Roman Kolinda Sz 57 es una colección de villancicos de diversas zonas rurales de Rumanía, recogidos y adaptados al piano en 1915 por Béla Bartók (1881-1945). Habitualmente eran piezas breves cantadas por niños.
La obra se estructura en dos series de diez villancicos cada una. En total, pues, son veinte canciones.
Sechs kleine Klavierstücke, Op. 19 (Seis pequeñas piezas para piano) es un conjunto de piezas para piano solista escritas por el compositor austríaco Arnold Schoenberg (1874-1951), y publicadas en 1913. Son una clara reacción expresionista a los excesos del romanticismo, como bien declara en una carta el propio autor:
Mi objetivo: liberación completa de la forma y los símbolos, la cohesión y la lógica. ¡Fuera el trabajo motivador! ¡Fuera la armonía como el cemento de mi arquitectura! La armonía es expresión y nada más. ¡Fuera con el patetismo! Mi música debe ser corta. ¡Adelgazar! En dos notas, no construidas, sino "expresadas".
Música sin duda atonal pero anterior al dodecafonismo de Schoenberg.
El Vals de Mephisto N. 4 de Franz Liszt (1811-1886) fue escrito durante el año anterior a su muerte, por lo que ha quedado inacabado en su sección lenta central.
Con sus apenas tres minutos cierra la colección de los Valses de Mephisto iniciada un cuarto de siglo antes. Una joya más del inigualable repertorio pianístico del maestro húngaro.
Los Dieciséis Valses op. 39 de Johannes Brahms (1833-1897) fueron escritos en 1865 y publicados al año siguiente tanto en versión para piano solo como para piano a cuatro manos.
Con estas 16 miniaturas el compositor quiso rendir homenaje al vals, en diferentes tonalidades. Brevísimas piezas, con una decidida intencionalidad de ciclo unificado, que apenas superan el par de minutos de vida.
Les cinq doigts es una miniatura para piano de Igor Stravinsky (1882-1971), escrita en 1921. Lleva el subtítulo de Ocho melodías muy fáciles sobre cinco notas. Estos ocho movimientos se mueven en distintos tempi, desde el Larghetto al Vivo:
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La miniatura es un riesgo que corre el creador, y a la vez le define y eterniza. Todos los grandes músicos han tenido esta voluntad, asumiendo el coste y recibiendo una huella imperecedera en lo más noble de los melómanos que han sido y serán.
Comenzamos este (mini)serie con las 12 Danzas Alemanas D790 de Franz Schubert (1797 - 1828), en las manos de un consumado especialista: Alfred Brendel.
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La incandescente versión del "With A Little Help From My Friends" de The Beatles, perpetrada por el gran Joe Cocker.
O la devastadora lectura de Jimi Hendrix del clásico de Dylan, "All Along The Watchtower "
Presento aquí una sensacional versión del tema de Charlie Rich "Feel Like Going Home" grabada por The Walkabouts con la participación de Mark Lanegan.
Su lectura, sobre una preciosa base arpegiada en la guitarra y un colchón de órgano Hammond, eleva al original de su monótona rutina de pequeña oración a un nivel pasional de fuerte impacto, magnificado por el juego in crescendo de la doble voz solista (Mark Lanegan y Carla Torgerson, principal voz del grupo de Seattle). Las quintas a plena distorsión en la guitarra solista seguidas de un emotivo solo hacen el resto. Disfruten:
Antes de que el mundo fuera hecho
Traducción de Nicolás Suescún.
David Gilmour sintió esa liberación armando un disco, que sin ser ninguna obra maestra ni aportar novedades a su música, estaba repleto de buen blues-rock setentero. Todos los temas, salvo uno, eran de su propia composición y para grabarlos se limitó a añadir a su desempeño en guitarra y voz, dos colegas: Rick Willis al bajo y Willie Wilson a la batería. Alguna tecla y voces de soporte, y punto: sencillo y eficaz. De sus cinco álbumes en solitario es el que más aprecio.
La personalísima guitarra de Gilmour es siempre un compendio de buen gusto, perfecta ejecución y emotividad cercana:
Stevie Ray Vaughan (1954-1990) fue una luminaria en la escena del blues rock durante la década de los años 80, antes de que un fatal accidente de helicóptero diese sombra a su brillo.
Fino guitarrista de amplia formación en el blues eléctrico americano, saltó a la fama con su grupo Double Trouble, a raíz de su participación en el Festival de Montreux 1982 y la publicación de su primer álbum "Texas Flood" al año siguiente. El éxito fue inmediato: ventas, premios y colaboraciones con los más grandes del momento, como Bowie o Clapton.
Jimi Hendrix fue su reconocida mayor influencia estilística, en la cual también se pueden rastrear nombres legendarios del blues y el rock como Albert King, BB King, Albert Collins, Chuck Berry, Johnny guitar Watson,... y portentos del jazz como Django Reinhardt o George Benson.
Su equipamiento instrumental fue extraordinariamente fiel a la marca Fender: amplificadores, cuerdas, púas, y su mítica Stratocaster del 59 con sus iniciales en el cuerpo.
Su legado discográfico fueron cinco álbumes, antes de que la niebla se lo llevase. Después, recopilatorios, grandes éxitos, sesiones, lives, documentales, y el recuerdo, como esta actuación en Montreux:
Para el 10 de septiembre de 1724, en su segundo año de estancia en Leipzig, JS Bach compuso una Cantata coral, la BWV 78, con un par de movimientos iniciales poco comunes.
El primero es un amplio Coro, con flauta, en forma de pasacalle con 27 variaciones sobre un motivo que acabaría incorporando al "Crucifixus" de la Gran Misa en si menor.
El segundo es un alegre y pizpireto dúo para alto y soprano, en el que ambas voces no dejan de perseguirse sobre un "walking bass", a cargo de violonchelo, contrabajo y órgano, que no permite en momento alguno el menor reposo para pies y piernas.
Un Bach de lo más divertido.
Desde la crudeza y espontaneidad, muy indie, de sus dos primeras obras, Dry (1992) y Rid Of Me (1993), la mayor elaboración y elegancia sonora de sus discos más exitosos, To Bring You My Love (1995) o Stories From The City, Stories From The Sea (2000); la electrónica experimental honda y oscura de Is This Desire? (1998) -su favorito-, la intimidad melódica llevada al piano en White Chalk (2007), o la intensidad instrumental y política de Let England Shake (2011). En cualquiera de esas obras grabadas pueden encontrar argumentos de sobra para apresar la pasión que toda música, o cualquier arte, debe ofrecer.
Aún siendo una eficaz multiinstrumentista -guitarra, piano, saxo, arpa- su gran baza es una polifacética, amplia y dúctil voz. Si les recuerda a una Patti Smith en versión excelsa, les habrá sucedido lo mismo que a mí.
Cuatro vídeos de cuatro etapas de su carrera musical:
Para esta inauguración desea entregar una obra programática y a la altura del evento. Basada en el evangelio del día -la parábola del hombre rico y el pobre Lázaro- Bach la reviste de un estilo danzante, tanto en las diversas arias como en el Coro inicial, que adopta la forma de una obertura francesa. Obertura que preludia una extensa fuga, cuyo tema es presentado en los solistas para pasar luego al tutti.
Un toque cortesano, como bien destacaba un cronista de la época: "el Sr. Johann Sebastian Bach, procedente de la corte principesca de Köthen, recibió nutridos aplausos con su primera obra musical"
La primera Sinfonía "Primavera" de Robert Schumann fue completada en apenas dos meses a comienzos de 1841, en una de las épocas más dichosas de la vida del compositor, al fin felizmente casado con Clara Wieck.
Tres motivos explican su primer acercamiento al mundo sinfónico: buscar nuevas forma de expresión musical, más allá del piano; tratar de medirse con su amigo Mendelssohn, excelente sinfonista; y abrir al mundo romántico una forma musical depurada por los grandes maestros clásicos.
Fue precisamente F. Mendelssohn el encargado de dirigir su estreno en Leipzig el 31 de marzo del citado año, obteniendo una calurosa acogida. Estructurada en cuatro movimientos, se acompaña del romántico verso de A. Böttiger: "En el valle florece la primavera".
El segundo movimiento, Larghetto, es una ensoñación musical cuyo tema principal, extremadamente melódico y con veladas armonías, es presentado en los violines y recogidos en los violonchelos. La primavera según los románticos, la primavera según Schumann:
Dream Theater es una banda estadounidense formada, con otro nombre, en 1985 a partir de tres colegas estudiantes, guitarrista, bajista y batería, en una afamada Escuela de música de Boston. Todos sus componentes, incluyendo al teclista y al cantante, son considerados unos virtuosos de sus respectivas disciplinas, sumando numerosísimos premios del mundillo musical especializado. En concreto el guitarrista John Petrucci figura en todas las listas entre los diez mejores de todos los tiempos.
Desde el inicio fueron considerados pioneros del denominado metal progresivo: una fusión del clásico rock progresivo de los setenta con el heavy metal que venía triunfando desde mediados de los sesenta, y que durante los ochenta daba origen a un sinfín de subgéneros que lo volvía a poner en órbita. Dream Theater bebía de ambas fuentes, nada lejanas una de la otra, le daba un nuevo impulso generacional y conectaba como nadie con los grandes del rock anglosajón. Led Zeppelin, Pink Floyd, King Crimson, tenían una continuidad estilística manteniendo la excelencia musical que les caraterizaba.
Cualquiera de ellos podría firmar muchos de sus temas, como la balada Through her eyes, perteneciente a su obra cumbre Metropolis Pt 2: Scenes from a Memory (1999):
Johann Sebastian Bach fue citado en Leipzig el domingo 7 de febrero de 1723 para defender su candidatura al puesto de Cantor de la Iglesia de Santo Tomás.
Una de las piezas que presentó durante la prueba fue la Cantata BWV 23, compuesta en Köthen. Simplemente se limitó a añadirle metales al coral final para lo cual tuvo que trasponer la tonalidad de la obra. Un trabajo de taller al que estaba bien acostumbrado.
El resto es historia: Bach comenzó su labor en Leipzig ese mismo año hasta su muerte en 1750. Esos años todavía los seguimos disfrutando.
Uno de los primeros supergrupos ha sido la banda Cream. Un grupo seminal formado en los sesenta por Eric Clapton, Jack Bruce y Ginger Baker; cada cual un portento en su instrumento. La cosa acabó malamente, pero creó escuela.
Tal vez el más insólito y super supergrupo hayan sido los Traveling Wilburys, una agrupación de colegas bien avenidos (de izda. a derecha: Bob Dylan, Jeff Lynne, Tom Petty, George Harrison y Roy Orbison, con la ayuda del magnífico baterista Jim Keltner). Cada uno de ellos adoptó un nombre ficticio con el apellido Wilbury, fingiendo ser hermanos, para editar sus álbumes.
A finales de 1988 publicaron Traveling Wilburys Vol. 1, de excelentes prestaciones y gran éxito. A los pocos meses falleció Roy Orbison, dejando tocado el proyecto inicial. Dos años más tarde editaron su definitivo disco Traveling Wilburys Vol. 3, con homenaje incluido al desaparecido músico. Nunca hubo un volumen 2, pero dejaron muestras de buena música y buen rollo.
Handle With Care es uno de sus mejores temas:
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El Reggae como género musical nació en Jamaica a finales de los años sesenta, por evolución de otros géneros autóctonos e influencias regionales, especialmente de las músicas negras estadounidenses. Con fuerte arraigo local, no conoció el éxito internacional hasta mediados de la siguiente década, a raíz de su difusión por grandes figuras del rock anglosajón (Eric Clapton, Rolling Stones), la apuesta decidida de productores británicos y la creciente valoración de sus músicos por parte de la industria.
Bob Marley sería la punta de lanza, quien junto a su grupo The Wailers, conocería un éxito sin precedentes. Durante varios años pondría de moda este género a nivel mundial debido tanto a la fuerte promoción como a la indudable calidad de su música y de su banda. Fue lo que hoy llamaríamos una tendencia, obteniendo éxito tras éxito prácticamente hasta su desaparición física en 1981, dejando una escena consolidada, numerosos músicos en activo (comenzando por algunos de sus hijos y su mujer Rita) y una secuela de subgéneros por todo el mundo. Marley cultivó especialmente los subgéneros roots reggae (canciones de contenido social y místico) y lovers rock (temas de amor)
