teclados, guitarras desatadas del más puro rock sesentero, bases rítmicas balanceándose entre el blues y el funk, incendios sonoros de la mejor fusión, arreglos de viento a lo big band, … todo pasado por el personal e inconfundible sello psicodélico e iconoclasta de Zappa, su complejidad y sofisticación; y por una riqueza sonora, a lo wall of sound, de texturas y colores superlativos.
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Al grano:
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Peaches en Regalia: tras el redoble inicial, y sobre una base de teclados, aparece una melodía muy simple, casi infantil, que se va rellenando con texturas de sonidos diversos, auténtica inflación, que van ampliando el paisaje sonoro con colores evanescentes. Un clásico indefinible… (MrMLD72MLD)
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Willie the Pimp: un ritmo ostinato decididamente funk, también para el violín solista y la voz, que conduce a un imposible solo de guitarra, intenso y demoledor, incontinente, doblando notas, derivando hacia su lado más blues, que nos lleva sin aliento hacia un clímax excéntrico.
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Son of Mr Green Genes: comienza en la melodía de clarinete y saxo para dar paso a la guitarra en un cambio de ritmo que intensifica la atmósfera, con incursiones del saxo tenor, para redondear la tormenta sonora perfecta en el vértigo de la guitarra y la base rítmica, hasta dejarnos exhaustos de exuberancia. (vinzer72frie)

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Little Umbrellas: la calma tras la tormenta, un walking bass para una progresión claramente jazzística entre metales y maderas, relajada y cool. Dame más… (RakyMaky)
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The Gumbo Variations: una extensiva jam session para saxo desaforado, violín incendiario y guitarra ardiente que explota en una anarquía sonora, alma mater del arte zappiano.
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It must be a Camel: un tema muy experimental, basado en atmósferas y texturas de saxo, piano, violín, comprometidamente relajante y creativo. Un espejismo sonoro alucinante.
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¿¿¿Blues, Funk, Hard-Rock, Pop, Jazz-Rock, Psicodelia, Cool, Expresionismo, Rumba Catalana ???
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- Alucino, maestro ¿qué es todo esto?
- ¡Es la Música, imbécil!

Inusual Concierto

Inusual resulta recibir en una pequeña ciudad, alejada de cualquier circuito o festival, a un artista de primera fila en plena expansión, como es el joven pianista británico Paul Lewis.
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Inusual es acoger, aún sin algunos de sus primeros atriles, a la Sinfónica de Galicia haciendo honor a su apellido.
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Inusual es que dicha orquesta haya venido acompañada de su director titular: Victor Pablo Pérez, en traje de faena.
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Inusual se ha convertido encontrar en un programa tres Conciertos para Piano y Orquesta de Ludwig van Beethoven: Segundo, Tercero y Cuarto.
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Inusual el gratis total, previa reserva de invitación, que se convirtió en un puertas abiertas en el Auditorio municipal.
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Usual la asistencia: medio aforo (siendo generosos)
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Paul Lewis es un pianista muy personal, cuya carrera en ascenso se fundamenta en Beethoven (y en Schubert). Su integral de Sonatas recorrió medio mundo, y acaba de publicar sus cinco Conciertos para piano con la Orquesta Sinfónica de la BBC bajo la dirección de J. Belohlavek.
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Dueño de un sonido delicado, sus lecturas se decantan hacia el lirismo, la introspección, la poesía transparente, dejando señas de un virtuosismo amable, delicado, humano, veraz. Su aproximación estilística a Beethoven deriva claramente hacia el eje de la dulzura en detrimento del otro eje cartesiano de la música del genio de Bonn: la violencia. Tal vez ese sesgo deviene su personal aportación…
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La orquesta, pese a la ausencia de su primer concertino, mantuvo la belleza de su sonido, basada esta vez en el empaste de sus cuerdas, si bien adoptando un discreto plano secundario siempre dialogante y arropador. VPP, contenido y dúctil, no digo más…
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Primera parte:
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Concierto para piano n.2 en si bemol mayor op19: interpretación relajada, a modo de introducción, para una obra menor del catálogo de un Beethoven de pequeña orquesta, en la cual destaca el fluido y elocuente Adagio.
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Concierto para piano n.4 en sol mayor op58: obra de alturas sinfónicas pertenecientes al gran Beethoven, cuyo monumental primer movimiento -Allegro moderato- resultó un prodigio de dinámica, elegancia y refinamiento.
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Segunda parte:
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Concierto para piano n.3 en do menor op37: bellísima lectura, siempre recogida, pura y delicada de esta partitura de aromas mozartianos, en cuyo Largo, fervoroso, casi un nocturno, se hizo carne (sonido) la magia de su mecánica digital.
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De los Proms de este mismo año: Paul Lewis interpreta dicho segundo movimiento, o cómo convertir el piano en arpa: (vídeo de JCThompsonMA)
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Inusual Belleza… casi una caricia.

Woman 8/12/1980

Excéntricos (?)

carámbano -broken haiku- flickr CC

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Escribir con una espada
Acariciar sin tener manos.
Encontrar pedazos de luna en los bolsillos.
Comprar una playa con gritos.
Ir al infierno a ver un amigo.
Enviar una mano a su amada.
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-Carlos Edmundo de Ory- (1923-2010)
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Excéntrico: dícese del carácter extravagante.
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Extravagante: que se hace o dice fuera del orden o común modo de obrar. Raro, extraño, desacostumbrado, excesivamente peculiar u original.
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Pienso que no hay mes más raro, extraño, peculiar y original que el de diciembre: con sus luces, su gula, sus festivos y su felicidad a fecha fija, todo envuelto en blanco. Mes ideal para mencionar a Erik Satie (1866-1925): músico inclasificable, coqueteador con todas las vanguardias, siempre independiente. Como diciembres son sus Gnossiennes impares: unas piezas esenciales. Carámbanos suspendidos de una conífera, cuyas gotas de agua percutieran obstinadamente, al caer, sedosas cuerdas azarosas.

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retrato de Erik Satie -Suzanne Valadon-

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Un juego frío, cristalino, candente como hielo: la mejor molécula en su estado más puro. Filos de espejos que cortan como amenazas… música digital, modernamente suspendida de la nada, cuya infinitud concreta la mano izquierda marcando la cadencia del goteo…
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Aldo Ciccolini, piano

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para Anderea ...