Domingo de Pentecostés: BWV 74

“Wer mich liebet, der wird mein Wort halten” (Quien me ame mantendrá mi palabra) fue compuesta en 1725 para el primer día de Pentecostés. El texto es de Christiane Maniane von Ziegler (1695-1760) a partir del Evangelio de San Juan sobre la venida del Espíritu Santo.
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El radiante Coro que abre la obra con amplio despliegue de trompetería y timbales, se basa en el dúo inicial de una Cantata de la época de Weimar, la BWV 59, que JS Bach desarrolla ampliamente para un esplendoroso comienzo:

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Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki
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El séptimo movimiento es el aria de contralto “Nichts kann mich erretten”, de espíritu jovial, con amplia orquestación y luminosas figuraciones del violín, en una línea italianizante tomada directamente de Vivaldi o Tartini:

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Robin Blaze, contratenor
Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki

Álbumes de una vida (9): Beethoven "Últimos Cuartetos de Cuerda"

Decía TW Adorno que “la verdadera razón de la grandeza de Beethoven es que no sólo produjo una buena pieza tras otra, sino que incesantemente produjo nuevos tipos, nuevas categorías de música…” Aseveración que cobra todo su sentido al aproximarnos a sus últimos cuartetos de cuerda. Una música pura que desnuda el alma del genio, destruye el universo clasicista imperante, salta por encima de todo el arte musical del XIX y constituye una cima de cimas, el apogeo de su obra y un ochomil en la Historia de la Música.
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Beethoven llega por fin a revelar el arte por el arte, sin compromisos públicos ni patronales. En su aislamiento nos comunica sin pudor sus temores y sus firmezas, presentándonos un nuevo universo formal y expresivo, “un orden superior con fondo negro, ocre y mate” según Eugenio Trías, una música sin tiempo ni espacio, eterna.
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El Cuarteto de Cuerdas clásico, descendiente del divertimento, es una escritura a cuatro partes, con un instrumentista por parte, ausencia de continuo y en forma sonata. Beethoven en sus últimas obras se cuestiona toda la arquitectura, es el Beethoven más radical:
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- Maximiza las estructuras llegando hasta siete los movimientos del opus 131
- Estruja la expresividad por medio de una armonía compleja
- Invierte en potentes líneas melódicas, hijas del folclore
- Urde texturas a través del motor contrapuntístico y un potente desarrollo polifónico, arcaico por momentos (no hay tiempo, no hay espacio),
- Compone las ideas musicales sin hilazón ni barrera: variaciones, fugados, contrastes, modulaciones, ritmos, todo se yuxtapone en un desbocado camino hacia La Forma, Lo Innombrable, Lo Sublime, fruto de un pensamiento musical más abstracto, esencial, superior.
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Concluye Adorno “El estilo último de Beethoven es la autoconciencia de la insignificancia de lo individual” Me atrevo a añadir que son la prueba tangible de la Inmortalidad del Ser Humano.
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Pasemos a comprobarlo en la inmaculada y legendaria versión del extraordinario Quartetto Italiano, que extrae todo lo sobrenatural de esos pentagramas, cambiándonos la vida:

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Cuarteto n.13 op 130 V. Cavatina (Adagio molto expresivo)
“Nunca mi propia música tuvo un efecto tal sobre mí” dijo el compositor sobre esta página emocionante. Sus tres ideas melódicas, vocales, cantabiles, tienden hacia la melodía infinita.

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Cuarteto n.14 op 131 I. Adagio ma non troppo e molto espressivo
El primer movimiento del que considero el mejor de todos sus cuartetos es una fuga de extraña y rica expresividad, basada en la polifonía.

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Cuarteto n.14 op. 131 II. Allegro molto vivace
Pequeño y rico scherzo in ritardando

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Cuarteto n.15 op 132 V. Allegro appassionato
Triunfal final en forma rondó, con uso y abuso polifónico
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Cuarteto n.16 op 135 III. Lento assai, cantante e tranquillo
Un canto de paz, sereno y melancólico en forma de variación
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Paolo Borciani, violín I
Elisa Pegreffi, violín II
Piero Farulli, viola
Franco Rossi, violonchelo

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PS: después de ésto ¿qué nos queda? Tan sólo llorar... de gozo, de gratitud.

Domingo de Exaudi: BWV 44

Exaudi es el domingo siguiente a la fiesta de la Ascensión, que corresponde al sexto después de la Pascua. “Sie werden euch in den Bann tun” (Os expulsarán de los templos) es la Cantata de 1724 para esta celebración litúrgica, basada en la lectura del Evangelio de San Juan.
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“Es ist un bleibt der Christen Trost” el aria da capo de soprano que, poco a poco, va generando la modulación de aflicción a alegría, amparada en todo el despliegue instrumental:
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Arleen Auger, soprano
Bach-Collegium Stuttgart
Helmuth Rilling

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Josefina, tu turno...

Dos adolescentes allegros

Rosario Olarte: "Adolescencia"
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Con la producción sinfónica de WA Mozart podemos recorrer la evolución del género durante todo el siglo XVIII y más allá. Desde su independencia del modelo italiano, la escuela de Mannheim, el desarrollo del estilo galante, la apoteosis clasicista con FJ Haydn y el horizonte del pre-romanticismo, directamente o por Beethoven interpuesto.
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Hoy propongo visitar dos movimientos de apertura, dos allegros, de dos Sinfonías de adolescencia, que además suponen jalones en el desarrollo de su genio y oficio. Una reveladora muestra de primor y frescura, ímpetu y dominio, gracia y seducción, con toda la insolencia y el desparpajo de la adolescencia pugnando por sentar cátedra. Ambos en versión de la Philharmonia Orchestra dirigida por Otto Klemperer, ese personalísimo director, genial y austero, de excelentes logros mozartianos.
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Sinfonía n.25 en sol menor K 183 (1773) Allegro con brio: el primer tema se precipita sobre un ritmo impulsivo en las cuerdas, mientras cantan los oboes. El segundo tiende a contrastar con el anterior y su impetuosidad, intentando relajar tensiones:

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Sinfonía n.29 en la mayor K 201 (1774) Allegro moderato: desarrollado de forma ambiciosa en tres temas principales comandados por las cuerdas, es un evidente ejemplo de su potencia compositiva:

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Robert Fripp (IV): The League of Gentlemen

portada: Danielle Dax
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TLofG, el grupo frívolo de Fripp, fue un experimento fallido de apenas un año de duración, desde marzo hasta noviembre de 1980. Lejos ya la última gran obra del grupo matriz King Crimson: “Red” (1975), Fripp vivía una época muy ecléctica, inmerso en el desarrollo de sus “frippertronics”, colaborando con fuertes personalidades con Brian Eno o Peter Gabriel, o grabando auténticos collages en solitario “Exposure”: comenzaban los ochenta, la era del plástico…

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The League of Gentlemen era según Fripp un grupo de música disco, danzante, dicen que en sus conciertos invitaban al público a bailar, una especie de new wave post-punk. Su composición instrumental era muy básica, una simple y potente sección rítmica a cargo de dos instrumentistas provenientes de un grupo punk neoyorquino, Johnny Toobad a la batería y Sarah Lee al bajo, los cuales proporcionaban ritmos sencillos, muy marcados, bailables, incluso fisiológicos. A partir de ahí creaba una trama sonora el órgano de Barry Andrews, sobre la cual Robert Fripp se dedicaba a improvisar guitarreos entre pop y experimentales. El resultado era llano, directo, humilde y efectista, pero de limitado valor, tan sólo sirvió como modelo de experimentación para el desarrollo de futuras texturas para su siguiente proyecto, Discipline, la nueva reencarnación de King Crimson, cambiando el órgano por una segunda guitarra.
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Dejaron tan sólo dos obras grabadas, la primera un directo tomado de sus actuaciones veraniegas en Norteamérica previas al único álbum de estudio. Se llamó Thrang Thrang Gozinbulx, disco con toda la potencia del directo, de muy mal sonido, que incluía algunas piezas que compondrían el álbum homónimo más algunos temas inéditos como "Boy at piano", con interesantes devaneos guitarrísticos:

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The League of Gentlemen (1980) curiosamente publicado a nombre de Robert Fripp fue el único álbum en estudio de la banda. Grabado en otoño de ese año, conoció ya la salida del batería original, previa a la disolución de la banda. Fripp además se dedicó a cortapegar parrafadas y gemidos de todo tipo en medio de algunos temas. Destacables "Inductive Resonance", un resumen de la estética sonora de la banda y una de sus más conseguidos éxitos:
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"Trap", el tema más avanzado que adelanta el nuevo proyecto de Fripp:
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Día das Letras Galegas

O 17 de maio celébrase o Día das Letras Galegas. A data escolleuse por coincidir coa publicación da primeira obra maestra da literatura galega contemporánea: Cantares Gallegos de Rosalía de Castro (17 de maio de 1863). A Festa ten lugar dende 1963 e cada ano dedícase a un escritor xa desaparecido, sendo os tres primeiros homenaxeados Rosalía de Castro, Alfonso R. Castelao e Eduardo Pondal. Este ano o escollido é Ramón Piñeiro, filósofo, ensaísta e político lucense.
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Sendo a Literatura unha das máximas expresións dunha cultura, a celebración pretende recoller “o latexo material da actividade intelectual galega”
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Eu, como gusto de ir por libre, quero festexar este Día cun poema do poeta de Rianxo, Manuel Antonio (1900-1930):

Encol d’unha hora de paisaxe (1923)

O Poente
era unha hora de violedas
ferida de lanzas d’ouro.
Os pasos d’a sombra
xa petan preto d’as astraes
fenestras de vidros d’ouro.
Os vieiros
metidos
en longas cóbregas
comenzan a buscar o seu burato.
Van a romper os montes a galope
N-o canto d’a Lua
pintado de branco
hai un burato.
Teño sede de versos
A fontela corrixe as erratas
d’o seu poema.
N-o poente de mañán
con fíos e adoas d’auga
fun enfiando outro poema.
(O Poente
era unha hora de violedas
feridas con lanzas d’ouro)
Atopei un Alquimista
que quería facer terra
e non tiña mais que ouro...

Domingo de Rogate: BWV 86

El quinto domingo tras la Pascua de Resurrección de 1724 estrenó JS Bach, en la Iglesia de Santo Tomás de Leipzig, la Cantata “Wahrlich, wahrlich, ich sage euch” (En verdad, en verdad os digo) BWV 86, basándose en el Evangelio de San Juan.
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La inicial aria de bajo, la Vox Christi, expone las confortadoras palabras hacia sus discípulos en una hermosa polifonía a cinco voces en forma de fuga tripartita, con los oboes d’amore doblando a las cuerdas:
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Stephan MacLeod, bajo

Bach Collegium Japan

Masaaki Suzuki

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El aria de contralto “Ich Hill doch wohl Rosen brechen” en forma da capo, se embellece con un obligado virtuoso de violín cuyas figuraciones evocan las espinas de las rosas a las que alude el texto:

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Robin Blaze, contratenor
Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki

La Tour y Caldara: la Magdalena

El Museo del Prado acaba de inaugurar una nueva modalidad de exposición basada en una única obra. Se denomina "La Obra Invitada" y es algo así como una obra en residencia: una presentación intensiva y extensiva de una obra maestra para su disfrute y comparación. Como primera invitada ha sido seleccionada la Magdalena Penitente de Georges de La Tour (1593-1652), proveniente del Louvre. Excelente elección de un maestro y un artista maldito y desconocido hasta los años veinte del pasado siglo.

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Tenía previsto una pequeña evocación del cuadro pero el excelente artículo de Antonio Muñoz Molina en el suplemento Babelia de El País me ha disuadido. Hago mías sus hermosas frases:

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"La luz es la fugacidad de la vida; la calavera, el recordatorio de la cercanía de la muerte; los libros cerrados, la vanidad del conocimiento humano."

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Y añade:

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"George de La Tour reduce al mínimo el vocabulario obligatorio de la representación para concentrarse en la plenitud de la presencia, en una contemplación ensimismada que es la de esa mujer en la habitación en la que sólo arde una llama y la que se nos contagia a nosotros cuando miramos el cuadro, examinando el modo en que esa luz toca cada superficie, la piel joven, el pelo tan liso, la camisa blanca, los dedos, las uñas, el hueso de la calavera, la soga, el contraste entre el máximo de claridad y los grados diversos de penumbra, y luego de negrura."

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Leer aquí el artículo completo
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Como contrapunto musical traigo al Castillo la Maddalena ai piedi di Cristo, Oratorio del magnífico y prolífico compositor Antonio Caldara (1670?-1736). Estrenado hacia 1700, es un hermoso ejemplo de sus cuarenta y dos oratorios sacros. Pertenece a su período veneciano, siendo Maestro de Capilla del Duque de Mantua. Su frescura compositiva e imaginación melódica brillan en toda la obra, así como su capacidad para transmitir el dramático sufrimiento: otro grandísimo genio también bastante olvidado. Gracias a los videos de OedipusColoneus, quien tuvo la misma idea de unir ambos creadores, pasemos a escuchar dos arias de la misma Magdalena, en interpretación de Maria Christina Kiehr y la Orquesta de la Schola Cantorum Basilensis, dirigidos por René Jacobs:
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"Voglio piongere sin che frangere"
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"Per il mar del pionto mio"

Domingo de Cantate: BWV 166

“Wo gehest du hin” (¿A dónde vas?) es una de las dos Cantatas para el cuarto domingo tras la Pascua. Estrenada el 7 de mayo de 1724, el autor del libreto permanece desconocido (Christian Weiss?) pero la primera frase proviene de la despedida de Jesús, en medio de reproches a sus discípulos, tomada del Evangelio de San Juan.
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El segundo movimiento es una amplia aria de tenor “Ich will an den Himmel denken” con oboe y violín obligatti, y continuo. El inusual acompañamiento resulta muy afectivo y efectivo, en una idea de persistencia, pues el oboe representa el elemento celeste y el violín expresa al hombre entregado a Dios. (La parte de violín se había perdido y fue posteriormente recuperada por Alfred Durr)

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Christoph Prégardien, tenor
The Ámsterdam Baroque Orchestra
Ton Koopman

Dylan vs Salieri

Uno de los grandes aciertos de Milos Forman, y de su guionista Peter Shaffer, en la película Amadeus, es el efectista acercamiento al desorden mental de Salieri. De manera maniquea, tal vez en exceso simplista, presenta la conversión del amor hacia una obra que considera sublime, en un odio aterrador y destructivo, también vengativo, hacia su autor. Lo más impactante del proceso degenerativo en Salieri es su inmenso dolor al ser consciente de su propia mediocridad frente al genio. En su puesto elevado, valorado en fama y éxito, su deterioro procede del conocimiento. Esto le honra, le reconoce, pero le destruye. No se enfrentaba a un competidor, sino al toque divino, a lo inigualable. Tal vez un desconocimiento, o el menosprecio, le hubiesen salvado, pero él era conocedor de su inmensa inferioridad llegando a compararse con el patrón de los mediocres. Creo que pocos castigos más duros existen para un ser inteligente…

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Lo que el film dramatiza de forma tal vez irreal, un punto exagerada y nociva, lo podemos comprobar y corroborar en la realidad. En el magnífico documental “Don’t look back” de D.A. Pennebaker sobre la gira británica de Bob Dylan en 1965, hay una escena reveladora. Dylan era ya un reconocido cantautor situado en un momento culminante de su carrera en pleno giro eléctrico, cambio de instrumentación que no de lenguaje. Un artista seguro de sí mismo, sin complejos, arrogante y lúcido. En dicha escena, en una fiesta privada está invitado Donovan, cantautor de éxito en esa época, a veces acusado veladamente de plagiar al de Duluth. Tímida y nerviosamente se pone a cantar “To sing for you” para Dylan, presentado con ese miedo y reverencia hacia el que conscientemente considera un genio superior. Dylan vigila, se balancea y procesa. Finalizada la interpretación arropado por los suyos, Bob toma el mando y con todo su magnetismo desgrana su increíble “It’s all over now, Baby Blue” ante el asombro del selecto auditorio y el disfrute del artista, a quien su vanidad le hace sonreír. Donovan, como Salieri, conoce la distancia, se hace consciente de su mediocridad. En su lenguaje corporal habita la desazón, de su sonrisa obtiene una mueca; mira, desvaría, se tensa y se entrega. Su gestualidad es un libro abierto: pobre Donovan. La escena no tiene desperdicio: DEMOLEDORA.
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Sabe y conoce, no sé si llega a odiar…

Domingo de Jubilate: BWV 146

Estamos en el tercer domingo tras la Pascua, festividad litúrgica que en 1726 (algunos dicen que en 1728) conoció el estreno de la Cantata “Wir müsen durch viel Trübsal” (A través de muchas aflicciones) BWV 146. Una obra amplia, plena de autopréstamos musicales, donde JS Bach nos va conduciendo desde la oscuridad hasta la luz.
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El comienzo de la Cantata es una Sinfonía tomada del primer movimiento de un concierto para violín perdido, que también sirvió de base para el Concierto para clave en re menor BWV 1052. Pero esta vez en formato enriquecido y arreglada para órgano concertante:
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Bach-Collegium Stuttgart
Helmuth Rilling
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El aria para soprano, dos oboes d’amore, flauta y continuo “Ich säe meine Zähren”, nos invita a ese recorrido desde la aflicción en lágrimas hasta la gloria, en su sinuosidad vocal e intimista instrumentación :
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Helen Donath, soprano
Bach-Collegium Stuttgart
Helmuth Rilling

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PS: permitidme una dedicatoria especial a la fiel comentarista Josefina, tal vez hoy con cierto retraso pero con doble felicidad.