XVII domingo tras la Trinidad: BWV 114

“Ach, lieben Christen, seid getrost” (Ay, amados cristianos, sentid Consuelo) es una de las Cantatas de JS Bach para la liturgia de hoy. Fue compuesta en 1724 sobre un cántico de Johann Gigas (1651). Corresponde a la serie de Cantatas Corales y precisa de un flautista de gran nivel para su ejecución.
.
En su coral inicial, Bach introduce un bajo insistente y enfatiza con diferentes recursos musicales los conceptos destacados del texto, mientras el coro desgrana verso a verso su coral:

Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki

DG según Chopin

Parece que se ha inaugurado la temporada operística internacional en los cines Yelmo con el DG de Mozart; digo parece porque el espectáculo es exclusivo de las grandes ciudades, aquellas que más problemas de financiación acusan. No tiene nada que ver, pero es una forma de quejarse (no doy puntada sin hilo)

Bien, pues aprovechando la ola, traigo al blog la impresión que de dicha obra, una cumbre lírica, dejó escrita Frederic Chopin (1810-1849). En concreto me estoy refiriendo a su opus 2 :
Variaciones sobre "La ci darem la mano" en si bemol mayor, para piano y orquesta.

Obra temprana, como indica su número de opus, está fechada en 1827. El célebre dúo de Zerlina y DG inspira un arte pianístico donde aparece ya el germen del estilo del polaco. Escrito en forma de introducción, tema y cinco variaciones, destaca por la imaginación armónica y melódica, y toda la elegancia y delicadeza del piano de Chopin. Resulta también evidente el papel secundario, auxiliar, de la orquesta en su concertación con el instrumento solista; algo que también será una constante en sus futuras obras acompañadas.
.
Esta fue la impresión que produjo la ópera de Mozart en Chopin, gran admirador desde muy niño del salzburgués, y muy elogiosa sería la crítica que Robert Schumann dejara de esta partitura.

.

Estructurada en siete movimientos: Introducción: Largo - Tema: Allegretto - Variación I: Brillante - Variación II: veloce, ma accuratamente - Variación III: Sempre sostenuto - Variación IV: Con bravura - Variación V: Adagio alla polacca. Aquí os la presento en forma ininterrumpida:

Idil Biret, piano
Slovak State Philarmonic Orchestra
Robert Stankovsky

XVI domingo tras la Trinidad: “Christus, der ist mein Leben”

La BWV 95 es una de las Cantatas que JS Bach compuso para este domingo del calendario litúrgico. Escrita en su primer año en Leipzig, contiene una muy expresiva aria para tenor “Ach, schlage doch bald, selge Stunde” (Ay, tañe pronto, bendita hora, la última campanada), quien reclama con ansiedad su última hora.
.
Bach escribe una melodía para dos oboes d’amore que corre sobre un pizzicato de las cuerdas, a modo de campanas fúnebres, en una feliz y evocadora imagen:

Adalbert Kraus, tenor
Bach-Collegium Stuttgart
Helmuth Rilling

Belleza en la sencillez: Jim Croce (In memoriam)

“I'll Have To Say I Love You In A Song”
.

"Sé que es un poco tarde

Espero no haberte despertado

Pero lo que tengo que decirte no puede esperar

Sé que me comprenderás

Cada vez que traté de decírtelo

Las palabras me salieron equivocadas

Así que tendré que decir Te Quiero en un canción"

.
Hermosas palabras de amor para quien es capaz de componer hermosas canciones de amor. Jim Croce, sí. Porque él era así: sencillo, directo, honesto y sensible. La suerte siempre le fue esquiva, tan sólo dos años de éxito, muchas penurias, y una tragedia en el mejor momento.

.
James Joseph Croce (1943- 1973), nacido en Filadelfia, creció con la querencia y las dotes de cantautor, rodeado de música “country” y versioneando en colegios y universidades a grandes de la época como Gordon Lightfoot, Joan Baez, o Woody Guthrie. Muy poco para sobrevivir. Agarrado a los más humildes empleos intentó por dos veces el asalto a la fama, tanto en solitario “Facets“ (1966) como a dúo con su esposa “Jim and Ingrid Croce”(1969). Pero todo quedó en actuaciones de café y pequeñas colaboraciones de estudio.

Por fin en mayo de 1972 publica su primer disco serio “You don’t mess around with Jim”, y se abren las puertas del cielo. Llega el éxito, trabajo, giras y desahogo.

En enero de 1973 ve la luz su segundo larga duración “Life and Times”

Y en diciembre del mismo año “I got a name” , álbum póstumo pues en septiembre fallecía en un accidente de avioneta en medio de una exitosa gira por California. Luego la mitificación, la pena y el negocio: recopilatorios, inéditos, homenajes…

.

"Operator"
.
La atracción de su música reside en la sencillez y en su enorme capacidad melódica sobre un fondo siempre melancólico. Un intimismo lírico que percibimos como profundamente honesto y cercano, y nos sumerge de inmediato en sentimientos de recuerdo y nostalgia. Fácil y directo, como un resorte; tal vez no sublime pero eficaz.

.

"Lover's cross"

.

Arropa sus breves canciones con una voz muy personal y cálida; un acompañamiento de acústicas con su inseparable amigo y compañero Maury Muehleisen; armonías vocales; y unas pinceladas de cuerdas por aquí y por allá, a modo de envoltorio que añaden ternura a los temas más líricos.
.
Este mes se cumplen treinta y cinco años de su desaparición, y bien merece el recuerdo. Fiel compañero de amores adolescentes.

"You don't mess around with Jim"

"It doesn't have to be that way"

"New York's not my home"




"Time in a bottle"

Aniversario en Adagio

Este humilde blog cumple hoy un añito. Todavía no anda bien, pero ya gatea que es un primor. Veremos cuándo le salen los dientes…

Como soy de gustos sencillos, para la celebración he escogido lo mejor. Una página señera de la literatura concertante para piano: el Adagio un poco mosso del Concierto N.5 "Emperador" de Ludwig van Beethoven. La sensibilidad Romántica en una forma Clásica. Resulta evidente que todos los conciertos del XIX son deudores de alguna manera de esta obra maestra.

En el Adagio, sobre un cuasi coral de las cuerdas, el piano estiliza su melodía y conduce a la plenitud de su espiritualidad. Una meditación en si mayor: un adagio “hinayana”


.

En conmemoración y agradecimiento a todos los visitantes, especialmente a los comentaristas, AQUÍ os dejo un audio del concierto completo.

Krystian Zimerman
Filarmónica de Viena
Leonard Bernstein

Álbumes de una vida (6): "Lucia di Lammermoor"

Siempre he estado poco predispuesto hacia el Belcantismo. Hasta donde puedo recordar tan sólo significaba un género cuya única atracción era puramente de conocimiento, de bagaje cultural, sin aportar un gran goce sensorial.

Pero para ello existen los puntos de inflexión, la ráfaga inesperada que entreabre una puerta e invita al descubrimiento.

En mi caso esta labor fue llevada a cabo por una grabación muy concreta: la Lucia di Lammermoor de Callas y Karajan en la Städtischer Oper de Berlin el 29 de septiembre de 1955. Toda una revelación, una emoción, un antes y un después. ¿Por qué?

En primer lugar por la propia obra de Donizetti, melódica como muchas pero cuidada como pocas, y de una intensidad dramática perfectamente expresada en la música. Una ejemplar simbiosis que la catapulta al concepto de obra maestra.

Pero es que además está la interpretación. Me dirán los puristas que no aparece el Edgardo de Bergonzi, ni habita el Enrico de Gobbi, o que los cortes son excesivos aunque normales para la época ¡Poco importa!

María Callas despliega su arte desde la profunda introspección del personaje y sobre una voz impoluta y juvenil. El drama se agiganta en el fraseo. La locura aparece en el color. Y no sólo, si no bastara, porque ahí perdura todo el marchamo del género: agudos demenciales, , filados vertiginosos, apianados de pura apnea, … (venga, añadan lo que quieran)

Di Stefano secunda desde el arrojo, el atrevimiento, tal vez sin el estilo preciso por momentos, pero siempre valiente y convincente en el magisterio de su fraseo hermosísimo.

Karajan, etéreo y elegante, extiende el hilo de la orquesta con gran refinamiento y traza el camino del drama.

Acto I: "Regnava nel silenzio alta la notte e bruna"

Acto II: "Soffriva nel pianto"

Acto III: "Spargi d'amaro pianto"

.
Bueno, a mí me ha conmovido. Desde entonces yo ya no sido el mismo, Lucia tampoco.

Henri Dutilleux: "Tout un monde lointain"

Uno de los más grandes músicos vivos, Dutilleux nació en Angers en 1916. Tras sus estudios en el Conservatorio de París y de composición con Henri Büsser, consigue ganar el Gran Premio de Roma en 1938. Tras la Segunda Gran Guerra, logra en París sus primeros éxitos: La Primera Sinfonía, estrenada por Roger Désormière y el ballet Le Loup, interpretado por la compañía de Roland Petit. A partir de ese momento se suceden los encargos y los éxitos.

Influenciado inicialmente por las esencias impresionistas de Ravel y Debussy, son sin embargo mayores los influjos de Bartok y Stravinsky. Aunque usuario de técnicas serialistas, rechazó el aspecto radical y excluyente de este movimiento, manteniendo siempre una individualidad estética que le alejó de cualquier escuela. Sus composiciones destacan por el refinamiento orquestal, el predominio de la atonalidad, la complejidad rítmica, la riqueza tímbrica, el gusto por el detalle y el matiz, y una querencia por la simetría estructural, objetivada en muchas ocasiones en sonidos en espejo. Su formación de percusionista reluce en sus pentagramas con profusión, especialmente las partes de timbales. Técnicamente quizás sea la variación su recurso preferido.

Aún con una producción no muy abundante, recorrió con éxito gran parte del siglo pasado saliendo airoso tanto de gustos tradicionales como de paladares más vanguardistas. En su opus destacamos:

- Segunda Sinfonía “La Double” : encargo de la Fundación Loussevitzky para la Sinfónica de Boston(1959): destaca por dividir a la orquesta en dos grupos concertantes, el primero una orquesta de cámara, a modo de una evolución del Concerto Grosso.

- Métaboles pour orchestre: encargo de Georges Szell para la Orquesta de Cleveland (1964): el arte de la variación en un discurso atonal, un cambio orgánico continuo.

- Timbres, Espaces, Mouvement pour orchestre "La Nuit Etoilée": encargo de Rostropovich para su orquesta de Washington (1978): una búsqueda de los registros extemos de la orquesta entre los contrastes maderas-cuerdas graves.

- Concierto para violín y orquesta “L’arbre des songes”: encargo de Radio France para Isaac Stern y la Orchestre National de France (1985): una unión íntima entre solista y centuria bajo un mismo núcleo melódico

- Concierto para violonchelo y orquesta “Tout un monde lointain” : encargo de Rostropovich (1970). Dividido en cinco partes o movimientos que hacen alusión a la poesía de Baudelaire: Enigma-Regard-Houles-Miroirs-Hymne.

Una obra profundamente lírica y misteriosa, introspectiva y delicada, es una ensoñación que transporta a un mundo imaginario, a un mundo lejano.

.

Escuchemos dos versiones de Miroirs, uno de los pasajes más líricos del concierto:

Rostropovich

Gautier Capuçon

.

Descargar AQUÍ el concierto completo:

Gautier Capuçon, violonchelo

BBC National Orchestra of Wales

Jac van Steen

KORNGOLD (y V): Die Kathrin

DIE KATHRIN op 28

Basada en la novela “The maid from Aachen” de Eduard Jacob, el libreto fue preparado por Ernst Decsey. Korngold comenzó a trabajar en esta ópera cuando ya había hecho su debut como compositor de películas y en medio de viajes de ida y vuelta a los Estados Unidos ( 1937)

Argumento:

“Acto I: 1930 en una pequeña ciudad francesa cercana a Suiza, Kathrin trabaja de sirvienta y se enamora de un soldado francés llamado François. Por imposición de su empleador le envía una carta de despedida pero François escala su ventana, y tras pasar la noche juntos le dice que realmente él es un cantante, pero es incapaz de comunicarle su próxima partida para Argelia. Kathrin, en su plegaria del final del primer acto, hace votos por un futuro de felicidad para ellos dos y su futuro hijo. Acto II: Malignac regenta un cabaret en Marsella donde trabaja como cantante François, contrata a Kathrin con el propósito de seducirla, pero es asesinado por su amante Monique; François asume la culpa, convencido de que había sido su amada Kathrin la culpable, y es encarcelado. Acto III: años más tarde, François recorre Suiza y llega a una pensión regentada por Kathrin, donde encuentra también al hijo que había tenido con ella, el pequeño François.”

Obra con una música más adelgazada, a medio camino entre la ópera y la opereta, al estilo de La Rondine pucciniana. La partitura está impregnada de la riquísima vena melódica de Korngold, y la orquesta embellecida con modernos instrumentos de jazz: trío de saxofones y banjo. Destacan la oración de Kathrin del acto primero, el atmosférico preludio al acto segundo, la canción del cabaret, y sobre todo el aria de tenor del acto tercero “Wanderlied”.

El estreno tuvo lugar en 1938 en Estocolmo, y reestrenada en Viena en 1950, dirigida por Rudolf Morat, protagonizada por Maria Reining, el tenor Karl Friedrich y Otto Edelmann como Malignac. A pesar de algunas buenas críticas, la taquilla fue escasa, sólo medio aforo en el estreno, la historia no era la más adecuada para los tiempos sociales y artísticos que corrían.

.

Acto I: "Ich soll ihn niemals" (Kathrin- Renee Fleming)


Acto II: "Was ist geschehn?" (Kathrin-Melanie Diener)



Acto III: "Wo ist mein Heum" (François-Anton Dermota)

TRIANA: una historia

En plena Transición española con las calles pobladas de ilusión y temor, la música popular descubría la globalización en su faceta más enriquecedora de fusión y mestizaje.

.
Dos músicos sevillanos y uno gaditano, Jesús de la Rosa, voz y teclados; Eduardo Rodríguez, guitarra española; y Juan José Palacios “Tele”, batería y percusión, levantaban con éxito, bajo el nombre de TRIANA, lo que luego se conocería como “rock andaluz”.
.
Una mezcla no agitada de música de raíces populares andaluzas: rasgueos de guitarra española, voces aflamencadas, palmas, ... con el denominado en esa época “rock progresivo” de influjo anglosajón: ritmos potentes y cambiantes de rythm & blues, largos desarrollos instrumentales a base de solos bluesísticos de guitarra eléctrica y amplios campos sonoros de teclados. Nunca ocultaron las influencias de Pink Floyd; incluso les llamaron los King Crimson flamencos (!)

.

Herederos de una llama encendida por los inefables SMASH (“El Garrotín”) y heredados por bandas como ALAMEDA, MEDINA AZAHARA, los más jazzísticos GUADALQUIVIR o las blueslerías de PATA NEGRA.
.
Un grupo dotado de sentimiento y calidad, o mejor dicho “duende”
.
Con la ayuda de Manolo Rosa al bajo, el cuarto Triana, y de Antonio Pérez a la guitarra eléctrica, editaron sus tres primeros álbumes que fueron los que cimentaron su éxito, fama y legado:

El Patio (1975) su obra maestra

.

"Abre la puerta niña" con presentación del ínclito Moncho Alpuente


"En el lago"


"Diálogo"

Hijos del Agobio (1977)

"Ya está bien / Rumor"

"Sr. Troncoso" en directo en otro patio
.

Sombra y Luz (1979)

"Quiero contarte"

"Una historia"
.

(Dedicado a la memoria de Jesús de la Rosa, a los casi 25 años de su trágico final)

Ernst Kirchner

Leído en prensa: “Los siete cuadros más importantes de la famosa serie de escenas callejeras berlinesas del pintor expresionista alemán Ernst Kirchner (1880-1938) podrán verse juntos por primera vez en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York del 3 de agosto al 10 de noviembre 2008”
.

Ernst Ludwig Kirchner fue miembro fundador del grupo Die Brücke (El Puente, 1905) cercano al muniqués Der Blaue Reiter (El jinete azul, 1911), quienes defendían un arte primitivo, plano en texturas y rico en colores puros y antinaturales. Infuenciados y relacionados con el cubismo y el fauvismo.

.
Sus Escenas callejeras, (1913-1915) basadas en ambientes sórdidos de prostitución callejera y locales nocturnos de Berlín, en perspectivas imposibles, supone la ruptura definitiva con el grupo, y con su salud mental.

.

Debajo añado alguna escena más, comenzando por la Cocotte rouge del Thyssen, acompañadas por el Epílogo orquestal - Invención sobre una tonalidad del Wozzeck de Alban Berg. Otro expresionista y más Arte Degenerado:



Orquesta de la Ópera Alemana de Berlín

Karl Böhm

.

(Dedicado, en agradecimiento, al diván terapéutico de Pilar)