El otro “caro sassone”

Dresde 1748 (Bernardo Bellotto)
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Cumpliendo su propia profecía ante un joven Mozart (“este chico hará que nos olviden a todos”) Johann Adolf Hasse (1699-1783) uno de los músicos más famosos y reconocidos de la Europa de mediados del dieciocho, todavía duerme en el limbo del olvido.
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Nacido cerca de Hamburgo, deslumbró a las mejores Cortes y entusiasmó a los mejores Teatros de su época: Nápoles, Venecia, Dresde, Berlín, París, Londres, Viena… se rindieron a su primorosa escritura vocal, a su delicada línea melódica, a su maestría orquestal, a su agradable recitativo acompañado, a su tratamiento moderno del da capo, a su hermosa realidad pre-mozartiana…

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Y no es ditirambo de admirador hacia una figura que nos legó sesenta y tres óperas, y cuya máxima era “deja que la música sea clara, sencilla, pero sublime”; hacia un músico que en Nápoles, siendo alumno de Porpora y Alessandro Scarlatti, estrenó su primera mini ópera a dos voces con el mismísimo Farinelli. Un hombre que rivalizó con los mejores compositores de ópera seria italiana (Leo, Porpora, Vinci) en los teatros venecianos, ante las más altas cabezas coronadas, con la renombrada Faustina Bordoni al frente del reparto, convertida ya en su esposa. Un maestro que elevó al más alto rango a la Orquesta de la Ópera de Dresde “la más cercana a la perfección” (Rousseau), teniendo al gran Bach y su hijo mayor Wilhelm Friedemann entre el auditorio. Un compositor requerido sin cesar desde Berlin, adorado por Federico el Grande de Prusia. Un músico tentado a rivalizar con el todopoderoso Händel en Londres. Un estilista en la Viena de Maria Teresa, donde mantuvo fuerte pugna con los nuevos vientos de la reforma gluckiana. Un humano enterrado en Venecia. Un nombre que marcó una Época. Una referencia del tardobarroco que fluía hacia el clasicismo… ¿Se puede pedir más? Sí, los elogios de Mozart, y las influencias indudables sobre sus propias obras.
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De su primera época napolitana, propongo la audición de unas piezas de su Serenata a dos voces Marc’Antonio e Cleopatra (vídeos de wienerfr). Todavía en un estilo claramente barroco, deslumbra por la luminosidad de su pentagrama, el virtuosismo vocal y la maestría de su orquesta.
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Sinfonía: spiritoso e staccato-allegro
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Aria Marc'Antonio: "Pur ch'io possa a te"
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Aria Cleopatra: "Morte col fiero aspetto"
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Descargar Aquí la obra completa:

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Vivica Genaux
Isabel Bayrakdarian
Concerto Köln
René Jacobs
París, junio 2000 -radiodifusión-

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Volveremos pronto sobre el sajón…

Alma eslava

La melodía de amplio aliento, profunda, amplia, eterna, pasional, forma parte sustancial del alma de la música eslava, y por extensión de toda su inmensa cultura. Una seña de identidad a través de generaciones, épocas y estilos.
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Paradigma del romanticismo en la cultura rusa, el compositor Sergei Rachmaninov (1873-1943) estrenó en 1901 su Sonata para violonchelo y piano en sol menor op 19, tras su muy popular Segundo Concierto para piano.
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En la sabia combinación de dos naturalezas instrumentales como son el piano y el violonchelo, se alcanza uno de los hitos de la música de cámara. La textura arquitectónica del teclado bañado por el color envolvente de la cuerda grave logran recrear los más variados estados anímicos.
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Esta Sonata en cuatro movimientos, deudora del Schumann más juguetón y de los humores de Brahms, nos atrapa en su vena melódica tan rica y poderosa, tan romántica, tan rusa, tan eslava…
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I. Lento – Allegro moderato - Moderato: íntima introducción que cede paso a dos temas melódicos de generoso desarrollo, y poderosa conclusión.
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II. Allegro scherzando: jugueteo en un piano ingenuo que sosiega el violonchelo en su sensata melodía.
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III. Andante: sencillez y serenidad, con atisbos melancólicos, en la siempre refinada melodía del lied, enriquecida en dos temas de gran hermosura e intensidad, que presenta siempre el piano y con un violonchelo que nos hunde en simas de gravedad infinita. Una serenidad a la que siempre tiende ese ente que denominamos, sin saber explicarlo, alma. Yo-yo Ma y Emanuel Ax nos proponen su lectura en un video de rovingeye2:

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IV. Allegro mosso – Moderato – Vivace: vivacidad pasional en su tratamiento melódico, contrastando al máximo las dos naturalezas instrumentales, sin primacías.
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Una pieza de impactante belleza, apropiada para regalar…el alma.

Segunda de Brahms: “consuelo de amigo”

Johannes Brahms compuso su Segunda Sinfonía en re mayor op 73 poco tiempo después de la Primera; contrasta con los años de preparación que necesitó su debut en el género. Recibida con éxito ya en su estreno en 1877 en Viena, fue su definitivo asiento en el Olimpo del sinfonismo clasicista y su evolución romántica; aceptada como una sabia mezcla de dos genios: Beethoven y Mozart.

Aunque mucho más sosegada que su predecesora, mantiene todo el poderío dinámico de sus brumosas atmósferas en sus cuatro movimientos:

I. Allegro non troppo: belleza melódica a ritmo de vals en cuerdas y maderas, solemnizada en las trompas.

II. Adagio non troppo: es en los tiempos lentos donde Brahms mejor nos habla; en este adagio encontramos la profundidad confortadora en la acariciante línea melódica de los violonchelos, que desarrollarán maderas y violines; a modo de consuelo de amigo, de abrazo sentido y repetido, de apretón de notas como caricias, de ayuda ante la tristeza: el afecto físico que tiende a la desaparición de la agitación dolorosa… Brumas sí, pero horizonte luminoso. Sintamos este agradable efecto en la batuta del genial Sergiu Celibidache con la orquesta SWR de Stuttgart:

III. Allegretto grazioso: danza afable y popular en forma de variación.

IV. Allegro con spirito: explosión orquestal con todo el optimismo vital de la sangre mozartiana (Hanslick)

Robert Fripp (VII): King Crimson THRAK

La encarnación de King Crimson en los noventa se basó en la dualidad. La dualidad, que siempre fue evidente en la manifestación artística del grupo, ahora llegaba hasta la propia composición instrumental del mismo. Robert Fripp puso en pie un sexteto en versión Doble Trío: dos baterías, dos bajos y dos guitarras. Una simetría sonora para un gran juego instrumental, donde la base rítmica pasaba a ser determinante, y muy poderosa, y con la cual iniciaba un nuevo bloque evolutivo.
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Superada la fase new wave de los ochenta con su Trilogía de colorines - rojo - azul – amarillo- el cuarteto incorporaba a Pat Mastelotto como segundo percusionista al lado de Bruford, y a Trey Gunn, tocando el stick (una mezcla entre bajo y guitarra, que se ejecuta utilizando la técnica de "tapping", consistente en tocar el instrumento por el cuello de éste con ambas manos presionando las cuerdas sobre el diapasón –wiki-) y la guitarra Warr (evolución del stick, llamada también touch guitar) haciendo una doble función de bajo rítmico y de apoyo melódico a las guitarras solistas merced a las características peculiares de sus instrumentos. Añadían además los soundscapes de Fripp como material envolvente supliendo al antiguo mellotron
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La nueva formación se rodó durante una gira por Argentina mientras grababan una mini obra llamada Vrooom donde apuntaban la nueva etapa musical; se anclaba rotundamente en las mejores obras de su monumental historia musical: In the Court… y Red.
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Una vez a punto la máquina sónica, Fripp decidió editar el primer larga duración en estudio, ya con las ideas asentadas. Esta obra se llamó THRAK (1995): en su factura aparecía nuevamente la dualidad:
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Por un lado la visión introvertida, lírica, seductora y tentadora del rey carmesí: baladas de tempo lento e intensidad vocal, puras melodías pop con guitarras envolventes:
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El suspendido Walking on Air:
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La delicada One Time:
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Por otro, todo el poderío rítmico de la nueva formación: ritmos pujantes, casi tribales; demoledores riffs de guitarra, para asfixiantes atmósferas post-industriales: la faceta que marcaría la evolución del grupo, en detrimento de la primera.
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Vrooom (un movimiento de avance implacable y aparentemente inevitable que se lo lleva todo por delante) aquí en una interpretación en directo:
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El devastador Thrak:
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Escojan y saboreen sus preferencias, yo me quedo con ambas.

Götterdämmerung: final de ciclo en A Coruña

Con las entradas agotadas hace semanas, y huecos evidentes en el graderío, el pasado sábado se puso broche de oro a esta Tetralogía anual que, en versión de concierto, fue edificada por Víctor Pablo Pérez y la Orquesta Sinfónica de Galicia. Si bien con la heterogeneidad que provoca tan dilatado espacio temporal, y la entendible discontinuidad en los principales papeles, el motor del evento a plazos se mantuvo brillante y estable: la OSG
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Naturalmente con este Ocaso de los dioses se ponía final por todo lo alto a esa cumbre musical : el Anillo del Nibelungo. La expectación en el Palacio de la Ópera de A Coruña fue máxima, así como fidelidad de todos los hooligans wagnerianos, cercanos y no tanto, entre los cuales me incluyo.
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Conviene comenzar esta crónica por el elemento aglutinador y fijo:

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La OSG es una centuria de primer nivel, tanto en conjunto, como por secciones, e incluso en primeros atriles; su sonido, compacto, brillante, homogéneo, delicado a la vez que poderoso, intenso y transparente; dúctil hasta el extremo de pasar de un belcantista a un mahler en pocas semanas con total adaptación. Y lo mejor de todo: su wagner suena a Wagner…
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Víctor Pablo Pérez, su titular, es un director decantado hacia el heroísmo musical, la grandilocuencia, la vorágine y hasta el estruendo; su fuerte no es el lirismo, ni el matiz, y al que el rubato le es ajeno. Pero las texturas orquestales emergen: no es oscuro ni pesado. Inclinado hacia tempi rápidos, agitados, como en el Viaje de Siegfried por el Rin que parecía navegado por el héroe en un fuera borda; según transcurría la historia se fue serenando y cantando los pasajes más introvertidos: llegó a ser delicado en el relato de Waltraute, y recogido en la despedida vital de Siegfried, cuya Trauermarsch fue leída con solemnidad y emoción. En la gran escena final de la inmolación, supo mantener y medir las dinámicas para ganar el clímax último… y la redención.
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El Coro de la OSG –Joan Company, director- estuvo decidido y compacto, no se requiere más…
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Hagen –Gidon Saks- el auténtico protagonista del Ocaso fue interpretado por una voz oscura y poderosa, profunda y untuosa, de un color negro con reflejos, acharolado, y con un fraseo histriónico que en sus apianados dramáticos, muy efectistas, obligaba a VPP a quitar efes de su discurso. Un Hagen creíble: real y temible, elegante y majestuoso en su maldad. Todo un actor de carácter…
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Brünnhilde –Linda Watson- la temible valquiria de los recientes Anillos de Bayreuth despertaba bastante prevención; su griterío vibrado era bien conocido a través de las ondas de radio desde el Festspielhaus. Bien, pues en directo, ese sábado, estuvo a muy buen nivel, y en gran oficio. Aún con ese característico vibrato, que no pasó de ligero y que fue controlado hasta la escena final, a cuya inmolación llegó con el agudo afilado, sano, sin griterío, atravesando siempre con soltura el estruendo orquestal. Aunque justa en la tesitura grave, dio muestras de moverse con eficacia en el papel de soprano dramática; además fue un plus verla vivir el personaje, sin partitura, con convicción y entrega.

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Siegfried –Simon O’Neill- ante todo decir que no estamos ante un Heldentenor, se trata de un lírico de gran fiato, de agudos seguros, sanos y poderosos, homogéneos, bien proyectados y sonoros; pero sin graves ni centro dramáticos, y con un metal que no va más allá del aluminio… Pero que en última instancia supo darle credibilidad –aguda- al héroe wagneriano, naturalmente mejor en los pasajes líricos, como en la despedida de la vida.
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Gunther –Ralf Lukas- un guibichungo de emisión forzada, algo vibrante, limitada pero noble. Suficiente para el personaje y para Bayreuth.
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Gutrune –Marta Matheu- joven soprano lírica de bello timbre y gran levedad, algo nerviosa, para un melifluo personaje. Mucho mejor aquí que en su cometido como tercera Norna.
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Alberich –Andrew Shore- otro cantante traído del Festspielhaus, su escaso papel fue dicho con mucho oficio pero con instrumento marchito.
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Pilar Vázquez, como Waltraute y segunda Norna, y Marina Rodríguez Cusí como primera Norna, estuvieron a buena altura. Así como las tres Hijas del Rin, Raquel Lojendio, Sandra Fernández y Anna Alàs, quienes además de cantar con gusto, reían especialmente bien.
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Gran éxito, bravos, y un halo de tristeza en la despedida…
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Como terapia: la escena de la inmolación en la mítica versión de Kna/56 con la inolvidable Astrid Varnay… las pinturas dedicadas de pfp... y ese hermosísimo motivo de la redención por el amor con que se cierra el ciclo:

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Las llamas van lamiendo
paulatinamente
la sala de los dioses.
Cuando éstos están cubiertos
totalmente por el fuego,
cae el telón.

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Siegfried: el luto

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En el tercer acto de Götterdämmerung tenemos uno de los pasajes orquestales más trágicos, grandiosos y emotivos de toda la Tetralogía -y de Wagner-, que además simboliza parte de su esencia: la Marcha Fúnebre de Siegfried.

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Trauermarsch: un impresionante fresco de motivos del héroe, que navegan entre el arabesco melódico de la cuerda baja, la majestuosidad de los metales, el ritmo solemne, y la llamada a difuntos de los timbales. Ha muerto el tesoro del mundo...

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Escuchemos, y veamos, precedido de la muerte de Siegfried, cómo lo expresa, con la palabra y el gesto, el director Georg Solti -un volcán- durante la grabación de su extraordinario Anillo (video de heildirgunther):

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Hagen: negro sobre negro

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¡Envejecido, arrugado y pálido,

odio a la gente que es feliz

y nunca estoy contento!

-Hagen-

El terrible hijo del negro Alberich protagoniza con su padre en Götterdämmerung -El Ocaso de los dioses- una de las más espeluznantes escenas de la historia de la ópera: "Schläfst du, Hagen, mein Sohn?" -"Estás dormido, Hagen, hijo mío?". La primera escena del segundo Acto que se abre desde las profundidades de la orquesta en un pasaje en negro, entre el Nibelungo enano recordando al arquetipo del mal absoluto su misión y su tarea: la muerte. La muerte del héroe, y la consumación del robo del Oro: el Anillo maldito.

Hagen quiere la aniquilación total, para ser el rey de los muertos. ¡Qué horrorosa esterilidad la del egoísta! ¡Qué espantoso destino el del que engaña, corrompe y mata por una idea excluyente, por la bandera del odio, por el culto a la materia sin vida! ¡Qué actual es Hagen!

-Ángel-Fernando Mayo-

Extraordinaria página para dos voces oscuras, profundas, cadavéricas - a la altura de los duelos de bajos de un Don Carlo o un Boris – que pasamos a escuchar en la versión de Josef Greindl –Hagen- y Gustav Neidlinger –Alberich-, dirige Joseph Keilberth - Bayreuth 1955:

Primera de Brahms: "sol de octubre"

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Johannes Brahms, heredero y continuador del gran sinfonismo germano, necesitó más de veinte años para completar su Primera Sinfonía en do menor op.68. El peso del legado, amén de la intensa admiración hacia Beethoven, condicionaron su elaboración.
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Fue en 1876 cuando logró estrenar, con correcciones de última hora, dicha obra, abiertamente beethoveniana, y sutilmente schumaniana –versión Clara-. En la heroicidad trágica y dramática de su desarrollo, en la evolución de la forma, en la trascendencia de sus temas, incluso en la llamada de los metales, late el genio de Bonn - Décima de Beethoven – o extremando el análisis de Eugenio Trías, como tragedia pacífica y aceptada, podría considerarse como la Primera de JS Bach.
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Más allá del árido y amplio desarrollo del Allegro inicial; previo al sereno y poético Poco allegretto e grazioso, o al inmenso fresco del movimiento final dotado de toda la pulsión romántica, en continua progresión, con la solemnidad de su tema coral; quisiera destacar el segundo movimiento Andante Sostenuto, de gran belleza melódica e instrumental, filtrado por una luz cálida y acogedora, refinada y soñadora, como ese sol de octubre, -así me he atrevido a subtitularlo- que aún reconforta a mediodía, pero que se acuesta turbio y se levanta tarde.
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Entre las muchas y grandes interpretaciones de estas páginas –Celibidache, Klemperer, Giulini (en el orden que quieran)- traigo al blog dicho Andante Sostenuto en versión de Klaus Tennstedt con la NDR Sinfonieorchester alemana en vivo durante un concierto en Kiel en 1992
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Comienza con la suave y delicada melodía de la cuerda que conduce hacia un lírico tema en el oboe, límpido y transparente; tras la nueva oleada de cuerda, el oboe entrega literalmente, y variado, el tema al clarinete solista entre contenidos bramidos de fondo de los contrabajos. El desarrollo continúa en toda la orquesta hasta que el tema de las maderas es recogido en el violín solista que lo eleva al más alto lirismo romántico, para terminar el movimiento en su registro más agudo, mantenido entre dos poderosos acordes de la orquesta.

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música y luz de octubre...

Janis Joplin: when the rock was young…

Es evidente que la música rock, en sentido amplio, al contrario de la denominada culta o clásica, no busca la excelencia, ni tan siquiera el virtuosismo. Su modo de convertirse en arte musical transita otras vías; sus valores son la energía, la vehemencia, la expresividad simple y directa, el exceso interpretativo y el libertinaje sonoro, todo ello vehiculado a través de la electricidad para mayor eficacia. Unos valores consustanciales con la juventud, que lo convirtió en su más radical y rebelde lenguaje, y muy difíciles de mantener con los años y las fortunas.
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Algunos iconos tuvieron la suerte de desaparecer en plena juventud, elevándose a la categoría de mitos, evitando terminar de forma patética sobre un escenario –véanse los Stones- Así ocurrió con la denominada maldición de la Jota: Jimi Hendrix, Jim Morrison y Janis Joplin, algunos añaden a Brian Jones.

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Janis Joplin es básicamente una cantante de blues, de voz negroide, profunda y desflecada, quebrantada por la agitada emoción que ponía en cada interpretación, como entregando una parte de sí misma, como si cada tema fuese el último que cantase. Un fenomenal sentimiento hecho carne y ondas sonoras… desde las vísceras hasta el nervio acústico. Energía en estado purísimo...
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Janis solía decir que estar sobre el escenario era como hacer el amor con miles de personas, lo malo era llegar a casa y sentirse terriblemente sola. Ya sabemos que los clímax tiene duración limitada…
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De su último disco Pearl , escuchemos cómo atraviesa y revienta una sencilla balada de Kris Kristofferson "Me and Bobby McGee"

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Pero realmente cuando se convierte en algo formidable es sobre el escenario; primero con un clásico "Piece of my Heart":

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Ahora con "Cry Baby", poco antes de morir hace ahora cuarenta años:

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"Lontananza dell’amato"

"Composizione floreale" -Giovanni Battista Salvi da Sassoferrato-

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Lontananza dell’amato

piange fida Filomena
e sì destra forma il pianto
che allor è più dolce il canto
quando è più crudel la pena
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Texto de Cavalier Savallia para la primera aria da capo de la Cantata para voz solista –mezzo- chalumeau, flauta travesera, violines, laúd francés y continuo de Francesco Bartolomeo Conti.
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FB Conti (Florencia 1682 – Viena 1732) fue compositor de la corte de los Habsburgo en Viena y un virtuoso del laúd y la tiorba. En esta Cantata profana quedamente patética, aúna la melancolía del sonido del chalumeau –antecedente del clarinete- con la dulzura de la flauta, y con la fragilidad del laúd para enfatizar la melodía de la línea vocal, creando un cuadro de intensidad emocional siempre controlada.
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Disfrutemos esta perla en la deliciosa versión de Bernarda Fink con los excelentes Ars Antiqua Austria:
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