Y con el Año Nuevo

... simplemente seguir en búsqueda de la Felicidad.

(de la mano de la Música)

Noël à Solesmes

Volvamos a la seriedad con una Misa de Medianoche (del Gallo) para disfrutar de la beatitud del canto gregoriano, tan de moda hace unos años, en una interpretación de altura a cargo del Coro de monjes de San Pedro de Solesmes.

Os ofrezco una presentación con la sección segunda, TECUM PRINCIPIUM, de la citada misa , sobre unas vistas de la Abadía. Una suave ondulación meditativa adornada con unas vocalizaciones de gran fluidez.

Coro de monjes de Solesmes
Dom Joseph Gajard, director

Y para aquellos que quieran escuchar la misa completita os dejo un enlace para bajar una grabación de 1985: Descarga

Dylan se pasa a la ópera [INOCENTADA]

Según ha reconocido el mítico cantante de Minnesota, en su semanal programa de radio, tiene muy avanzada la composición de lo que será su primera ópera. Ha declarado que desde los tiempos de su álbum “Selfportrait” donde flirteó con los arreglos orquestales, se ha sentido muy atraído por el género lírico. Empujado por el éxito de su último disco "Modern Times" y atravesando un gran momento compositivo se ha decidido por fin a acometer esta tarea.

Tal como consta ya en su web oficial, el título será “Camembert Electrique” en homenaje a Nueva Orleans donde el artista viene residiendo desde hace unos meses, y para cuyos habitantes afectados por el Katrina serán los beneficios del estreno.

Confiesa que el trabajo de orquestación lo está llevando a cabo con Esa-Pekka Salonen, quien dirigirá su estreno posiblemente en la temporada 2009-2010 en la Opera de San Francisco. Parece que el propio Dylan se ha reservado un pequeño papel bufo, y se hayan trabajando también en la confección del elenco que de acuerdo con algunos rumores que ya circulan por portales operísticos podría contar con su compatriota Joyce DiDonato, Jonas Kaufmann y la regie de Peter Sellars. Domingo podría incluso estar también tras el proyecto.

La expectación es máxima. Noticia a seguir...

¡ FELIZ INOCENTE FELIZ !

Navidades de 1789 en Viena

Concretamente el 22 de diciembre se estrenaba una obra maestra de la música de cámara: el Quinteto Stadler K 581, una feliz simbiosis entre el cuarteto de cuerda y el clarinete. Unión venturosa y fecunda que conoció variadas y hermosas descendencias como esa otra cima que, un siglo más tarde, compuso Johannes Brahms para Richard von Mühlfeld.

La citada première contó con el mismísimo Mozart a la viola y a su amigo, dedicatario y hermano masón Anton Stadler como solista del instrumento de viento. Stadler era el mejor clarinetista de su época, y para él fue compuesta la obra teniendo en cuenta además la nueva versión del clarinete “di bassetto”, dotado de un amplio registro grave, que había construído Theodor Lotz. Una artística hermandad que legaría al mundo otras genialidades como el Trío en mi bemol mayor K 498 y el Concierto en la mayor K 622

El Quinteto, escrito en la masónica tonalidad de la mayor, consta de cuatro movimientos donde el diálogo entre las cuerdas y el viento invitado funciona sin hegemonías. Impregnado todo él de la elegancia y la ligereza del mejor Mozart, deja entrever, vehiculado por la especialísima sonoridad del clarinete, el rictus de tristeza e incomprensión del período final del salzburgués.

Debajo adjunto una interpretación del segundo movimiento, Larghetto. Una especie de nocturno de gran desarrollo melódico en dos secciones: la primera, amplia en el clarinete y los violines con sordina; la segunda, a modo de duo con el primer violín, más expresiva y desenvuelta. Una maravilla, vamos.



Cargado por musicadecamara

Sabine Meyer, clarinete
Cuarteto Hagen

Weihnachtsmusik (mehr)

Esta música de Navidad fue compuesta por Schönberg en 1921. Se trata de un arreglo para dos violines, violonchelo, piano y harmonium, sobre dos temas navideños:

"Es ist ein Ros entsprungen" y "Stille Nacht".

.

Una maravillosa música sobre una preciosa presentación, proveniente del

Arnold Schönberg Center.

.

¡No os lo perdáis!

Opus 6 número VIII

Compuesto para la noche de Navidad, para otra cualquier otra ocasión omitir el último movimiento pastorale. (no digo más: blanco y en botella...)

Alessandro Stradella Consort

PS: ahora que lo tengo listo resulta que el Imperator ha estado pensando en lo mismo. Pues no me resisto a publicarlo, al menos es otra versión.

Navidad: una luz en la oscuridad

Pues sí, tengo que admitirlo, yo también soy de los que el período navideño le resulta deprimente y depresivo. Por el déficit acumulado de luz de todo el otoño unido a una obligación casi normativa de ser y estar feliz a fecha fija.

Sea como fuese, una luz brilla para mantener la esperanza, coincidiendo con la inversión de la batalla entre noche y día, y a ella me sujeto cual clavo ardiendo. Es como un antídoto al veneno del Nadal, un fármaco designado por siglas: BWV248

Dicho queda, el Weihnachts-Oratorium (Oratorio de Navidad) de JS Bach es mi tabla de salvación en estas fechas. Su audición anual casi ritualizada pone en orden la mente y las prioridades. Si para muchos la Navidad es un portal a escala, un abeto imposible o unas bolas lumínicas suspendidas, para mí ES una concatenación de seis Cantatas con su argamasa de recitativos.

Ya se acerca, ya está aquí, comencemos pues: Coro inicial

.

Jauchzet, frohlocket! auf, preiset die Tage,

Rühmet, was heute der Höchste getan!

Lasset das Zagen, verbannet die Klage,

Stimmet voll Jauchzen und Fröhlichkeit an!

Dienet dem Höchsten mit herrlichen Chören,

Laßt uns den Namen des Herrschers verehren!

JE Gardiner y el extraordinario Coro Monteverdi

...y si alguien quiere más...

Masaaki Suzuki

Renée Jacobs

.

En cualquier caso, FELICES FIESTAS a todos y un muy venturoso y musical año 2008

Álbumes de una vida (1): Las Bodas

Hoy me pongo trascendente y con este pomposo título quiero iniciar una nueva serie. Un conjunto de entradas que persiguen traer a la luz algunas de las grabaciones musicales, discográficas o no, que han supuesto para mí un suceso eminente. No por su aspecto referencial ni excelso, sino por el muy subjetivo significado que han tenido en mi dilatada experiencia como melómano. Bien por ser un descubrimiento sonoro, un hito fonográfico, un cambio de apreciación acústica, un punto de inflexión en el paladar musical o simplemente haber llegado en el momento preciso a mis oídos.

Quiero y puedo comenzar con una ópera. Con una ópera por encima de gustos y modas; la perfección es lo que tiene. Le Nozze di Figaro mozartianas en la versión de Karl Böhm de 1968. ¿Por qué? Muy sencillo, ha sido mi primera audición completa de una ópera, consciente y pausadamente; eso sí en vinilo que por entonces el pequeño disco plateado no era ni proyecto. Una entrada por todo lo alto en el mundo de la lírica, a través de una versión histórica y premiada, que dio lugar con el paso del tiempo a una pasión desatada e indomable. Uno de esos recuerdos inolvidables y eternos, enfatizado por el descubrimiento sensorial, como el primer amor, el primer beso, ese “primer corte que es el más profundo”.

Cuenta esta muy clásica lectura con el Fígaro socarrón y eficaz de Hermann Prey, la fresca y lozana Susanna de Edith Mathis, Gundula Janowitz y su suntuosa voz componiendo una Condesa lánguida y aterciopelada, el untuoso Cherubino de Tatiana Troyanos y un excelente Dietrich Fisher-Dieskau airoso y animado como Conde. Todos ellos conducidos por el buen mozartiano, pero mejor straussiano, Karl Böhm, que en esta ocasión está muy inspirado y musical: ágil, ligero, aéreo, equilibrado y hasta bufo comme-il-faut. Contagiado o contagiando a todo el elenco, Orquesta y Coro de la Ópera Alemana de Berlín incluídos.

Os cuelgo uno de los momentos más sublimes de la obra, y de toda la música de occidente, como es el Finale del Acto II. A partir del diálogo del Conde con su esposa, de Mozart va manando un caudal inagotable de ritmos y melodías en un éxtasis continuo de más de veinte minutos de placer (a ver quién iguala esto) que va medrando en recursos y en belleza. Pero oigámoslo ya…

“Olà, silenzio, silenzio, silenzio!...”

Un lied de Schumann: Die rote Hanne

Robert Schumann encarna como nadie la quintaesencia del primer Romanticismo. Tanto en su actitud vital, henchida de pasiones, como en su trágico destino y final. Así también los Lieder, las canciones, suponen un logro estético de ese movimiento artístico. Su inmensa brevedad, su recargado minimalismo sonoro, su simbiosis músico-textual, su expresividad limpia, natural y directa, los han convertido en una cumbre paradigmática.

Die rote Hanne op31 n.3 quizás no sea ni el más conocido de su amplia colección, ni el más excelso, pero he querido traerlo por el hechizo de su estructura con su constante y embriagador retorno al "refrán":

Sei Gott du mit der roten Hanne!
Der Wilddieb sitzt in sichrer Hut

Escrito sobre un poema cargado de pobreza y fidelidad, de Adelbert_von_Chamisso, data del año 1840 y no forma parte de ningún ciclo afamado de Schumann, pertenece al opus 31 compuesto por tres lieder.

La interpretación corre a cargo de Dietrich Fisher-Dieskau, una referencia del género por expresividad y adecuación, acompañado por Christoph Eschenbach al piano. Todo ello amenizado por unas instantáneas de la ciudad natal del compositor, Zwickau.
.

Bamboleo polaco: Barcarola op.60

En sentido estricto, la barcarola es la canción de los gondoleros venecianos. Cántico caracterizado por su ritmo dulcemente balanceado, similar a la placentera sensación del ocupante de tan bello navío.

A raíz de un fracasado viaje a Italia, Chopin emprendió la composición de esta bella página de su catálogo en otoño de 1845, no concluyéndola hasta el verano siguiente. Se trata de una obra luminosa, radiante, llena de felicidad aunque teñida de un poso de nostalgia y ensoñación en la melodía, mecidas al vaivén de la mano izquierda . Construida en tres partes, es su sección central la más propiamente italiana y también la más rica en claroscuros. En su final, tras la amalgama de los dos temas principales, asoma de nuevo con energía la libertad creativa del genio.

Para su disfrute auditivo he querido traer al ganador del último y prestigioso Concurso Chopin de Varsovia 2005, el también polaco Rafal Blechacz (1985). Flanqueado de dos extraordinarios pianistas a los que, en una reciente entrevista, consideraba como modelos interpretativos y sobre los que evocaba paralelismos a seguir en su carrera: Krystian Zimerman y Arthur Rubinstein.

¡Que os balanceéis a gusto! Relaja mucho…

Harmoniemusik

La Serenata Gran Partita en Si bemol mayor KV 361 de Mozart es una obra mayor en su catálogo; compuesta de forma ambiciosa y muy desarrollada. Se cree que para un concierto a beneficio de Anton Stadler, el clarinetista.

Obra para conjunto de viento, su instrumentación también es harto especial, llegando al número de trece unidades: dos oboes, dos clarinetes, dos cornos di bassetto, dos fagotes, cuatro trompas (dos y dos, con distinta afinación) y un contrabajo.

Popularizado su adagio en la emotiva escena del decrépito Salieri reconociendo la sublime belleza y autoridad musical de su odiado/venerado Mozart, en la archiconocida película Amadeus.

Os dejo dos interpretaciones curiosas del citado Adagio:

Otto Klemperer (y sus tempi) y el London Wind Ensemble (1963)


Simon Rattle y el conjunto de viento de la BPO (2006)

Pequeñas perlas poco conocidas

... a modo de cortinillas de continuidad.

(se recompensará a quien las reconozca)

Adviento

Comienza con el primer domingo de diciembre el tiempo del Adviento. Tiempo que inicia el año litúrgico, y período fecundo para la tarea compositiva del Kantor de Leipzig. Tiempo, además, de esperanza y gozo ante el anuncio de la venida del Salvador, cualidades que son puestas en música maravillosamente por el gran Bach.

Por eso os traigo hoy dos Cantatas homónimas para este domingo: la BWV61 y la BWV62 “Nun komm, der Heiden Heiland”, basadas ambas en la canción sacra de Lutero. Separada su composición por diez años, la primera de ellas se encuadra todavía en el destino de Juan Sebastián como Konzertmeister en Weimar (1714)

Además del coro inicial, homónimo de ambas Cantatas, os dejo la preciosa aria para tenor, acunada por el continuo de violines y violas de la BWV61, y la estremecedora melodía del aria de bajo de la BWV62

Coro: Nun komm, der Heiden Heiland BWV61

Aria: Komm, Jesu, komm zu deiner Kirche BWV61
Adalbert Kraus, tenor

Coro: Nun komm, der Heiden Heiland BWV62

Aria: Streite, siege, staker Held BWV62
Philippe Huttenlocher, bajo

Bach-Ensemble

Helmuth Rilling

BIBER y sus misterios

Heinrich Ignaz Franz von Biber (1644-1704), compositor y violinista referencial nació en Bohemia, al norte de Praga. Al igual que otro genio un siglo más tarde, estuvo al servicio del Arzobispo de Salzburgo, ciudad en la que progresaría hasta Maestro de Capilla y que también le vería morir.

Una de sus obras, que más le mantiene hoy en día vivo entre las audiencias, es la denominada Sonatas del Rosario (o del Misterio) (1674). Colección de quince Sonatas para violín y bajo continuo, repartidas entre los tres Misterios de esta devoción: gloriosos, dolorosos y gozosos; y coronadas con un Passacaglia polifónico para violín sólo. Considerada como la obra cumbre de la literatura violinística del XVII por su variedad, imaginación, técnica y profundidad, nos llaman la atención además por el uso ejemplar de la técnica de la scordatura: cambio en la normal afinación del violín (sol, re, la, mi) en catorce de las dieciséis piezas que la integran. Medio técnico que le permite extraer del instrumento una más amplia variedad de timbres, armonías, atmósferas y simbolismos.

Hoy os traigo una presentación con el segunda parte de la sonata XI, La Resurreción, de curiosa scordatura (sol, sol, re, re) escrita sobre el coral pascual “Surrexit Christus hodie”. Ilustrada con obras de la actual exposición Durero-Cranach del Thyssen madrileño.

Y como colofón la Sonata I, La Anunciación, completa: una de las dos que no hacen uso del comentado recurso técnico.

¡Que os guste!

Sonata XI, La Resurrección (parte 2)

Sonata I, La Anunciación: 1. Praeludium

2. Aria y variaciones

3. Adagio

4. Finale
...

John Holloway, violín

Davitt Moroney, clave y órgano

Tragicomedia

Robert Fripp (I): Soundscapes

Como bien le definía David Cross, compañero en la tercera reencarnación de King Crimson, Fripp es un idealista que cree en el poder de la música, pero que también funciona en el mundo real. Por ello nunca ha dejado de evolucionar tanto a nivel individual como en conjunto; ahí está para demostrarlo el único grupo rock que no ha envejecido.

Dentro de la amplia, variada, poliédrica pero consecuente carrera musical del alma mater del Rey Carmesí, hoy nos vamos a detener en una de sus facetas más vanguardistas y arriesgadas: los paisajes sonoros. O como con gran desparpajo él mismo los definía: un sencillo método de meter mucho ruido con sólo una guitarra.

...

Fruto de su colaboración con Eno (impulsor de la ambient music), nacieron en la década de los setenta como Frippertronics, utilizando su guitarra eléctrica y un dispositivo analógico de delay formado por dos grabadoras de cinta en paralelo, concretamente dos Revox A77, que se retroalimentaban sónicamente y retardaban la emisión del sonido resultante. Estas experiencias musicales fueron evolucionando al ritmo del desarrollo de las técnicas digitales de tratamiento del sonido, hasta alcanzar la madurez en los sucesivos trabajos presentados a mediados de los noventa. Para ello, aparte de su omnipresente guitarra Les Paul como fuente sonora, utilizaba sistemas de retardo digital, procesadores digitales de sonido y sintetizadores de guitarra. Siempre sobre una base de total improvisación, muchos fueron grabados en sesiones en vivo, con mayor o menor trabajo en estudio.

La consecuencia musical es un sonido omnipresente, arrítmico, envolvente, hipertexturado e irreal. Teñido, casi siempre, de una profunda tristeza y ensimismamiento, pasando desde la extática contemplativa casi religiosa hasta el más hondo desgarro y sufrimiento.


Frippertronics 1979


Soundscape 2003 (obsérvese la diferencia de cacharrerío)

Midnight Blue, del álbum A Blessing of Tears (1995)
Presentación en SplashCast con óleos de John Miller, pintor

al que Fripp se sentía muy unido. (Gracias, Ximo)

Sometimes God Hides (extracto), del álbum Gates of Paradise (1997)

(dedicado a Titus)

Porgi amor

Porgi, amor, qualche ristoro

al mio duolo, a' miei sospir.

O mi rendi il mio tesoro,

o mi lascia almen morir.

...

Si existe un aria, dentro del catálogo de las maravillas mozartianas, por la que siento una especial debilidad, es sin duda alguna la cavatina de la Condesa que ilumina el comienzo del segundo acto de Le Nozze di Figaro. Una perla en un ajuar bien surtido, aderezo precioso. Y una perla también por su colorido, sus claroscuros, sus irisaciones, genial mezcla de melancolía, nostalgia y evocación con una chispa de luz y esperanza superadora del abatimiento, a través del modo mayor. Mil y un reflejos que han emitido algunas de las mejores sopranos:


Kiri Te Kanawa


Renée Fleming


Dorothea Roeschmann


Gundula Janowitz


Cheryl Studer


Elisabeth Schwarzkopf

Lisa della Casa

Veronique Gens

JENUFA: final alternativo

Janácek nos legó la última revisión de su Jenufa en 1908. Versión que en los últimos tiempos, con un admirable sentido del respeto al original, se ha impuesto como referencial. Respeto no sólo musical sino también hacia el idioma del texto (el estreno en Viena en 1918 fue en alemán, traducción debida a Max Brod). Pero en su momento, y para su estreno y éxito en Praga en 1916 a cargo del prestigioso Teatro Nacional, el compositor tuvo que aceptar la siempre humillante imposición de una reorquestación a cargo del director de dicho teatro, Karel Kovarovic. El fin perseguido era darle un esplendor tardorromántico, más pomposo y recargado, al gusto de la época.

Gracias a la grabación de Sir Charles Mackerras para Decca podemos paladear en paralelo uno de los momentos más sublimes de la obra, la escena final "Odesli" entre Jenufa y Laca, con los mismos intérpretes, para que la comparación sea más efectiva. Escena, además, donde los cambios orquestales son más notorios.

En un sutil ejercicio de escucha ¿qué opinión os merece cada versión? diferencias, preferencias, impresiones, comentarios …

Orquestación de Janácek

Orquestación de Kovarovic

Jenufa _ Elisabeth Söderström
Laca _ Wieslav Ochman
Wiener Philharmoniker
Sir Charles Mackerras

Ligeti: Requiem y Lux Aeterna

Composiciones indisolublemente unidas a la obra maestra de Kubrick, 2001 Una Odisea del espacio, vienen a suponer una puesta al día de la vieja polifonía renacentista, desde su admirado Ockengheim pasando por el tratamiento contrapuntístico formal del viejo Bach, hasta dar a luz una nueva y original micropolifonía donde el cromatismo pasa a cuchillo a la melodía y al ritmo, y que, utilizando sutiles alteraciones de la modulación, provoca la aparición de texturas irreales.

El Requiem, dividido en cuatro movimientos, es una obra angustiosa, atormentada y sombría.

Lux Aeterna, para coro a capella de 16 voces, obra estática como un gran y espectral fresco vocal.

Lux Aeterna (1966)

Chœur Norddeutschen Rundfunks Hamburg, Helmut Franz
...

Requiem para soprano, mezzosoprano, dos coros mixtos y orquesta (1965)

Liliana Poli, soprano
Barbro Ericson, mezzo
Coro de la Radio bávara
Orquesta Sinfónica de la Radio de Hesse
Michael Gielen

Las curvas del mármol: PRAXÍTELES

Su amante-musa fue la mítica Friné.
Su Hermes dominó el siglo IV a C
Su Afrodita (de Cnido) supuso el primer desnudo integral femenino en la escultura griega.
El movimiento rítmico y ondulante de sus dioses pasó a la historia del Arte bajo el nombre de “curva praxiteliana”
Praxíteles surgió del clasicismo pero señaló al helenismo.

Su paso a través del mármol nos descubrió el placer.

Hermes y el niño Dionisio (original)

Afrodita de Cnido (copia romana)

Apolo Sauróctono (copia romana)

Nick Cave: el lado oscuro

La entrada que hoy ha dedicado Ximo en su blog a Rufus Wainwright me ha hecho recordar el lado intimista y profundo de Nick Cave. Me estoy refiriendo en concreto a su álbum "No more shall we part" (2001) con toda su carga de desasosiego, oscuridad, angustia, soledad y melancolía. Infinita tristeza envuelta en elegancia, oficiando el piano como guía al abismo.

Una obra para enmarcar que, moviéndose siempre con desesperación al borde mismo de la locura, resulta peligroso, muy peligroso para mentes inestables. Aquí os quedan videos de algunos temas de ese álbum; yo estaré en mi habitación jugando con la pistola...

As I sat sadly by her side

Love letter

God is in the house

We came along this road

Fifteen feet of pure white snow

Tebaldi y el destino

Tras una exhaustiva inmersión de semanas en la obra operística de Haendel, de pronto tuve la necesidad de un cambio de repertorio. Una vuelta al Maestro Verdi con una revisión de su ópera La Forza del Destino. Si existe un papel emblemático que nos haya dejado la gran Renata Tebaldi, sin duda es su Leonora. Abajo adjunto dos videos de su interpretación del papel, el primero "Son giunta, grazie o Dio", quizás el primer pasaje maestro de la obra. El segundo, la mítica aria "Pace, pace mio Dio"

Siempre será un enorme placer escucharlos...

Fuente: Oneguin65

Esencia beethoveniana

En el mundo camerístico pocas combinaciones instrumentales pueden presumir de tan altos resultados como la perfecta unión entre un violín y un piano. De acuerdo, también el cuarteto de cuerda. Tal vez sea por su economía de medios, tan sólo dos instrumentos, que expone y desnuda toda la esencia y la verdad de la música que acumula. O quizás la perfecta conjunción de ambos elementos que potencian mutuamente su sonoridad hasta niveles que podríamos definir como de simbiosis.

Innumerables son las páginas que los más grandes han dejado escritas, pero hoy quiero traer aquí un paradigma: las Sonatas para violín y piano de Beethoven. Un pozo de agua cristalina donde ver su esencia y saciar nuestra sed.

Aquí queda la lectura rocosa, andrógina y extrovertida de Itzhak Perlman y Vladimir Ashkenazy

Beethoven_VnSon1-3
Beethoven_VnSon4-6
Beethoven_VnSon7-8
Beethoven_VnSon9-10

Beethoven Sonatas para Violin y Piano

1. Violin Sonata No.1 , Op.12 No.1
Allegro con brio - Tema con variazioni: Andante con moto -Rondo: Allegro
2. Violin Sonata No.2 , Op.12 No.2
Allegro viva - Andante, piu tosto allegretto - Allegro piacevolo
3. Violin Sonata No.3 , Op.12 No.3
Allegro con spirito - Adagio con molt'espressione –Rondo:Allegro molto
4. Violin Sonata No.4 , Op23
Presto - Andante scherzoso, piu allegretto - Allegro molto
5. Violin Sonata No.5 , Op.24 'Primavera'
Allegro - Adagio molto espressivo - Scherzo andTrio.Allegro molto/Rondo. Allegro ma non troppo
6. Violin Sonata No.6 , Op.30 No.1
Allegro – Adagio molto espressivo – Allegretto con variazione
7. Violin Sonata No.7 , Op.30 No.2
Allegro con brio - Adagio cantabile - Scherzo:Allegro -Finale:Allegro
8. Violin Sonata No.8 , Op.30 No.3
Allegro assai - Tempo di minuetto, ma molto moderato e grazioso –Allegro vivace
9. Violin Sonata No.9 , Op.47 'Kreutzer'
Adagio sostenuto-Presto- Adagio - Andante con variazioni -Finale:Presto
10. Violin Sonata No.10 , Op.96
Allegro moderato - Adagio espressivo/Scherzo and Trio.Allegro – Poco allegretto

Sonata op 24 Adagio

Teatro Campoamor: una ausencia musical

Robert Allen Zimmerman no ha venido. Una pena.
Algunos hemos crecido y madurado bajo su influjo.

También queríamos cambiar el mundo.

Y Dylan nos hizo creer que era posible y además hacerlo con arte.

Otro error, otra pena.

Una razón para un Premio:

It's all over now, Baby Blue (1965)

You must leave now, take what you need,
you think will last.
But whatever you wish to keep,
you better grab it fast.
Yonder stands your orphan with his gun,
Crying like a fire in the sun.
Look out the saints are comin' through
And it's all over now, Baby Blue.

The highway is for gamblers,
better use your sense.
Take what you have gathered from coincidence.
The empty-handed painter from your streets
Is drawing crazy patterns on your sheets.
This sky, too, is folding over you
And it's all over now, Baby Blue.

All your seasick sailors, they are rowing home.
All your reindeer armies, they are all going home.
The lover who has just walked out your door
Has taken all his blankets from the floor.
The carpet, too, is moving under you
And it's all over now, Baby Blue.

Leave your stepping stones behind,
something calls for you.
Forget this dead you've left,
they will not follow you.
The vagabond who's rapping at your door
Is standing in the cloth that you once wore.
Strike another match, go start a new
And it's all over now, Baby Blue.

Bob Dylan en su mejor época y con uno de sus mejores temas

Meditando sobre Thaïs

Como puede resultar obvio, tras mi fugaz desplazamiento a Oviedo con motivo de una función de Thaïs, he vuelto preñado de las almibaradas melodías de Massenet. Puede incluso resultar harto empalagoso y superficial salvo cuando se decide a encender el motor rítmico y aquello cobra vida. La célebre Meditación de Thaïs no para de revolotear en mi cerebro, neurona arriba, neurona abajo; por lo que, como terapia por impregnación, me decido a dejar diversas lecturas de esta página, tan diferentes que hay para todos los paladares.

Como postre, un audio de Renée Fleming cantando el Aria del espejo.

Janine Jansen


Anne-Sophie Mutter

Maxim Vengerov

El gran Nathan Milstein

Renée Fleming: Aria del espejo

De la perfección en Música: las Variaciones Goldberg

La BWV 988 es un colosal monumento musical del viejo Bach, rodeado su origen de un aura de leyenda romántica ¿música para insomnes?

Composición que aúna la perfección formal y estructural con la divina belleza de la inventiva melódica de su autor y la vital alegría de las formas populares.

Su esqueleto está formado por un Aria, que algunos atribuyen a Anna Magdalena, treinta Variaciones sobre la voz del bajo, y final con la consabida Aria da capo. Bajo este armazón existe otra nueva estructura: cada grupo de tres variaciones engloba un nuevo subgrupo formal: la primera es siempre un obra de género, normalmente una danza; la segunda una pieza de virtuosismo, y la tercera un canon.

Muchas y muy variadas han sido las aproximaciones instrumentales, desde el original clave hasta el piano de concierto. Nunca ha sido tan cierto que la música del Kantor de Leipzig está por encima del mecanismo usado para su reproducción:

Pierre Hantaï, clave. Aria y 8 variaciones

Daniel Barenboim, piano. Aria

Julian Rachlin, violín Nobuko Imai, viola Mischa Maisky, violonchelo Aria y 2 variaciones. Arreglo para trío de cuerda (1985) de Dmitri Sitkovetsky.

La sobrevalorada para unos, genial para otros, mítica interpretación de Glenn Gould, piano. Aria y 7 variaciones.

PHAEDRA de Henze: un mito escrito en el viento.

A sus, delicados de salud, 81 años Hans Werner Henze (1926) ha estrenado recientemente una nueva ópera, o por decirlo en sus propias palabras, una ópera-concierto. Un compositor de su trayectoria y valía, un clásico viviente, no podría ahora mismo beber en mejores fuentes: la mitología griega, ese manantial inagotable. Y dentro de ese fascinante mundo intemporal, escogió una tragedia, otra más, donde los mortales son marionetas de los dioses. En concreto la elección recayó en el mito de Fedra e Hipólito. Fue el poeta alemán Christian Lehnert el encargado de confeccionar un libreto que aunase la pasión, violencia, muerte y eternidad del mito con la mejor tradición de la literatura mundial, desde Ovidio, Séneca, Eurípides o Racine.

Está estructurada en dos partes o Actos, muy definidos, llamados Mañana y Tarde, y nueve escenas. El primero relata la tragedia mitológica terrenal, la carnalización de la lucha celosa de las diosas en la pareja mortal. En el segundo, el combate continúa más allá de la muerte y en sus propios dominios.

Acto I: la Mañana
Teseo rey de Atenas, vencedor del Minotauro y padre del joven Hipólito, toma como segunda esposa a Fedra, hija del rey Minos de Creta y hermana de Ariadna. El joven está entregado al culto de Artemis, diosa de la caza y la pureza, provocando los celos y la ira de Afrodita, la diosa del amor carnal, quien maquina su venganza. Será a través de Fedra como se urdirá su violento plan. La esposa de Teseo caerá enamorada, con un amor culpable, de su hijastro, quien tras rechazarla con asco y desprecio, provocará la eclosión de la tragedia. Fedra, humillada, denunciará a su hijastro ante su marido, acusándole de violación. Teseo, ajeno a la realidad, exigirá a su padre Poseidón el castigo y la muerte de Hipólito, quien perece arrastrado por sus caballos. Cumplida su venganza, Fedra, llena de remordimientos, pone fin a su vida, colgándose.

Acto II: la Tarde
Artemis se lleva el cadáver de Hipólito a su bosque en Nemi, donde consigue devolverlo a la vida bajo otro nombre, Virbius. En medio de la tormenta, Fedra con su motor Afrodita, aparecen de nuevo para exigir la devolución del joven al Inframundo, pero Artemis consigue esconderlo en una cueva. Mientras Hipólito se interroga sobre su propio ser, de nuevo vuelve a rechazar a Fedra. Finalmente, tras un terremoto, Hipólito se eleva como Rey del Bosque.

La ópera comienza con un coro y termina con una danza; en medio, una extraordinaria sinergia entre texto y música. La partitura entronca con la estética sonora de su anterior ópera, L’Upupa. Manteniendo un core dodecafónico y haciendo uso de disonancias extremas, no renuncia a estructuras consonantes para suavizar modos y oídos.

Escrita para conjunto instrumental de 23 músicos donde predominan de forma clamorosa los vientos, metales y maderas, y el sensual uso de la percusión; apenas cuatro instrumentos de cuerda, sí sólo cuatro. Tal es la jerarquía del instrumental de viento que incluso algunos de ellos caracterizan a ciertos personajes (saxo alto, trombón). El resultado es una música vitalista de fascinantes texturas, intensas tímbricas y voluptuoso lenguaje, claro y efectivo, resaltado por efectos pregrabados (tormenta, terremoto). Sin duda el segundo acto es superior al primero, acelerado ya en la vorágine de los sonidos pregrabados y especiado con un minimalismo instrumental. La sonoridad es moderna pero tiende hacia la antigüedad, el dodecafonismo hecho mitología. Enfatizado por la propia disposición del Conjunto, dentro del volumen escénico, que pretende, y consigue, un efecto de sonido que “flota en el espacio”.

El estreno mundial tuvo lugar el pasado día 6 de septiembre en la Staatsoper Unter den Linden de Berlin con un reparto muy equilibrado y buen negociador de la partitura:

Phaedra: Maria Riccarda Wesseling, que sustituía a la indispuesta Magdalena Kozena, compuso una protagonista salvaje y alucinada, con un canto cálido y pleno de matices y colores. Intensa y delicada en su amplia ración de melismas vocales.

Hipólito: John Mark Ainsley, valiente y expresivo tenor muy creíble en su desasosiego e inocencia.

Afrodita: Marlis Petersen, brillante y entregada.

Artemis: Axel Köhler, un contratenor sobrecaracterizado, exótico y surreal por vocalidad de aflautados timbres. Vestido como hombre, entreabriendo la puerta del homoerotismo.

Minotauro: Lauri Vasar, sólido en su papel.

Ensemble Modern: desplegando toda la requerida precisión lírica, plena de magnética potencia. Conducidos con mano de hierro por Michael Boder.



El montaje escénico de Olafur Eliasson es un hallazgo apropiado a la tragedia que engloba. Con orquesta y cantantes en escena, un espejo en el fondo refleja toda la realidad hacia el público, sin barreras. Una realidad expansiva que va abriéndose a través de un pasadizo por donde circulan los actores-cantantes. Unos prismas domestican la luz provocando una sensación caleidoscópica que ayuda a expandir horizontes. (Una lástima no disponer de video)

Sinopsis detallada y revista de prensa (en inglés): Aquí

http://rapidshare.com/files/143112429/Henze_Phaedra.rar.001

http://rapidshare.com/files/143120465/Henze_Phaedra.rar.002

Los Broschi

"Qual guerriero in campo armato" aria que Riccardo Broschi compuso para su célebre hermano Carlo "Farinelli". Una música que engancha hasta el aburrimiento, la presento aquí en una interpretación de la bella Vivica Genaux que deja constancia sobrada de su expresividad facial, cuando canta y cuando no. ¡Es que no puedo parar de escuchar y ver!

Vivica Genaux

Europa Galante

Fabio Biondi

Video de las sesiones de grabación del Bajazet vivaldiano.

MAFALDA: y el humor se hizo inteligente...

Fuente:elortiba

Sólo puedo decir: gracias QUINO.

Matthias Goerne en Santiago dC

Cuestión de sensibilidad y adecuación al lied. Divisas que marcan al excelente y ya consagrado barítono alemán Matthias Goerne.

Ayer en el Auditorio de Galicia dejó profunda muestra de sus facultades: partiendo de unos medios cada vez más oscuros, asombrosamente homogéneos en toda la tesitura, evoluciona de manera fluida, tremendamente musical sobre los pentagramas con un fraseo de élite, hasta lograr entregar al oído una intensidad cálida y confortable, intimista y liederística.

Acompañado por la Real Filharmonía de Galicia (dir: Antoni Ros Marbà), cautivó a la audiencia con siete lieder de Franz Schubert, desde el pictórico An Sylvia hasta el desasosegante Erlkönig.

Como ejemplo de su canto con orquesta aquí presento dos lieder de la colección Des Knaben Wurderhorn de Mahler:

Lob des hohen Verstandes.MP3

Urlicht.MP3