Historia de la Navidad

Giotto - Natività (detalle)
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Abundante es la literatura musical sobre temas y textos navideños, tanto a nivel popular como culto; y grandes son las cimas alcanzadas a través de los siglos. Pero una de las obras más antiguas y hermosas sobre este hito cristiano es la Weihnachts-Historie SWV 435 de Heinrich Schütz (1585-1672)
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Compositor y organista alemán, nacido en Turingia, con sólida formación germana pero con ampliación de estudios, todo un plus, en la Venecia de principios del XVII con dos nombres señeros de la música: Giovanni Gabrieli y Claudio Monteverdi (enseñanzas que se reflejan en sus obras corales). Schütz fue desde 1617 Maestro de Capilla de la corte de Dresde, para la cual, ya en el otoño de su vida, compuso esta obra maestra, entre 1660 y 1664, fecha del estreno de su versión definitiva.
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Su historia navideña, basada enteramente en textos evangélicos de S. Lucas y S. Mateo, se desarrolla entre una Introducción-Sinfonía y una Conclusión para coro y orquesta, que engloban ocho Intermedios para los distintos personajes que deambulan por la historia (Ángeles, Pastores, Magos, Herodes, Sumos Sacerdotes) engarzados todos por la narración del Evangelista en un estilo parlando de evidente entonación gregoriana.
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Sinfonía: para coro a cuatro voces y orquesta completa que introduce la narración de la Natividad.
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Evangelista
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Intermedio I: el Ángel (soprano) anuncia la buena nueva a los pastores, entre texturas de viola da gamba y un tempo oscilante, entre moderato y presto.
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Evangelista
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Intermedio II: un ejército de Ángeles, coro a seis con sopranos y tenores doblados, canta la Gloria de Dios:

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"Ehre sei Gott in der Höhe"

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Evangelista
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Intermedio III: los pastores, dos contratenores, se dirigen a Belén con sus atributos instrumentales: flautas de pico y fagot.
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Evangelista
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Intermedio IV: pasaje de los tres Reyes Magos, tres tenores, que en un ritmo de marcha preguntan por el recién nacido (Wo ist? / Dónde está?) :
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"Wo ist der neugeborne König der Juden?"

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Evangelista

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Intermedio V: cuatro bajos personifican los Sumos Sacerdotes sacralizados por las dos partes de trombón:

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"Zu Bethlehem im judischen Lande"

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Evangelista
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Intermedio VI: dignificado por las trompetas, el bajo Herodes ordena diligentemente la búsqueda del niño, con un trasfondo de profunda hipocresía, casi bufa:

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"Ziehet hin"

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Evangelista
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Intermedio VII: el ángel-soprano urge a José a abandonar Israel, (Stehe auf! / Levántate!) con una línea musical ascendente
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Evangelista
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Intermedio VIII: ángel-alto, en una pieza más alegre, anuncia la muerte de Herodes y anima al regreso.

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Evangelista
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Conclusión: doble coro de agradecimiento por la venida del Mesías, en escritura veneciana, fruto del master con Gabrieli: masa coral y conjunto instrumental se responden en eco:

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"Dank sagen wir!"

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Ensemble Vocale - René Jacobs

(Vídeos de ataknoT)

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¡Venturoso Año Nuevo!

Zemlinsky (VI): "DER KREIDEKREIS"

Poster de Karl Domenik Geissbuehler
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Compuesta entre 1930 y 1932 El Círculo de Tiza fue la penúltima ópera de Zemlinsky, la última completa.
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El libreto de Klabund (Alfred Henschke) es un cuento chino, basado en una obra en verso de Li Xingdao (siglo XIV), obra maestra de la literatura de la dinastía Yuan, la cual inspiró también a Bertolt Brecht su Círculo de Tiza del Cáucaso.
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Una obra con final de cuento de hadas, un cuento de navidad, que sustancia potentes conflictos vitales de manera extremada: bondad/maldad, riqueza/pobreza, brutalidad/dulzura, sumisión/rebelión, amor/odio…
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Zemlinsky quiso extraer toda la magia oriental, tan en boga en esa época, de la obra literaria, enfatizando el componente tímbrico con todo su habitual y magistral lirismo cromático y su expresionismo musical más refinado (véase el delicado retrato de Haitang asociado a la flauta). Al que quiso y supo unir las modernas corrientes de sabor jazzístico que impregnaban algunas obras contemporáneas, como las de Kurt Weill o Ernst Krenek (escúchese el saxofón que abre la obra)
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La ópera se concibió abierta a la audiencia, con diálogos hablados y expresión directa, como si en un cabaret berlinés nos encontrásemos.
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Aunque llegó ser estrenada en varias ciudades alemanas (Berlín, incluido) pronto fue considerada Entartete Musik.
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Acto I: incapaz de pagar sus deudas al mandarín Ma, el padre de la bella Haitang se suicida. Al tiempo que su hermano Chang-ling se convierte en revolucionario, su madre vende como prostituta a la joven, siendo Ma quien la compra, y la convierte en su segunda esposa, pese a que el enamorado príncipe Pao intenta pujar por ella.

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Acto I: "Am ufer hinter Weiden" (Haitang)
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Acto II: Yu-Pei, la primera esposa de Ma, sabiendo que Haitang le ha dado un hijo, envenena a su esposo acusando a ésta del homicidio, y reclamando su hijo como propio.

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Acto II: "Darf ich eine Frage " (Yu-Pei, Ma, Haitang)
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Acto III: Haitang es juzgada y condenada a muerte, pero la desaparición del Emperador y la ascensión del príncipe Pao al trono suspende todas las condenas. Revisado el caso por el nuevo monarca, éste decide probar a ambas mujeres. Colocado el niño dentro de un círculo de tiza se considerará que la madre será aquella que logre sacarlo hacia sí. Temerosa de lastimar a su hijo, Haitang suelta la mano del pequeño para que Yu-Pei se lo lleve. Pao proclama a Haitang como su verdadera madre al tiempo que le hace saber que él es su padre pues la día de su venta entró a escondidas en casa de Ma y pasó la noche con ella. Haitang es elevada a Emperatriz y su hijo proclamado príncipe heredero.

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Acto III: Preludio-Interludio-Escena final (Pao, Haitang)

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Renate Behle, Haitang
Gertrud Ottenthal, Yu-Pei
Roland Hermann, Ma
Reiner Goldberg, Pao
Radio-Symphonie-Orchester Berlin
Stefan Soltesz
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PS: aprovecho el Cuento para desearos Amor y Música, ahora y siempre!

Álbumes de una vida (13): Hot Rats (FZ)

En el año 1969 mientras algunos estiraban melodías de compasillo, el gran Frank Zappa se metía en el estudio con un novedoso, aún en pruebas, equipo de grabación de 16 pistas para alumbrar un puzzle sonoro espectacular. Un álbum bizarro, en su doble acepción; española: generoso, lúcido, espléndido, valiente; anglo-francesa: extravagante, transgresor, delirante, raro. Todo esto, y mucho más, es Hot Rats… también una cumbre del eclecticismo musical y la experimentación sonora.
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Para su segundo disco en solitario, sin The Mothers of Invention, se hizo acompañar por su mano derecha de aquella época, Ian Underwood, un multiinstrumentista de sólida formación (piano, órgano, saxos, clarinetes) contando además con la colaboración de renombrados músicos de sesión para la sección rítmica y el violín eléctrico; y la aparición de su buen amigo Don van Vliet (Captain Beefheart) para poner voz a un escaso texto en un único tema. A lo que hay que añadir la explosión como gran guitarrista de FZ con su fulgurante Gibson Les Paul Goldtop, quien sin un portentoso virtuosismo instala una sonoridad apabullante, casi polifónica. Para rematar la faena, un caratulista de primera clase: Cal Schenkel fotografiando en tonos psicodélicos a Miss Christine (integrante del grupo GTO’s, a la sazón novia del todavía activo Alice Cooper)
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El resultado fue una obra instrumental adelantada a su tiempo, donde tienen cabida líneas pianísticas jazzísticas, improvisaciones de saxo ácido, complicadas tramas de teclados, guitarras desatadas del más puro rock sesentero, bases rítmicas balanceándose entre el blues y el funk, incendios sonoros de la mejor fusión, arreglos de viento a lo big band, … todo pasado por el personal e inconfundible sello psicodélico e iconoclasta de Zappa, su complejidad y sofisticación; y por una riqueza sonora, a lo wall of sound, de texturas y colores superlativos.
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Al grano:
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Peaches en Regalia: tras el redoble inicial, y sobre una base de teclados, aparece una melodía muy simple, casi infantil, que se va rellenando con texturas de sonidos diversos, auténtica inflación, que van ampliando el paisaje sonoro con colores evanescentes. Un clásico indefinible… (MrMLD72MLD)
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Willie the Pimp: un ritmo ostinato decididamente funk, también para el violín solista y la voz, que conduce a un imposible solo de guitarra, intenso y demoledor, incontinente, doblando notas, derivando hacia su lado más blues, que nos lleva sin aliento hacia un clímax excéntrico.
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Son of Mr Green Genes: comienza en la melodía de clarinete y saxo para dar paso a la guitarra en un cambio de ritmo que intensifica la atmósfera, con incursiones del saxo tenor, para redondear la tormenta sonora perfecta en el vértigo de la guitarra y la base rítmica, hasta dejarnos exhaustos de exuberancia. (vinzer72frie)

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Little Umbrellas: la calma tras la tormenta, un walking bass para una progresión claramente jazzística entre metales y maderas, relajada y cool. Dame más… (RakyMaky)
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The Gumbo Variations: una extensiva jam session para saxo desaforado, violín incendiario y guitarra ardiente que explota en una anarquía sonora, alma mater del arte zappiano.
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It must be a Camel: un tema muy experimental, basado en atmósferas y texturas de saxo, piano, violín, comprometidamente relajante y creativo. Un espejismo sonoro alucinante.
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¿¿¿Blues, Funk, Hard-Rock, Pop, Jazz-Rock, Psicodelia, Cool, Expresionismo, Rumba Catalana ???
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- Alucino, maestro ¿qué es todo esto?
- ¡Es la Música, imbécil!

Inusual Concierto

Inusual resulta recibir en una pequeña ciudad, alejada de cualquier circuito o festival, a un artista de primera fila en plena expansión, como es el joven pianista británico Paul Lewis.
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Inusual es acoger, aún sin algunos de sus primeros atriles, a la Sinfónica de Galicia haciendo honor a su apellido.
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Inusual es que dicha orquesta haya venido acompañada de su director titular: Victor Pablo Pérez, en traje de faena.
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Inusual se ha convertido encontrar en un programa tres Conciertos para Piano y Orquesta de Ludwig van Beethoven: Segundo, Tercero y Cuarto.
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Inusual el gratis total, previa reserva de invitación, que se convirtió en un puertas abiertas en el Auditorio municipal.
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Usual la asistencia: medio aforo (siendo generosos)
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Paul Lewis es un pianista muy personal, cuya carrera en ascenso se fundamenta en Beethoven (y en Schubert). Su integral de Sonatas recorrió medio mundo, y acaba de publicar sus cinco Conciertos para piano con la Orquesta Sinfónica de la BBC bajo la dirección de J. Belohlavek.
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Dueño de un sonido delicado, sus lecturas se decantan hacia el lirismo, la introspección, la poesía transparente, dejando señas de un virtuosismo amable, delicado, humano, veraz. Su aproximación estilística a Beethoven deriva claramente hacia el eje de la dulzura en detrimento del otro eje cartesiano de la música del genio de Bonn: la violencia. Tal vez ese sesgo deviene su personal aportación…
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La orquesta, pese a la ausencia de su primer concertino, mantuvo la belleza de su sonido, basada esta vez en el empaste de sus cuerdas, si bien adoptando un discreto plano secundario siempre dialogante y arropador. VPP, contenido y dúctil, no digo más…
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Primera parte:
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Concierto para piano n.2 en si bemol mayor op19: interpretación relajada, a modo de introducción, para una obra menor del catálogo de un Beethoven de pequeña orquesta, en la cual destaca el fluido y elocuente Adagio.
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Concierto para piano n.4 en sol mayor op58: obra de alturas sinfónicas pertenecientes al gran Beethoven, cuyo monumental primer movimiento -Allegro moderato- resultó un prodigio de dinámica, elegancia y refinamiento.
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Segunda parte:
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Concierto para piano n.3 en do menor op37: bellísima lectura, siempre recogida, pura y delicada de esta partitura de aromas mozartianos, en cuyo Largo, fervoroso, casi un nocturno, se hizo carne (sonido) la magia de su mecánica digital.
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De los Proms de este mismo año: Paul Lewis interpreta dicho segundo movimiento, o cómo convertir el piano en arpa: (vídeo de JCThompsonMA)
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Inusual Belleza… casi una caricia.

Woman 8/12/1980

Excéntricos (?)

carámbano -broken haiku- flickr CC

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Escribir con una espada
Acariciar sin tener manos.
Encontrar pedazos de luna en los bolsillos.
Comprar una playa con gritos.
Ir al infierno a ver un amigo.
Enviar una mano a su amada.
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-Carlos Edmundo de Ory- (1923-2010)
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Excéntrico: dícese del carácter extravagante.
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Extravagante: que se hace o dice fuera del orden o común modo de obrar. Raro, extraño, desacostumbrado, excesivamente peculiar u original.
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Pienso que no hay mes más raro, extraño, peculiar y original que el de diciembre: con sus luces, su gula, sus festivos y su felicidad a fecha fija, todo envuelto en blanco. Mes ideal para mencionar a Erik Satie (1866-1925): músico inclasificable, coqueteador con todas las vanguardias, siempre independiente. Como diciembres son sus Gnossiennes impares: unas piezas esenciales. Carámbanos suspendidos de una conífera, cuyas gotas de agua percutieran obstinadamente, al caer, sedosas cuerdas azarosas.

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retrato de Erik Satie -Suzanne Valadon-

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Un juego frío, cristalino, candente como hielo: la mejor molécula en su estado más puro. Filos de espejos que cortan como amenazas… música digital, modernamente suspendida de la nada, cuya infinitud concreta la mano izquierda marcando la cadencia del goteo…
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Aldo Ciccolini, piano

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para Anderea ...

El otro “caro sassone”

Dresde 1748 (Bernardo Bellotto)
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Cumpliendo su propia profecía ante un joven Mozart (“este chico hará que nos olviden a todos”) Johann Adolf Hasse (1699-1783) uno de los músicos más famosos y reconocidos de la Europa de mediados del dieciocho, todavía duerme en el limbo del olvido.
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Nacido cerca de Hamburgo, deslumbró a las mejores Cortes y entusiasmó a los mejores Teatros de su época: Nápoles, Venecia, Dresde, Berlín, París, Londres, Viena… se rindieron a su primorosa escritura vocal, a su delicada línea melódica, a su maestría orquestal, a su agradable recitativo acompañado, a su tratamiento moderno del da capo, a su hermosa realidad pre-mozartiana…

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Y no es ditirambo de admirador hacia una figura que nos legó sesenta y tres óperas, y cuya máxima era “deja que la música sea clara, sencilla, pero sublime”; hacia un músico que en Nápoles, siendo alumno de Porpora y Alessandro Scarlatti, estrenó su primera mini ópera a dos voces con el mismísimo Farinelli. Un hombre que rivalizó con los mejores compositores de ópera seria italiana (Leo, Porpora, Vinci) en los teatros venecianos, ante las más altas cabezas coronadas, con la renombrada Faustina Bordoni al frente del reparto, convertida ya en su esposa. Un maestro que elevó al más alto rango a la Orquesta de la Ópera de Dresde “la más cercana a la perfección” (Rousseau), teniendo al gran Bach y su hijo mayor Wilhelm Friedemann entre el auditorio. Un compositor requerido sin cesar desde Berlin, adorado por Federico el Grande de Prusia. Un músico tentado a rivalizar con el todopoderoso Händel en Londres. Un estilista en la Viena de Maria Teresa, donde mantuvo fuerte pugna con los nuevos vientos de la reforma gluckiana. Un humano enterrado en Venecia. Un nombre que marcó una Época. Una referencia del tardobarroco que fluía hacia el clasicismo… ¿Se puede pedir más? Sí, los elogios de Mozart, y las influencias indudables sobre sus propias obras.
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De su primera época napolitana, propongo la audición de unas piezas de su Serenata a dos voces Marc’Antonio e Cleopatra (vídeos de wienerfr). Todavía en un estilo claramente barroco, deslumbra por la luminosidad de su pentagrama, el virtuosismo vocal y la maestría de su orquesta.
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Sinfonía: spiritoso e staccato-allegro
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Aria Marc'Antonio: "Pur ch'io possa a te"
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Aria Cleopatra: "Morte col fiero aspetto"
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Descargar Aquí la obra completa:

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Vivica Genaux
Isabel Bayrakdarian
Concerto Köln
René Jacobs
París, junio 2000 -radiodifusión-

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Volveremos pronto sobre el sajón…

Alma eslava

La melodía de amplio aliento, profunda, amplia, eterna, pasional, forma parte sustancial del alma de la música eslava, y por extensión de toda su inmensa cultura. Una seña de identidad a través de generaciones, épocas y estilos.
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Paradigma del romanticismo en la cultura rusa, el compositor Sergei Rachmaninov (1873-1943) estrenó en 1901 su Sonata para violonchelo y piano en sol menor op 19, tras su muy popular Segundo Concierto para piano.
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En la sabia combinación de dos naturalezas instrumentales como son el piano y el violonchelo, se alcanza uno de los hitos de la música de cámara. La textura arquitectónica del teclado bañado por el color envolvente de la cuerda grave logran recrear los más variados estados anímicos.
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Esta Sonata en cuatro movimientos, deudora del Schumann más juguetón y de los humores de Brahms, nos atrapa en su vena melódica tan rica y poderosa, tan romántica, tan rusa, tan eslava…
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I. Lento – Allegro moderato - Moderato: íntima introducción que cede paso a dos temas melódicos de generoso desarrollo, y poderosa conclusión.
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II. Allegro scherzando: jugueteo en un piano ingenuo que sosiega el violonchelo en su sensata melodía.
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III. Andante: sencillez y serenidad, con atisbos melancólicos, en la siempre refinada melodía del lied, enriquecida en dos temas de gran hermosura e intensidad, que presenta siempre el piano y con un violonchelo que nos hunde en simas de gravedad infinita. Una serenidad a la que siempre tiende ese ente que denominamos, sin saber explicarlo, alma. Yo-yo Ma y Emanuel Ax nos proponen su lectura en un video de rovingeye2:

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IV. Allegro mosso – Moderato – Vivace: vivacidad pasional en su tratamiento melódico, contrastando al máximo las dos naturalezas instrumentales, sin primacías.
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Una pieza de impactante belleza, apropiada para regalar…el alma.

Segunda de Brahms: “consuelo de amigo”

Johannes Brahms compuso su Segunda Sinfonía en re mayor op 73 poco tiempo después de la Primera; contrasta con los años de preparación que necesitó su debut en el género. Recibida con éxito ya en su estreno en 1877 en Viena, fue su definitivo asiento en el Olimpo del sinfonismo clasicista y su evolución romántica; aceptada como una sabia mezcla de dos genios: Beethoven y Mozart.

Aunque mucho más sosegada que su predecesora, mantiene todo el poderío dinámico de sus brumosas atmósferas en sus cuatro movimientos:

I. Allegro non troppo: belleza melódica a ritmo de vals en cuerdas y maderas, solemnizada en las trompas.

II. Adagio non troppo: es en los tiempos lentos donde Brahms mejor nos habla; en este adagio encontramos la profundidad confortadora en la acariciante línea melódica de los violonchelos, que desarrollarán maderas y violines; a modo de consuelo de amigo, de abrazo sentido y repetido, de apretón de notas como caricias, de ayuda ante la tristeza: el afecto físico que tiende a la desaparición de la agitación dolorosa… Brumas sí, pero horizonte luminoso. Sintamos este agradable efecto en la batuta del genial Sergiu Celibidache con la orquesta SWR de Stuttgart:

III. Allegretto grazioso: danza afable y popular en forma de variación.

IV. Allegro con spirito: explosión orquestal con todo el optimismo vital de la sangre mozartiana (Hanslick)

Robert Fripp (VII): King Crimson THRAK

La encarnación de King Crimson en los noventa se basó en la dualidad. La dualidad, que siempre fue evidente en la manifestación artística del grupo, ahora llegaba hasta la propia composición instrumental del mismo. Robert Fripp puso en pie un sexteto en versión Doble Trío: dos baterías, dos bajos y dos guitarras. Una simetría sonora para un gran juego instrumental, donde la base rítmica pasaba a ser determinante, y muy poderosa, y con la cual iniciaba un nuevo bloque evolutivo.
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Superada la fase new wave de los ochenta con su Trilogía de colorines - rojo - azul – amarillo- el cuarteto incorporaba a Pat Mastelotto como segundo percusionista al lado de Bruford, y a Trey Gunn, tocando el stick (una mezcla entre bajo y guitarra, que se ejecuta utilizando la técnica de "tapping", consistente en tocar el instrumento por el cuello de éste con ambas manos presionando las cuerdas sobre el diapasón –wiki-) y la guitarra Warr (evolución del stick, llamada también touch guitar) haciendo una doble función de bajo rítmico y de apoyo melódico a las guitarras solistas merced a las características peculiares de sus instrumentos. Añadían además los soundscapes de Fripp como material envolvente supliendo al antiguo mellotron
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La nueva formación se rodó durante una gira por Argentina mientras grababan una mini obra llamada Vrooom donde apuntaban la nueva etapa musical; se anclaba rotundamente en las mejores obras de su monumental historia musical: In the Court… y Red.
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Una vez a punto la máquina sónica, Fripp decidió editar el primer larga duración en estudio, ya con las ideas asentadas. Esta obra se llamó THRAK (1995): en su factura aparecía nuevamente la dualidad:
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Por un lado la visión introvertida, lírica, seductora y tentadora del rey carmesí: baladas de tempo lento e intensidad vocal, puras melodías pop con guitarras envolventes:
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El suspendido Walking on Air:
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La delicada One Time:
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Por otro, todo el poderío rítmico de la nueva formación: ritmos pujantes, casi tribales; demoledores riffs de guitarra, para asfixiantes atmósferas post-industriales: la faceta que marcaría la evolución del grupo, en detrimento de la primera.
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Vrooom (un movimiento de avance implacable y aparentemente inevitable que se lo lleva todo por delante) aquí en una interpretación en directo:
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El devastador Thrak:
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Escojan y saboreen sus preferencias, yo me quedo con ambas.

Götterdämmerung: final de ciclo en A Coruña

Con las entradas agotadas hace semanas, y huecos evidentes en el graderío, el pasado sábado se puso broche de oro a esta Tetralogía anual que, en versión de concierto, fue edificada por Víctor Pablo Pérez y la Orquesta Sinfónica de Galicia. Si bien con la heterogeneidad que provoca tan dilatado espacio temporal, y la entendible discontinuidad en los principales papeles, el motor del evento a plazos se mantuvo brillante y estable: la OSG
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Naturalmente con este Ocaso de los dioses se ponía final por todo lo alto a esa cumbre musical : el Anillo del Nibelungo. La expectación en el Palacio de la Ópera de A Coruña fue máxima, así como fidelidad de todos los hooligans wagnerianos, cercanos y no tanto, entre los cuales me incluyo.
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Conviene comenzar esta crónica por el elemento aglutinador y fijo:

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La OSG es una centuria de primer nivel, tanto en conjunto, como por secciones, e incluso en primeros atriles; su sonido, compacto, brillante, homogéneo, delicado a la vez que poderoso, intenso y transparente; dúctil hasta el extremo de pasar de un belcantista a un mahler en pocas semanas con total adaptación. Y lo mejor de todo: su wagner suena a Wagner…
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Víctor Pablo Pérez, su titular, es un director decantado hacia el heroísmo musical, la grandilocuencia, la vorágine y hasta el estruendo; su fuerte no es el lirismo, ni el matiz, y al que el rubato le es ajeno. Pero las texturas orquestales emergen: no es oscuro ni pesado. Inclinado hacia tempi rápidos, agitados, como en el Viaje de Siegfried por el Rin que parecía navegado por el héroe en un fuera borda; según transcurría la historia se fue serenando y cantando los pasajes más introvertidos: llegó a ser delicado en el relato de Waltraute, y recogido en la despedida vital de Siegfried, cuya Trauermarsch fue leída con solemnidad y emoción. En la gran escena final de la inmolación, supo mantener y medir las dinámicas para ganar el clímax último… y la redención.
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El Coro de la OSG –Joan Company, director- estuvo decidido y compacto, no se requiere más…
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Hagen –Gidon Saks- el auténtico protagonista del Ocaso fue interpretado por una voz oscura y poderosa, profunda y untuosa, de un color negro con reflejos, acharolado, y con un fraseo histriónico que en sus apianados dramáticos, muy efectistas, obligaba a VPP a quitar efes de su discurso. Un Hagen creíble: real y temible, elegante y majestuoso en su maldad. Todo un actor de carácter…
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Brünnhilde –Linda Watson- la temible valquiria de los recientes Anillos de Bayreuth despertaba bastante prevención; su griterío vibrado era bien conocido a través de las ondas de radio desde el Festspielhaus. Bien, pues en directo, ese sábado, estuvo a muy buen nivel, y en gran oficio. Aún con ese característico vibrato, que no pasó de ligero y que fue controlado hasta la escena final, a cuya inmolación llegó con el agudo afilado, sano, sin griterío, atravesando siempre con soltura el estruendo orquestal. Aunque justa en la tesitura grave, dio muestras de moverse con eficacia en el papel de soprano dramática; además fue un plus verla vivir el personaje, sin partitura, con convicción y entrega.

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Siegfried –Simon O’Neill- ante todo decir que no estamos ante un Heldentenor, se trata de un lírico de gran fiato, de agudos seguros, sanos y poderosos, homogéneos, bien proyectados y sonoros; pero sin graves ni centro dramáticos, y con un metal que no va más allá del aluminio… Pero que en última instancia supo darle credibilidad –aguda- al héroe wagneriano, naturalmente mejor en los pasajes líricos, como en la despedida de la vida.
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Gunther –Ralf Lukas- un guibichungo de emisión forzada, algo vibrante, limitada pero noble. Suficiente para el personaje y para Bayreuth.
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Gutrune –Marta Matheu- joven soprano lírica de bello timbre y gran levedad, algo nerviosa, para un melifluo personaje. Mucho mejor aquí que en su cometido como tercera Norna.
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Alberich –Andrew Shore- otro cantante traído del Festspielhaus, su escaso papel fue dicho con mucho oficio pero con instrumento marchito.
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Pilar Vázquez, como Waltraute y segunda Norna, y Marina Rodríguez Cusí como primera Norna, estuvieron a buena altura. Así como las tres Hijas del Rin, Raquel Lojendio, Sandra Fernández y Anna Alàs, quienes además de cantar con gusto, reían especialmente bien.
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Gran éxito, bravos, y un halo de tristeza en la despedida…
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Como terapia: la escena de la inmolación en la mítica versión de Kna/56 con la inolvidable Astrid Varnay… las pinturas dedicadas de pfp... y ese hermosísimo motivo de la redención por el amor con que se cierra el ciclo:

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Las llamas van lamiendo
paulatinamente
la sala de los dioses.
Cuando éstos están cubiertos
totalmente por el fuego,
cae el telón.

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Siegfried: el luto

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En el tercer acto de Götterdämmerung tenemos uno de los pasajes orquestales más trágicos, grandiosos y emotivos de toda la Tetralogía -y de Wagner-, que además simboliza parte de su esencia: la Marcha Fúnebre de Siegfried.

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Trauermarsch: un impresionante fresco de motivos del héroe, que navegan entre el arabesco melódico de la cuerda baja, la majestuosidad de los metales, el ritmo solemne, y la llamada a difuntos de los timbales. Ha muerto el tesoro del mundo...

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Escuchemos, y veamos, precedido de la muerte de Siegfried, cómo lo expresa, con la palabra y el gesto, el director Georg Solti -un volcán- durante la grabación de su extraordinario Anillo (video de heildirgunther):

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Hagen: negro sobre negro

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¡Envejecido, arrugado y pálido,

odio a la gente que es feliz

y nunca estoy contento!

-Hagen-

El terrible hijo del negro Alberich protagoniza con su padre en Götterdämmerung -El Ocaso de los dioses- una de las más espeluznantes escenas de la historia de la ópera: "Schläfst du, Hagen, mein Sohn?" -"Estás dormido, Hagen, hijo mío?". La primera escena del segundo Acto que se abre desde las profundidades de la orquesta en un pasaje en negro, entre el Nibelungo enano recordando al arquetipo del mal absoluto su misión y su tarea: la muerte. La muerte del héroe, y la consumación del robo del Oro: el Anillo maldito.

Hagen quiere la aniquilación total, para ser el rey de los muertos. ¡Qué horrorosa esterilidad la del egoísta! ¡Qué espantoso destino el del que engaña, corrompe y mata por una idea excluyente, por la bandera del odio, por el culto a la materia sin vida! ¡Qué actual es Hagen!

-Ángel-Fernando Mayo-

Extraordinaria página para dos voces oscuras, profundas, cadavéricas - a la altura de los duelos de bajos de un Don Carlo o un Boris – que pasamos a escuchar en la versión de Josef Greindl –Hagen- y Gustav Neidlinger –Alberich-, dirige Joseph Keilberth - Bayreuth 1955:

Primera de Brahms: "sol de octubre"

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Johannes Brahms, heredero y continuador del gran sinfonismo germano, necesitó más de veinte años para completar su Primera Sinfonía en do menor op.68. El peso del legado, amén de la intensa admiración hacia Beethoven, condicionaron su elaboración.
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Fue en 1876 cuando logró estrenar, con correcciones de última hora, dicha obra, abiertamente beethoveniana, y sutilmente schumaniana –versión Clara-. En la heroicidad trágica y dramática de su desarrollo, en la evolución de la forma, en la trascendencia de sus temas, incluso en la llamada de los metales, late el genio de Bonn - Décima de Beethoven – o extremando el análisis de Eugenio Trías, como tragedia pacífica y aceptada, podría considerarse como la Primera de JS Bach.
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Más allá del árido y amplio desarrollo del Allegro inicial; previo al sereno y poético Poco allegretto e grazioso, o al inmenso fresco del movimiento final dotado de toda la pulsión romántica, en continua progresión, con la solemnidad de su tema coral; quisiera destacar el segundo movimiento Andante Sostenuto, de gran belleza melódica e instrumental, filtrado por una luz cálida y acogedora, refinada y soñadora, como ese sol de octubre, -así me he atrevido a subtitularlo- que aún reconforta a mediodía, pero que se acuesta turbio y se levanta tarde.
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Entre las muchas y grandes interpretaciones de estas páginas –Celibidache, Klemperer, Giulini (en el orden que quieran)- traigo al blog dicho Andante Sostenuto en versión de Klaus Tennstedt con la NDR Sinfonieorchester alemana en vivo durante un concierto en Kiel en 1992
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Comienza con la suave y delicada melodía de la cuerda que conduce hacia un lírico tema en el oboe, límpido y transparente; tras la nueva oleada de cuerda, el oboe entrega literalmente, y variado, el tema al clarinete solista entre contenidos bramidos de fondo de los contrabajos. El desarrollo continúa en toda la orquesta hasta que el tema de las maderas es recogido en el violín solista que lo eleva al más alto lirismo romántico, para terminar el movimiento en su registro más agudo, mantenido entre dos poderosos acordes de la orquesta.

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música y luz de octubre...

Janis Joplin: when the rock was young…

Es evidente que la música rock, en sentido amplio, al contrario de la denominada culta o clásica, no busca la excelencia, ni tan siquiera el virtuosismo. Su modo de convertirse en arte musical transita otras vías; sus valores son la energía, la vehemencia, la expresividad simple y directa, el exceso interpretativo y el libertinaje sonoro, todo ello vehiculado a través de la electricidad para mayor eficacia. Unos valores consustanciales con la juventud, que lo convirtió en su más radical y rebelde lenguaje, y muy difíciles de mantener con los años y las fortunas.
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Algunos iconos tuvieron la suerte de desaparecer en plena juventud, elevándose a la categoría de mitos, evitando terminar de forma patética sobre un escenario –véanse los Stones- Así ocurrió con la denominada maldición de la Jota: Jimi Hendrix, Jim Morrison y Janis Joplin, algunos añaden a Brian Jones.

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Janis Joplin es básicamente una cantante de blues, de voz negroide, profunda y desflecada, quebrantada por la agitada emoción que ponía en cada interpretación, como entregando una parte de sí misma, como si cada tema fuese el último que cantase. Un fenomenal sentimiento hecho carne y ondas sonoras… desde las vísceras hasta el nervio acústico. Energía en estado purísimo...
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Janis solía decir que estar sobre el escenario era como hacer el amor con miles de personas, lo malo era llegar a casa y sentirse terriblemente sola. Ya sabemos que los clímax tiene duración limitada…
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De su último disco Pearl , escuchemos cómo atraviesa y revienta una sencilla balada de Kris Kristofferson "Me and Bobby McGee"

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Pero realmente cuando se convierte en algo formidable es sobre el escenario; primero con un clásico "Piece of my Heart":

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Ahora con "Cry Baby", poco antes de morir hace ahora cuarenta años:

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"Lontananza dell’amato"

"Composizione floreale" -Giovanni Battista Salvi da Sassoferrato-

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Lontananza dell’amato

piange fida Filomena
e sì destra forma il pianto
che allor è più dolce il canto
quando è più crudel la pena
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Texto de Cavalier Savallia para la primera aria da capo de la Cantata para voz solista –mezzo- chalumeau, flauta travesera, violines, laúd francés y continuo de Francesco Bartolomeo Conti.
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FB Conti (Florencia 1682 – Viena 1732) fue compositor de la corte de los Habsburgo en Viena y un virtuoso del laúd y la tiorba. En esta Cantata profana quedamente patética, aúna la melancolía del sonido del chalumeau –antecedente del clarinete- con la dulzura de la flauta, y con la fragilidad del laúd para enfatizar la melodía de la línea vocal, creando un cuadro de intensidad emocional siempre controlada.
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Disfrutemos esta perla en la deliciosa versión de Bernarda Fink con los excelentes Ars Antiqua Austria:
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El Arte de la Orquestación: Ravel

"L'orchestre de l'Opéra" -Edgar Degas-

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Si consideramos a la Orquesta como la máxima manifestación de la Cultura occidental, en cuanto Expresión Musical, resulta lógico deducir que orquestar es un Arte. De hecho, su buen uso expresa y refuerza la forma musical hasta sus más elevadas cimas.
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Y es un Arte porque se trata de componer con timbres (A. Belkin): una sabia combinación de familias instrumentales en función de su timbre particular, y de unas cualidades propias (homogeneidad y flexibilidad en las cuerdas, disparidad y color en las maderas, dramatismo y rigidez de los metales, variedad ambiental en la percusión) cuyo sabio maridaje entrega una plenitud sonora caleidoscópica.
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Un Arte, ni siquiera al alcance de grandes compositores, que siguiendo a Belkin atesora unas características, que podríamos hacer extensivas a las de un buen Director musical e incluso a un buen equipo reproductor de música:
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. Sentido formal: respetuoso con la forma musical, su expresividad y sus contrastes.

. Variedad y color: elección de combinaciones tímbricas idóneas, para el tipo de sonido deseado.

. Fraseo rico y expresivo: en el uso proporcionado de dinámicas y registros, acentos, progresiones, desvanecimientos, gradación del clímax, y un movimiento musical siempre presente, siempre necesario.

. Claridad instrumental y de texturas: merced a líneas musicales nítidas, huyendo de la pesadez y la confusión que conducen al aburrimiento.

. Riqueza de planos sonoros: entre los instrumentos que comparten el mismo contorno rítmico.

. Carácter definido y Unidad de conjunto de la obra y su ambiente, con la participación activa de todos los atriles, en su justo momento.
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Maurice Ravel es un paradigma del gran orquestador, rico, variado, imaginativo, evocador, logra reunir Belleza y Emoción en su paleta orquestal. Su ballet - Sinfonía coreográfica- Daphnis et Chloé representa una síntesis de sus dones orquestales. Escrito para los ballets rusos de Diaghilev fue estrenado en 1912 por el legendario Nijinsky y el director Pierre Monteux.

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Las tres partes de su Suite orquestal n.2 en la magnífica versión de la Orquesta Sinfónica de Boston con Charles Munch en el podio nos ejemplifica esos dones: (vídeos de conductorrrr)
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- Lever du jour: ondulaciones de la cuerda e irisaciones de arpas, picoteadas por la flauta piccolo, van agrandando la luminosidad, con resonancia de fondo, hasta el estallido de los metales en la apoteosis solar del amanecer.

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- Pantomime: colorido de las maderas, en intervención solista, sin doblajes para más claridad sonora, introducen el lento, que va a reposar sobre el solo de flauta - reminiscencias del dios Pan - en una aérea escena de abrazo amoroso.

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- Danse Générale: riqueza de percusión, húmeda y seca, y espesor sonoro de los metales, animan a ritmo de galope orgiástico, llevando hacia el clímax en el tutti.

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Una PRECIOSIDAD...

Equinoccio de Otoño

hoja de Acer Freemanii (rubrum x saccharinum)

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El jueves 23 de septiembre de 2010, a las 5h 9m hora oficial peninsular, se inicia el otoño en el hemisferio Norte, según el convenio astronómico. Científico pero pedestre…
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Hoy siento en el corazón
un vago temblor de estrellas,

pero mi senda se pierde

en el alma de la niebla.

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La luz me troncha las alas

y el dolor de mi tristeza

va mojando los recuerdos

en la fuente de la idea.

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Todas las rosas son blancas,

tan blancas como mi pena,

y no son las rosas blancas,

que ha nevado sobre ellas.

Antes tuvieron el iris.

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También sobre el alma nieva.

La nieve del alma tiene

copos de besos y escenas

que se hundieron en la sombra

o en la luz del que las piensa.

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La nieve cae de las rosas,

pero la del alma queda,

y la garra de los años

hace un sudario con ellas.

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¿Se deshelará la nieve

cuando la muerte nos lleva?

¿O después habrá otra nieve

y otras rosas más perfectas?

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¿Será la paz con nosotros

como Cristo nos enseña?

¿O nunca será posible

la solución del problema?

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¿Y si el amor nos engaña?

¿Quién la vida nos alienta

si el crepúsculo nos hunde

en la verdadera ciencia

del Bien que quizá no exista,

y del Mal que late cerca?

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¿Si la esperanza se apaga

y la Babel se comienza,

qué antorcha iluminará

los caminos en la Tierra?

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¿Si el azul es un ensueño,

qué será de la inocencia?

¿Qué será del corazón

si el Amor no tiene flechas?

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¿Y si la muerte es la muerte,

qué será de los poetas

y de las cosas dormidas

que ya nadie las recuerda?

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¡Oh sol de las esperanzas!

¡Agua clara! ¡Luna nueva!

¡Corazones de los niños!

¡Almas rudas de las piedras!

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Hoy siento en el corazón

un vago temblor de estrellas

y todas las rosas son

tan blancas como mi pena.

Federico García Lorca -Canción otoñal- (1918)

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Y si hay un instrumento de timbre otoñal, melancólico, caduco, es el clarinete… y si hay un súmmum de belleza musical es WA Mozart… y si los juntamos, pues ya tenemos el otoño auditivo.

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Concierto para Clarinete en La mayor K 622 -Adagio- Sabine Meyer, clarinete. Claudio Abbado, dirección. Berliner Philharmoniker orquesta. John Constable, pintor (vídeo de fairlytaleofnewyork):

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Steely Dan (3): “PRETZEL LOGIC” -la electricidad de la seda-

No hace mucho, a propósito de su sexto álbum AJA, comentábamos la originalidad y elegancia del sonido “Dan”: algo así como la sofisticación de la seda. El brillo y la caída de un tejido musical que para algunos podía pecar de demasiado “muelle”. Bien, si nos remontamos a su tercera obra “Pretzel Logic” (1974) encontraremos una mayor carga energética: una buena dosis de pop guitarrero, sin pérdida de la propia identidad, encasillado en el siempre estrecho formato de una clásica y directa canción pop-rockera.
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Y recalco la propia identidad sonora pues están presentes sus personalísimos patrones rítmicos, que se mueven desde la samba pop hasta el galope libre conducido por guitarras. También aparecen los delineados de piano eléctrico, la riqueza y abundancia de timbres auxiliares, la fluidez instrumental, o la nasalidad vocal de Fagen… Pero el extra de energía, la consistencia, corre a cargo esta vez del excelente guitarrista Jeff “Skunk” Baxter (posteriormente miembro de los desmadrados Doobie Brothers) quien con su despliegue técnico (improvisación, punteo, pedal, intensidad,…) dota de emoción y dinámica la aparente blandura del duo Fagen-Becker, cargando de electricidad la seda.
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Pero, en lo que sería su último disco como banda estable, no podían faltar los guiños al jazz, aquí más explícitos que nunca: desde los propios ritmos hasta la introducción pianística de Horace Silver en "Rikki Don't Lose That Number", o la mención expresa de la “Parker’s Band” (Charlie) e incluso atreviéndose con la versión rápida del clásico de Duke “East St Louis Toodle-Oo”
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Escuchemos algunos temas destacados por gentileza de videos xRainxWhenxIxDiex
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Any Major Dude Will Tell You: belleza melódica marca de la casa:

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Parker's Band: galope rítmico:

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East St. Louis Toodle-Oo: Duke Ellington revisited:

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With a Gun: vigor guitarrero con sabor country:

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Charlie Freak: asfixiante atmósfera sonora conducida por el piano eléctrico:

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PS: es para mí un motivo de orgullo y satisfacción dedicarle esta entrada al Imperator Titus.

Accademia della Morte, Ferrara 1686

Maestro de Capilla de la citada Institución (de terminal nombre) el violinista, organista y compositor Giovanni Battista Bassani (c1657 – 1716) desarrolló gran parte de su labor creadora de música sacra en la célebre villa de la Casa de Este, por esa época perteneciente ya a los Estados Pontificios.

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En 1686 estrenó el Oratorio La Morte delusa para cinco voces, cornetto, dos violines y continuo, sobre un libreto de A. Ambrosini, y dedicado “a la memoria de las almas de los difuntos caídos en las acometidas cristianas contra el Turco” impulsadas por Inocencio XI. Así en su desarrollo dramático narra los intentos de Lucifer y la Muerte para arrancar a la Gloria y la Piedad las almas de los Cruzados. La Justicia, con mayúscula, compone el quinto personaje de la obra. El sexto, y más importante, es instrumental: el cornetto, auténtica columna medular de la partitura, con su embrujo sonoro, su tímbrica solar, su implicación completa a lo largo de todo el recorrido musical.
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Jean Tubéry instrumento en mano
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Una obra que, manteniéndose dentro de la sobriedad del tema y una sonoridad arcaizante, nos presenta sin máscaras ni artificios la atracción y el encanto de la escritura dramática de Bassani, llena de introspección, hondura y encanto, tanto en los momentos más recogidos “Ombre nere della tomba” u “Ogni Stilla” como en los más extrovertidos y danzables “Speranza lusinghiera”
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Sirva de ejemplo la grabación del sello Opus 111 con Emanuela Galli–La Pietà- , Daniela del Monaco–La Morte-, Philippe Jaroussky–La Gloria- , François Piolino–La Giustizia-, Jean-Claude Sarragosse–Lucifero- acompañados por el Ensemble La Fenice dirigidos sin gran inspiración por Jean Tubéry, pero especialmente fino en su ejecución como cornetista. Escuchemos dos bellos pasajes en los videos de carosaxone:

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El primero con la Sinfonia de apertura, la primera aria de Lucifer y la atrayente de la Justicia “Speranza lusinghiera”:
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El segundo con la delicada belleza de "Ogni Stilla" en la siempre sugestiva voz de Jaroussky:
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Otra muestra más del fertilísimo, inabarcable, y siempre maravilloso Barroco Italiano...
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Aquí el Oratorio completo

El Parsifal de "O Cebreiro"

"Y río, río, no puedo llorar.
Sólo grito,aúllo, gruño, deliro,
sumergida en la noche del desvarío..."
-Kundry-
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Los wagnerianos gallegos no somos pocos ni siquiera cobardes. Quedó en evidencia ante la programación del primer Parsifal en estas tierras, ni tan extrañas ni tan lejanas al mito. A pesar, o a favor, de ser en versión concierto, de la indudable extensión de la obra, y de ser víspera de laborable, el lleno y la expectación fueron antológicos. Se palpaba la excitación entre las mesas de la cafetería, durante el abastecimiento previo a tan magno espectáculo. Bien es cierto que el elenco contratado ayudaba a tal fin...

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A la hora en punto, el escenario del Auditorio de Santiago dC se llenó completamente: sillas rojas a ambos lados del podio, coro al fondo, orquesta en medio; único decorado: una reproducción dimensionada de la plaza del Obradoiro, Catedral centrada, recortada sobre un cielo negro. Apropiado y elegante..

Vasily Petrenko, el joven director ruso que ya suena para Bayreuth, se lanzó de inmediato, acallando toses y rumores, hacia un intenso y místico Preludio; de generosas dinámicas y bello fraseo. Un preludio que dio la medida de lo que fue toda su labor: intensidad, profundidad, extroversión, vitalidad, entrega; un tanto metronómico en su lectura como único defecto (en la antípodas de la celebración de un Kna). La Royal Liverpool Philharmonic Orchestra respondía de memoria, con un sonido brillante, expansivo, algo acerado, sin la dulzura de la cuerda de las más grandes pero generosa y sobre todo veraz, creíble, involucrado cada atril. Así durante todo el Festival Escénico Sacro.

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El Acto I se abrió con el oficio del experimentado Kurt Rydl, un Gurnemanz volcado en el sprachgesang de buen narrador, rico en dramatismo y proyección, buen volumen sobrado de vibrato. Con la presentación del Grial llegó el momento más místico de la representación, también el más intenso y recogido por parte del director, manejando delicadamente a la orquesta y disparando hacia el cielo al Coro de la Ópera Nacional de Brno y el de voces blancas Cantabile, entre el irreal sonido de las campanas tubulares que parecía nacer en el decorado. Finalizó el acto con una aparición ciertamente tremenda de Jukka Rasilainen, Amfortas blanco y doloroso que supo quebrar su voz con un impactante Erbarmen!, y con una ráfaga de un Titurel profundo y poderoso en la oscura voz de Ain Anger

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El Acto II resultó ciertamente bello, inserto entre las dos intervenciones de Klingsor – Egils Silins, barítono de voz bella aunque escasamente maligna. Tras las tentaciones de unas hiperexcitadas muchachas-flor, insertas entre el coro, comenzó el gran dúo de Violeta Urmana, Kundry seductora, fieramente lírica, que pronto despejó todas las prevenciones sobre su actual estado vocal: voz amplia y homogénea, hermosa, cristalina, de incólumes agudos, pero sin toda la profundidad requerida para el ambivalente personaje; segura y perforante pero sin salvajismo, contenida, de risa enlatada. Aquí les queda muestra de su papel en el Parsifal de Gergiev de inminente publicación:

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Y el Parsifal de Nikolai Schukoff, tenor de voz joven y generosa, sana y real, sin un timbre bellísimo y un poco falto de metal y heroísmo, pero eficaz y atractivo, con capacidad de crecimiento. Un acto muy redondo, ampliamente recompensado.

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El Acto III nos devolvió al curtido Gurnemanz – Rydl, ahora más agotado vocalmente, entregado a Parsifal – Schukoff de amplio lirismo contemplativo; melopea orquestal y despedida intensa de Amfortas – Rasilainen tan entero como sufriente, mientras el coro y orquesta atacaban el espiritual final con una contención y recogimiento memorables.

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Apoteosis final para la primera aparición del necio y casto por las tierras del Grial (24 de agosto de 2010) en una representación a la altura del mejor teatro del mundo, Bayreuth incluido por supuesto.

La derrota de la luna

Era agosto avanzado, ese agosto que quema el verde y encoge los días. Ese agosto de nordeste afilado, que te mantiene en el interior pegado a la ventana. Hacía rato que el sol había llegado a su ocaso, como un dios. También el pintor de bóvedas del oeste había dejado su adelanto del día siguiente. Sin aviso pero con cita, emergían en un cielo de hegemonía azul, dos luminarias.
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Dos astros de belleza prestada, de luz robada. Selene creciente, filiforme, musulmana, dolorida de ese gran bocado terrestre. Próximo, un punto exultante, soberbio: Venus monocular.
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Exhibiéndose ufanos, parecían dialogar, y como una pareja antigua y vanidosa, discutir, discrepar, pelear: aburrirse en suma. Por un momento diríase que habría batalla, me mantuve atento; pero no, enseguida la luna cedió, y comenzó su derrota hacia el sudoeste, lentamente como un velero sin gobierno ni lonas. Apagado su esplendor inicial se teñía de una opacidad rubra, mitad ira, mitad vergüenza, y partía tras su fuente, señor y hermano.
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El lucero vespertino, henchido, brillaba como nunca, triunfante. Más en cuanto la línea inasible se la hubo engullido a ella, castigo hemisférico, el planeta emuló su rumbo entre estertores de fulgor; con sideral calma rastreaba a su víctima y cómplice, empujado desde el norte por la doble uve de Casiopea.
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Entre la tinta china, ahora reinaban las dueñas de luz propia; ávidamente dirigí la mirada hacia el sur, buscando a mi querida Antares, la roja. Allí estaba su centelleo evidente, en su derrota veraniega, sobre la cabeza del Escorpión, atemorizando al mismísimo cazador, Orión.

Mientras, en el cálido interior, profesando el Quadrivium, sonaban en el órgano la infinitud contrapuntística y la cósmica polifonía de los Corales Schübler del gran hacedor JS Bach.
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Aún emocionado, la Belleza me hizo sentir pequeño, intrascendente… dichoso.

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Wachet auf, ruft uns die Stimme BWV 645 - Marie Claire Alain -

Albumes de una vida (12):"Blonde on Blonde"

“el fantasma de la electricidad aúlla en los huesos de su cara”
(Visions of Johanna –Bob Dylan-)

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En plena gira mundial de conciertos, y en pleno cambio estilístico, a los gritos de "Judas" o "Traidor", en febrero de 1966 Bob Dylan y tan solo dos de sus inseparables músicos de esa época, el teclista Al Kooper y el guitarrista Robbie Robertson, se presentaron en Nashville para grabar un nuevo álbum. La ciudad de Tennessee era, y sigue siendo (que se lo pregunten a Robert Plant) la capital musical de los Estados Unidos: el centro del country acrisolado con el mejor blues de aluvión.
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En la mochila llevaba únicamente la estructura de nuevas canciones, y en mente “un sonido fino, un sonido de mercurio salvaje” (Dylan). Con ese fin se contrató al reputado músico local, Charlie McCoy, y una rica y adaptable sección rítmica eléctrica curtida en grabaciones con Elvis Presley o Roy Orbison; todos bastante ajenos al pop-rock y a la obra dylaniana. A instancias de Bob las grabaciones se realizaron en directo en el estudio, con todos los músicos tocando a la vez, como en un concierto.
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El Dylan más soberbio pasaba por su más prolífico y genial momento por lo que el resultado fue grandioso, torrencial: el primer doble LP de la historia del rock, los temas más extensos del mundillo popular, un sonido único ciertamente de mercurio salvaje, la puesta de largo de un género menor, y una belleza subyugante en textos mitad sardónicos, mitad sufrientes, siempre irónicos, siempre melancólicos, más barrocos y herméticos que nunca, surrealistas; y en música, largas peroratas repetitivas envueltas en celofán de órgano, a modo de nubes, que parecen no tener fin ni quererlo. Temas anclados en el órgano y la armónica, de raíces rhythm&blues, una mezcla de rock sicodélico y folk eléctrico tan único y personal que nunca nadie ha hecho ni hará nada parecido.
. El álbum se abre con Rainy Day Women #12 & 35: un auténtico desmadre, a ritmo de marcha militar, con trombón y trompeta incluídos, fruto de varios cócteles Leprechaun y de poner a tocar a los músicos con un instrumento diferente al suyo habitual.
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Pledging my Time: blues lento saturado de armónica.
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Visions of Johanna: uno de los mejores temas, una explosión de creatividad, de visiones y sonidos oníricos:

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One of us must know (sooner o later): sinfonismo dylaniano para el desencuentro
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I Want You: magia pop ribeteada en guitarra y órgano, un deseo incontenible, anhelante y repetitivo, un caramelo mordaz :
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Stuck inside of Mobile: inconmensurable historia en largos párrafos cuya continuidad marca el órgano.
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Leopard-skin Pill-box Hat: blues ácido y guitarrero
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Just like a Woman: una delicadeza aérea, un remanso de quietud, la ternura oculta de Dylan, una mujer, una niña…

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Simplemente es imposible encajar
Sí, creo que es el momento de dejarlo
Cuando nos encontremos de nuevo,
Presentados como amigos,
Por favor no cuentes que me conociste cuando
Estaba hambriento y este era tu mundo.
Ah, engañas como una mujer, sí, lo haces
Haces el amor como una mujer, sí, lo haces
Luego, sufres como una mujer
Pero te echas a llorar como una niña pequeña

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Most likely you go your way and I’ll go mine: metales para un tema incluso bailable
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Temporary like Achilles: otro blues lento trazado al piano

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Absolutely Sweet Mary: contagioso tema pop
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4th Time Around: un círculo sin salida, un tema obsesivo, de belleza lunar, de guitarra acústica
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Obviously 5 Believers: machacón y punzante
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Sad-eyed Lady of the Lowlands: grandiosa canción de amor, balada inabarcable, Dylan en estado puro, emotivo, intenso; un fluir constante de versos que configuran párrafos musicales con su propio clímax. Una cara entera del LP para un tema descomunal, profundamente sentimental:

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Con tu boca de mercurio en tiempos misioneros,
Y tus ojos como humo y tus oraciones como rimas,
Y tu cruz de plata, y tu voz como campanadas,
¡Oh, quién de ellos crees que podría enterrarte?
Con tus bolsillos siempre bien protegidos,
Y tus visiones de tranvía que colocas en la hierba,
Y tu carne como seda, y tu cara como el cristal,
¿Quién de ellos crees que podría conseguir llevarte?
Dama de ojos tristes de las tierras bajas,
Donde el profeta de ojos tristes dice que ningún hombre llega,
Mis ojos de almacén, mis tambores árabes,
¿Debo dejarlos a tu puerta,
O, dama de ojos tristes, debo esperar?

Con tus sábanas como el metal y tu cinturón como un lazo,
Y tu baraja de cartas sin joker ni as,
Y tus ropas del sótano y tu cara hundida,
¿Quién de ellos piensas que podría anticiparse?
Con tu silueta cuando la luz del sol se oscurece
En tus ojos donde nada la luz de la luna,
Y sus canciones astilladas y tus himnos gitanos,
¿Quién de ellos intentaría impresionarte?
Dama de ojos tristes de las tierras bajas,
Donde el profeta de ojos tristes dice que ningún hombre llega,
Mis ojos de almacén, mis tambores árabes,
¿Debo dejarlos junto a tu puerta,
O, dama de ojos tristes, debo esperar?

Los reyes de Tiro con sus listas de presidiarios
Estás esperando en fila por su beso de geranio,
Y no sabías si sucedería así,
Pero realmente, ¿Quién de ellos quiere sólo darte un beso?
Con tus pasiones infantiles en tu alfombra de medianoche,
Y tus modales españoles y las drogas de tu madre,
Y tu boca de vaquero y tus tapones de toque de queda,
¿Quién de ellos crees que podría resistirse?
Dde ojos tristes de las tierras bajas,
Donde el profeta de ojos tristes dice que ningún hombre llega,
Mis ojos de almacén, mis tambores árabes,
¿Debo dejarlos junto a tu puerta,
O, dama de ojos tristes, debo esperar?

Oh, los granjeros y los empresarios, todos ellos decidieron
Dónde están los ángeles muertos que solían esconder
Pero, ¿por qué te escogieron para simpatizar a su lado?
Oh, ¿podrían alguna vez confundirte?
Querían que aceptaras la responsabilidad de la granja,
Pero con el mar a tus pies y la falsa alarma,
Y con el hijo de un gorila arropado en tus brazos,
¿Cómo podrían ellos alguna vez haberte convencido?
Dama de ojos tristes de las tierras bajas,
Donde el profeta de ojos tristes dice que ningún hombre llega,
Mis ojos de almacén, mis tambores árabes,
¿Debo dejarlos junto a tu puerta,
O, dama de ojos tristes, debo esperar?

Con las láminas metálicas de tu memoria de Cannery Row,
Y tu marido de revista que un día simplemente tuvo que irse,
Y tu gentileza, que no puedes dejar de mostrar,
¿Quién de ellos crees que te emplearía?
Ahora estás junto a tu ladrón, estás en su libertad condicional
Con tu medallón sagrado que doblan tus huellas,
Y tu cara de santa y tu alma de fantasma,
¡Oh, quién de ellos crees que podría destruirte?
Dama de ojos tristes de las tierras bajas,
Donde el profeta de ojos tristes dice que ningún hombre llega,
Mis ojos de almacén, mis tambores árabes,
¿Debo dejarlos junto a tu puerta,
O, dama de ojos tristes, debo esperar?
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Tal vez no sean sus temas más conocidos, pero si no es el mejor álbum del pop-rock, se le parece mucho… también el mejor de Dylan (“Blood on the Tracks” me perdone) Y yo ya no sé si es mejor poeta que músico...