La Santísima Trinidad del Heavy

Buceando por el proceloso piélago digital me he encontrado con esta irreverente terminología para denominar los tres álbumes más míticos del heavy-metal ó rock duro; aquellos que crearon y establecieron el género. Luego con los años surgirían subgéneros y subestilos, y una parafernalia de nombres de difícil seguimiento: nu-metal, death metal, gothic-rock, extreme, trash, doom… (un lío, repleto de parafilias)
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Nacido a comienzos de los setenta sobre un poderoso y machacón rythm & blues, guitarreo incontrolado, tormentosa electricidad… Imprescindible: voz chillona tirando a aguda, guitarra solista endiablada, y base rítmica ostinata. Ah! el pelo muuuuuuuuy largo… el cuero es opcional.
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Podrían haber sido más pero los tres elegidos representan bien las raíces del género, así como unas obras más que geniales, míticas:
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Led Zeppelin “IV” (1971): los emperadores del rock duro, en su disco más carismático (sí, el del cuadro en la pared ruinosa; sí, el de los símbolos; sí, el de “Stairway to Heaven”). Sin duda una raíz segura y potente donde alimentar el metal. De él elijo el poderoso tema de título inequívoco “Rock And Roll” con Robert Plant a tope de cuerdas vocales y Jimmy Page con sus guitarras polifónicas:
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Deep Purple “Machine Head” (1971) otro must have, la explosión de la profundidad purpúrea. Aún conteniendo su imprescindible “Smoke on the water” me quedo con la intensidad rítmica de “Highway Star” como un tren acercándose machaconamente con voz chillona desde la ventanilla (Ian Gillan); atención a los solitas John Lord al órgano barroco, y el imprescindible Ritchie Blackmore a la guita:
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Black Sabbath “Paranoid” (1970): más toscos y simples que sus contemporáneos, sembraron la semilla del black-metal y el doom: tinieblas y demencia fifty-fifty en los escarceos de la adorable bestia de Ozzy Osbourne entregando el tema homónimo de referencias psiquiátricas:

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Mehta en el Xacobeo

Otro rutilante nombre desfiló por el Xacobeo Classics, pero esta vez no venía solo: traía una Orquesta de Ensueño.
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El maestro Zubin Mehta pasó por el Auditorio de Galicia con prisas y cierta sosería. Media sonrisa para los aplausos de recibimiento, cortados de raíz; saludos contenidos hacia los premios del respetable. De bises, nada se supo. Su labor a la batuta podríamos calificarla de profesional y enfática con Beethoven (Obertura Leonora III), dúctil y protectora con Schumann (Concierto para piano en la menor), y brillante, transparente, energética, lujuriosa y atractiva con R Strauss (piezas de Salome): Irresistible, vaya. Sin concesiones ni genialidades, domina su oficio y lo hace atractivo para el público, conduciendo a una orquesta que toca casi sola…
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La Orquesta de la Comunitat Valenciana venía precedida por su fama, y a fe mía que superó la expectación. Una máquina de sonido perfectamente engrasada, tocaba fácil, certera, homogénea, dejando una sonoridad untuosa, exuberante, cálida y seductora; la música corría entre las distintas secciones con exquisita fluidez. No había bajones ni desmayos, ni entre sus atriles ni en el discurso musical.
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Javier Perianes al piano, no pudo con el Concierto de Schumann; sensible en el concepto y recogido en la técnica, no supo dotar de la emoción precisa tan exquisita e inestable obra del gran repertorio. Falto de fuerza anímica, confuso en las cadenzas, lineal en los arrebatos, no acertó a despegar… pese a tener un acompañamiento exquisito por parte de un Mehta, maestro y ayudante, que le entregó unas nubes orquestales donde acomodarse: nimbos de cuerda, cúmulos de metal, estratos de madera… No fue suficiente.
. La segunda parte, Danza de los siete velos y escena final de Salome, fue el momento álgido del concierto. En la Danza hubo arrebato, pasión, ansiedad, opulencia, en la tórrida versión de una Orquesta encendida... con tungsteno. Para la escena final se sumó la soprano Camilla Nylund (supongo que preparando el estreno valenciano de la ópera de Strauss) Pese a enfrentarse a toda la potente orquesta rstraussiana sobre el escenario, la noruega salió indemne y triunfadora por belleza metálica, poderosa proyección y dramatismo delineado. Aunque muy escasa en la parte grave de la tesitura, acertó con la intensidad del personaje, sufriente y lacerante, imponiéndose a una centuria desatada.

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Para hacer justicia a Robert Schumann en su aniversario, os dejo el primer movimiento de su Concierto (allegro affetuoso) en una de mis lecturas preferidas: la de Dinu Lipatti

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(post dedicado a assai y a "su" orquesta)

Kokoschka/Hindemith: "Mörder, Hoffnung der Frauen"

Cielo nocturno. Una torre con una roja verja de hierro como puerta; antorchas como única luz.; un camino oscuro sube hacia la torre donde todas las figuras aparecen en relieve.

Así nos describe Oskar Kokoschka el ambiente de su drama "Asesino, Esperanza de las Mujeres" (1907); el resto queda explícito en su cartel para el estreno. Basado en Sexo y Carácter (1903) de Otto Weininger, un hito de la misoginia, es considerado el primer drama expresionista alemán. Plantea la batalla de sexos… en un entorno mítico, donde intenta desnudar la idea de mujer. El Hombre como ser puro y espiritual, sometido a la necesidad de la Mujer, como ser falso, parasitario. El drama se convierte en una alegoría del acto sexual, con su carga de dominación: mientras éste intenta escapar, ella no puede, siendo su esperanza la aniquilación.

Paul Hindemith, impresionado por la obra, la convirtió en 1919 en una ópera de cámara, en un solo acto, dotada de una desaforada pulsión. Nació así la primera parte de su Tríptico Expresionista que se completaría con Das Nusch-Nuschi (1921) y Sancta Susanna (1922).

Una música salvaje, nervuda, lujuriosa, repleta de aristas… poderosos ritmos, disonancias, cromatismo, tritonos… Una disección anatómico-musical que se abre en un crescendo de metales, y cuya seducción bebe en el Tristan wagneriano.

Dos personajes: Hombre (barítono), Mujer (soprano), cada cual con su correspondiente coro.

Sinopsis: el Hombre con armadura, herido, pálido, llega liderando su cansada horda de hombres hasta la torre de la Mujer, quien entre sus asustadas mujeres lo recibe orgullosa “Con mi aliento abanico el amarillo disco del sol, mis ojos captan el júbilo de los hombres, su lujuria merodea a mi alrededor como una bestia” El Hombre ordena que sea marcada con su hierro, tras lo cual la Mujer logra herir con un cuchillo al Hombre, quien cae entre convulsiones “ansia insensata de horror en horror, desapacible rotación en el vacío. Tormentos del nacimiento sin nacimiento, precipitándose abajo del sol, temblando en el espacio. El final de aquellos que me elogiaron.” Entonces los hombres aprovechan para encerrarle en una jaula, dejándole en compañía de la Mujer quien se arrastra a su alrededor y se agarra a sus barrotes; parten a divertirse con la mujeres. Mientras La Mujer le va torturando y provocando, el Hombre va recobrando sus fuerzas “quién me amamanta con sangre?. Devoro tu carne”, Ella flaquea “tu amor me encarcela, me sujeta con cadenas de hierro, me estrangula, déjame ir…” El Hombre, repuesto, abre la puerta de su jaula, toca con sus dedos a la Mujer hiridéndola de muerte y se dirige hacia el grupo de hombres y mujeres, dejando tras de sí un reguero de sangre y fuego.

Una obra radical, provocadora, cruda, atractiva…

Escuchemos el comienzo y el final de la ópera en la versión de Franz Grundheber, Gabriele Schnaut, el Verstärker RIAS Kammerchor y la Radio-Symphonie-Orchester Berlin, dirigidos por Gerd Albrecht:

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Aquí la puedes descargar completa

200 años con Schumann

Hace dos siglos vino a este mundo un prototipo del Romanticismo: Robert Schumann, el inestable, el sufriente, el frenético, el enamorado, el genio.
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Su desbocado amor por Clara Wieck le dicta sus Kinderszenen op 15, arquetipo de esas hermosas y aladas piezas para piano que evocan el placer y el dolor en su mínima duración. Aquí quedan en las manos de Horowitz en el Musikverein (video de LVB1770):

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Oda a la vida retirada

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¡Qué descansada vida

la del que huye del mundanal ruido,

y sigue la escondida senda

por donde han ido

los pocos sabios que en el mundo han sido

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(Fray Luis de León)

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Actividades campestres me obligan a estar algo alejado del amable lector, quien sabrá disculparme, y de paso descansar del Castillo.

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¡Qué calma y sosiego nos regala la naturaleza! y también música a través de unos sonidos, que en ocasiones, por habituales, pareciera que no escuchamos. que no progresasen desde el oído medio.

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Adriano Banchieri, nacido Tomasso (1568-1634) compuso en 1608 Il Festino, una comedia madrigal, que incluía un número en imitación natural denominado Contrapunto Bestialle alla mente, que pasamos a escuchar en las voces de los King's Singers:

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¡Que ustedes lo descansen bien!

De la técnica hacia la Emoción

Todos los buenos aficionados sabemos, también los buenos profesionales, que la perfección técnica en el Arte, en la Música, no es un fin sino un medio. Un medio, necesario, imprescindible si quieren, para alcanzar el fin último: la Emoción, el Sentimiento,… esa saturación sensorial que colapsa los centros emotivos superiores, desbridando el mundo vegetativo.
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En un mundo tan superficial y mediático como el actual, tal vez la exteriorización de unas habilidades, manuales o vocales, pueda llevar a un cierto tipo de emoción, más cercana al asombro, a la boquiabierta admiración por la dificultad; pero en sí mismas estériles en cuanto a fecundidad artística.
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Valga toda esta reflexiva introducción, bien conocida y debatida, para hacer referencia al reciente recital del famoso pianista chino Lang Lang en SdC dentro del marco del Xacobeo Classics. Gran expectación para un programa variado: dos Sonatas de Beethoven (op.2 y op.57 Appassionata), primer cuaderno de la Iberia de Albéniz y la Sonata n.7 de Prokofiev.
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Muy favorable acogida para un músico conocido ya del gran público merced a su gran exposición mediática, hasta el Hormiguero de Cuatro, y una agenda repleta.
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La Iberia, de ambientes muy alejados, más cercanos a una casa en el Honan que al puerto de Cádiz, y el resto del programa pecaron de los mismos defectos: una prodigiosa y llamativa técnica que entra más por los ojos que por el oído, para un producto artístico que suena artificial y vacío. Leyendo las partituras a su bola, manejó a su antojo una poderosa digitación fuera de serie, portentosas dinámicas, endiabladas escalas, instrumentación heroica, virtuosismo de recursos técnicos tendente al exhibicionismo pero ¡ay! sin ese control de recursos expresivos con que los grandes perfuman las obras maestras; provocando la ausencia de remansos neuronales donde solazarse. Parafraseando al programa de mano: le sobra precisión para bordear la belleza en ausencia de sabor.

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Rescataría la Sonata de Prokofiev, por su machacona y pulcra lectura, muy adecuada a tan intensa partitura.
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Su desafiante juventud nos hace mantener viva la esperanza de que, con tal base y dominio técnicos, el pianista artístico se pueda ir haciendo, a fuego lento. Mimbres hay...
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¿Recuerdan el recital Zimerman que les comenté hace unos meses? … pues justo lo contrario. Eso sí, Lang Lang con mucho más público y más bravos… yo salí más frío.
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Les dejo con el Allegro assai de la Appassionta en las versiones del propio Lang y de Wilhelm Kempff:
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Cerrando con el Allegro ma non troppo, en la emoción de Claudio Arrau:

Steely Dan, una banda de culto (6): AJA

"the perfect musical antiheroes for the Seventies" (revista Rolling Stone)
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Dos excelentes músicos neoyorquinos, Donald Fagen (teclados, voz) y Walter Becker (guitarras, bajo eléctrico) forman la esencia, el núcleo duro, de esta exquisita y elegante banda. Un grupo formado a comienzos de los setenta que sigue en activo tanto en directo como en estudio. Su marca es un sonido original de alta escuela, que amalgama sabiamente distintas influencias: desde el genuino y guitarrero pop-rock (más evidente en sus primeros discos) hasta un smooth jazz muy ventoso, pasando por el funky bailable (a partir de su sexto álbum), siempre sobre una base de rhythm & blues, muy americana, muy de costa este.

Sus temas destacan y aúnan pegadizas y personalísimas melodías, steelydandías, con una descomunal riqueza armónica, y la calidad de unas instrumentaciones, variadas, ricas, evocadoras, elegantes… A todo ello añaden unas producciones de auténtico lujo, un mimo enfermizo, una minuciosidad en el detalle, un trabajo riguroso en el estudio de grabación; uno de lo sonidos más hermosos y diáfanos del mundillo pop.

Por si lo anterior fuese poco, señalaría además que han dejado la colección de portadas de álbumes más fascinantes, bellas y variadas.

Si bien originalmente fueron una banda con una formación estable (5 ó 6 miembros) y periódicas giras, a partir del cuarto disco se convirtieron en un dúo de estudio arropado por extraordinarios músicos de sesión, los mejores de la profesión..

Su sexto álbum se tituló AJA. Fue grabado en 1977, con una nómina asombrosa de músicos de la escena jazz-rock: Wayne Shorter, Larry Carlton, Lee Ritenour, Tom Scott, Victor Feldman, Chuck Rainey…

Bajo una maravillosa carátula, la más hermosa del rock, se encadenaba una sucesión de temas, mayoritariamente decantados hacia el jazz, muy elaborados instrumentalmente, que oscilaban entre atmósferas de plácida y fluida seducción, y animados ritmos de acariciante swing. Escuchemos tres ejemplos de esa belleza:

Aja: el apacible tema que da nombre al álbum, pespunteado en guitarra y piano, y revitalizado por el saxo tenor de Wayne Shorter:

Deacon Blues: tiempo medio para una melodía que se envuelve en la dulzura del coro femenino:

I Got the News: acicalado funk de ritmo entrecortado y piernas inquietas (atención a los solos)

Elegancia y comercialidad, profesionalidad y originalidad: ya estaban tardando en aparecer por el Castillo; son una debilidad…

Si gusta, haremos los cinco primeros… y los tres últimos.

Día das Letras Galegas 2010

Hoxe adicado a Uxío Novoneyra (1930-1999): o poeta da terra (do Courel), o poeta comprometido, o poeta auténtico, o poeta sensorial, o poeta poeta...

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PORTA XORDA

Porta xorda cravada a forza que o pulo sabe!
Dente puño teso a premer valeiro!
Cando volva o vento
Serás ti Libertá ou soamente abalar de árbores?
Rota a corda que tempera a forza do sino
Un pobo enteiro rébrese no tempo
Folga Xeral contra da Historia.
Compría agouxarse en calquer ichó
Mais seguín fora a xistra
Velando norde estrela longa brillo atuido.
Alguén chama. Alguén agarda
Corazón tente
Sostén a gran nembranza.

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COUSOS DO LOBO !

Cousos do lobo !
Caborcos do xabarín !
Eidos solos
onde ninguén foi nin ha d’ir !

O lobo! Os ollos o lombo do lobo !

Baixa o lobo polo ollo do bosco
movendo nas flairas dos teixos
ruxindo na folla dos carreiros
en busca de vagoada máis sola e máis medosa…

Rastrexa
parase e venta
finca a pouta ergue a testa e oula
ca noite na boca…

Misa en Si menor: un monumento en A Coruña

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La gran Misa de JS Bach, ese edificio de una vida para la eternidad, supuso uno de los hitos musicales del actual Festival Xacobeo clásico. En el abarrotado y coqueto Teatro Colón de A Coruña, el pasado martes, Sir John Eliot Gardiner, sus excelentes English Baroque Soloists, y su excelso Monteverdi Choir, edificaron dicho coloso tal cual un prodigio, un milagro, algo sobrenatural. Con una tensión dramático-afectiva que realzaba su inmanencia (palabra de Gardiner, perdóname Sir) y una belleza sonora fuera de lo común, las lágrimas no resultaron vehículo suficiente ni adecuado para el asombro y la emoción.

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Sir John, con una acertadísima decisión de interpretar la obra sin pausas, optó por una lectura amplia, extrovertida, generosa en la proyección, expansiva, pero anclada en tierra por una precisión contrapuntística que rozaba la perfección en la exactitud matemática, y la sempiterna tranquilidad que proporciona el uso del bellísimo ritornello marca de la casa. Para la majestuosa polifonía bachiana contaba con el sensacional Coro Monteverdi, que viene a ser como el mejor coro del mundo pero sin el “como”; un aluvión de voces que comprometía nuestra natural esterofonía, y donde se asentaba y descomponía el Universo: el aire de las sopranos, el agua de contraltos, el fuego de los tenores, y la tierra de los bajos. Un escalón por debajo, o dos, estuvieron las voces solistas emanadas del propio coro; cumplidoras pero sin sublimidad, mejorando según descendíamos de tesitura.
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Excelentes los English Soloists, de sonido líquido, pleno, límpido y exultante; dócil y fluido en lo recogido, desatado y brillante en lo "éclatante". Repujados, además, por unos primeros atriles sensacionales: el bellísimo oboe d’amore de Michael Niesemann, la acariciante trompa de Anneke Scott (en su única aparición obligada) o la preciosa sonoridad de la primer violín, Kati Debretzeni. Por no hablar de la contundencia y musicalidad del continuo...
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La experiencia de escucha se convirtió en algo inmaterial, inmersos en esa catedral de sonidos que te supera por elevación. Nunca la música cumplió tan bien su papel: la Emoción.
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Contrasta esta interpretación con la que hace casi dos años nos ofreció y grabó Marc Minkowski en la iglesia de San Domingos de Bonaval durante el Festival Via Stellae 2008. Aquella fue una lectura introvertida, serena, recogida, austera, contenida, favorecida por la elección de dos voces por parte. La Belleza del Contraste. Ver entrada
La Misa en si menor BWV 232 es una obra ciclópea, enciclopédica, un auténtico manual de estilo, desarrollada a lo largo de su vida durante tres períodos 1724 – 1733 – 1747/1749, comenzando por el Kyrie y el Gloria para la entronización de Augusto III de Polonia, retomando el Sanctus desde una obra de 1724, y completando el Ordinario en sus últimos años. JS Bach nunca llegó a escuchar una ejecución completa pues hasta 1859 no se produjo. Una partitura polifónica y contrapuntística que bebe en los maestros medievales alemanes y se lanza hacia un futuro no alcanzable.
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I. Kyrie
Kyrie eleison I: se abre en un triple llamamiento coral, poderoso, que da paso a la fuga a cinco voces.
Christe eleison: sereno dúo de sopranos y cuerda. Quietud.
Kyrie eleison II: coro a cuatro voces para una estética antigua, modal, renacentista:

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versión Minkowski

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II. Gloria
Gloria in excelsis Deo: jubiloso coro a ritmo de danza con trompetería.
Et in terra pax: atmósfera de paz en un ritmo más lento.
Laudamus te: emotivo diálogo de violín y soprano, a modo de plegaria y en forma tripartita:

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versión Herreweghe

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Gratias agimus tibi: un ricercare a cuatro voces basado en la Cantata BWV29 de gran fervor, que será recogido en el número final.
Domine Deus: flauta, tenor y soprano, con un continuo en pizzicato
Qui tollis: ornamento de flautas para una serenidad a cuatro voces.
Qui sedes: contralto y oboe d’amore dialogan en una atmósfera melancólica:

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versión Koopman

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Quoniam: bajo y trompa obligada, para un aria majestuosa.
Cum Sancto Spiritu: preludio y fuga a cinco voces.
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III. Credo
Credo in unum Deum: solidez gregoriana
Patrem Omnipotentem: brillante página de diálogo de tres voces con la tesitura más baja.
Et in unum Dominum: juego de soprano/contralto con acompañamiento de oboe d’amore.
Et incarnatus: cromatismo a cinco voces.
Crucifixus: una chacona dolorosa con bajo ostinato.
Et resurrexit: exultante coro con trompetas
Et in Spiritum Sanctum: aria pastoral de bajo con dos oboes d’amore
Confiteor: motete a cinco voces
Et expecto: alegría desatada para el final de Credo con trompetas y timbales:

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versión Gardiner

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IV. Sanctus
Sanctus: en forma de preludio y fuga de carácter recogido
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V. Hosanna, Benedictus, Agnus Dei
Osanna I: brillante doble coro en forma fugada
Benedictus: aria bipartita para tenor acompañado por flauta:

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versión Christophers

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Osanna II: retoma el número homónimo
Agnus Dei: dolorosa y sincopada aria de contralto y violines, a modo de oración:

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versión Stutzmann-Minkowski en SdC

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Dona nobis pacem: coro final a modo de acción de gracias.

Festival Via Stellae 2010

Ya tenemos aquí el V Festival de Música de Compostela e os seus Camiños. Fiel a su cita veraniega llenará de Música el próximo mes de julio, con intérpretes de altísimo nivel como viene siendo habitual.
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La edición de este Año Santo se abrirá el 5 de julio con la obra de Joby Talbot (1971) “Path of Miracles” a cargo del coro Tenebrae dirigidos por Nigel Short, quienes la han grabado para el sello Signum Classics. Una obra a cappella, basada en el Camino francés, encargo del mencionado coro y estrenada el pasado año. Escuchemos un fragmento:
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Entre lo más destacado de la programación mencionaría:
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- Agrippina de Händel a cargo de Europa Galante con Fabio Biondi, con la excelente Ann Hallenberg en el rol titular.
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- Orlando Furioso de Vivaldi, con la Venice Baroque Orchestra de Andrea Marcon, con Marie-Nicole Lemieux y Romina Basso
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- Un programa Berlioz a cargo de los fidelizados Musiciens du Louvre de Minkowski, con Anne Sophie von Otter y Antoine Tamestit
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- Ópera-ballet de Rameau (Anacreonte y Pigmalión) con Les Arts Florissants de William Christie.
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- Una velada JS Bach a cargo de Les Talents Lyriques de Christophe Rousset.
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- La Mahler Chamber Orchestra con Viktoria Mullova (2º de Prokofiev) dirigidos por Tugan Sokhiev
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- Recitales y Conciertos de Michael Chance, Mark Padmore, Simone Kermes, Marie-Nicole Lemieux, Roberta Invernizzi, Verónica Cangemi y el Bach Consort Wien, y como concierto de clausura la mezzo Magdalena Kozena con la Orquesta Barroca de Venecia haciendo un tutto Vivaldi
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Señalar por último que además de alguna sesión golfa hasta medianoche, escucharemos alguna golfería como el afamado violista Jordi Savall uniendo instrumentos con el gaitero Carlos Núñez, o el imposible espectáculo de una soprano de carácter (Simone Kermes), una orquesta barroca (Dolce & Tempesta) y una paraje de DJ’s (Yodah-McVictor) haciendo disco-barroco…
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Mientras van cuadrando fechas para acercarse al Via Stellae, y para animarles, les dejo con Ann Hallenberg interpretando “Pensieri, voi mi tormentate" de la Agrippina händeliana:
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Programa completo del Festival