Death Don't Have No Mercy

El reverendo Gary Davis (1896-1972), nativo de Carolina del Sur, fue uno de los grandes nombres de la época en blanco y negro del Blues, tanto como compositor y cantante, como guitarrista.

Su influencia y magisterio impregnó a gran cantidad de estrellas americanas de la década prodigiosa del Rock (1965-1975): Stefan Grossman, David Bromberg, Steve Katz, Dave Van Ronk, Larry Campbell, Bob Weir (Grateful Dead), Bob Dylan, Jorma Kaukonen (Jefferson Airplane) o John Sebastian (Loving' Spoonful).

Su impresionante tema "Death Don't Have No Mercy" conoce muchas, variadas y hermosas versiones de estas grandes figuras. Antes de revisar algunas de ellas, escuchemos la original:

Bob Dylan, en sus inicios:

La electrificada e instrumental versión de Grateful Dead:

La elegante recreación acústica de los Hot Tuna de Jorma Kaukonen:

La siempre proteica lectura de Mark Lanegan:

Cuartetos Prusianos

Los denominados Cuartetos prusianos fueron los tres últimos cuartetos de cuerda que dejó escritos W.A. Mozart (1756-1791). Partituras que, con números de catálogo K575, K589 y K590, fueron escritas entre 1789 y 1790.

Su denominación se debe a que fueron compuestos tras un viaje a Berlín, en busca de un trabajo estable de kapellmeister (maestro de capilla) en la corte del rey Federico Guillermo II de Prusia. Real personaje muy aficionado a la música, siendo un aceptable instrumentista de violonchelo. A él fueron dedicados estos tres cuartetos a los que Mozart embelleció con una amplia y hermosa parte para el instrumento que ejecutaba el monarca. 

Algo similar había hecho el gran Bach, unos cuarenta años antes, con su Ofrenda Musical: obra dedicada a otro rey prusiano, Federico el Grande, reconocido flautista y autor del tema musical original.

El segundo movimiento, Andante, del primero de los Cuartetos, suena así de bien:

El grunge se hace mayor

Mark Lanegan (1964), vocalista de Screaming Trees, banda coetánea y pionera del conocido estilo grunge, mantiene esa aureola de leyenda viva del movimiento musical de Seattle con una amplia y fecunda actividad de variadas colaboraciones.

Su voz ha adquirido el poso voraz de los años astillándose en su bajada a los graves. El resultado es espléndido, como podemos comprobar en esta recreación de su tema One way street:

Un Serse referencial

Franco Fagioli con Il Pomo d'Oro dejan constancia grabada de una extraordinaria lectura del HWV 40 de GF Händel. A destacar la magnífica aportación de la soprano Inga Kalna.

El pasado 30 de octubre en el Palacio de la Ópera de A Coruña.

Un recuerdo

Sirva una de las más bellas músicas de JS Bach como emotivo recuerdo y homenaje a una de las más fieles y queridas visitantes de este Castillo, gran admiradora del Kantor de Leipzig y muy querida amiga de quien suscribe.

Hasta siempre, un gran beso, Josefina López de Pastors.

Intermezzo rústico

Pocas piezas musicales, especialmente operísticas, han tenido un mayor y mejor aprovechamiento emotivo y evocador en el arte visual que el Intermezzo de Cavalleria rusticana (1890), la afamada ópera de Pietro Mascagni (1863-1945), cumbre del movimiento artístico conocido como verismo.

La desgarradora fuerza dramática de la partitura, ensalzada por la impactante belleza desoladora de la melodía, la han situado entre algunos de los fotogramas más conocidos del cine clásico: Toro salvaje, de Scorsese, o El Padrino III, de Coppola.

Hoy la recordamos, fluyendo entre sugestivos paisajes de la hermosísima Toscana, que también le sientan de maravilla:

Frusciante

John Anthony Frusciante (1970), el afamado y excelente guitarrista de la mejor época de los Red Hot Chili Peppers, ocupa el puesto número 72 de la reconocida lista Los 100 guitarristas más grandes de todos los tiempos (versión 2015), de la revista Rolling Stone: una clasificación en la que no solo se valora el dominio del instrumento sino la influencia que su arte musical ha ejercido. En este caso resulta destacable señalar que una encuesta de la BBC le sitúa como el guitarrista de Rock más importante de los últimos 30 años (con permiso de Tom Morello).

Tras sus dos etapas en los Red Hot, con el paréntesis de sus cinco años oscuros (1992-1997), por sus adicciones, finalmente abandonó el grupo californiano en 2009 para centrarse en su carrera en solitario, como instrumentista y compositor.

Admirador de legendarios ases de la guitarra, como Jimi Hendrix o Jimmy Page, su técnica prioriza el sentimiento y la emotividad de la música sobre el virtuosismo o la velocidad de ejecución, al contrario que otros grandes nombres de su generación. 

¿Un guitarrista de antaño?

Para más detalles de su arte, consultar la abundante videografía de los Red Hot Chili Peppers, en especial su energético concierto de Slane Castle:

El Fagot

En el registro más bajo del viento-madera habita un instrumento de excepcional fisonomía y preciosa sonoridad: el fagot, y su relativo una octava más grave, el contrafagot.

El fagot adquiere entidad propia durante el siglo XVII, al parecer derivado del dulcián. Nacido para reforzar el bajo continuo, pronto toma presencia importante y estable en la orquesta de ese mismo período. En el XVIII se alza con un papel predominante, tanto como instrumento acompañante como solista, con abundante literatura concertística de firmas señeras como JS Bach, GF Händel, GP Telemann o A. Vivaldi.

Muy valorado durante el Clasicismo, en las obras de Mozart o Beethoven, disfruta de una gran evolución técnica durante el siglo XIX, estando muy presente en autores como CM von Weber o E. Elgar. Llega pletórico y afianzado al siglo XX de la mano de maestros como Richard Strauss. 

Registro amplio y sonido grave aterciopelado le siguen manteniendo como un imprescindible en todos los géneros y estilos musicales. 

Disfrutemos del Concierto para fagot y orquesta en si bemol mayor K.191 escrito por el genial WA Mozart, con el gran instrumentista Klaus Thunemann:

Clarinete

En nuestro paseo por los instrumentos de viento-madera llegamos al clarinete, uno de los más bellos de la familia.

Como gran parte de los instrumentos, su origen proviene de Oriente, siendo su antecesor directo el Chalumeau, muy popular en los siglos XV y XVI, y cuya evolución llevó al moderno clarinete hacia finales del XVII, tomando su nombre del antiguo Clarín. Durante el siglo romántico vería perfeccionado su mecanismo, dividido en dos escuelas (germánica y francesa), asentándose definitivamente como miembro destacado de la orquesta moderna y apreciado solista.

En su sonoridad destaca su gran agilidad, la enorme capacidad para los matices sonoros, la extensión de sus registros, y la belleza melancólica de su timbre, que para Mozart era lo más cercano a la voz humana. 

Existe toda una gran familia de afinaciones del instrumento, siendo actualmente el soprano en si bemol el más usado o tradicional.

Escuchemos a uno de los más grandes y hermosos compositores para el clarinete, J. Brahms (1833-1897): Sonata para clarinete y piano en mi bemol mayor op. 120 nº 2, segundo movimiento Allegro appassionato:

Flauta travesera

La flauta travesera o transversal, pues ésa es la posición en la cual se toca, nos llegó desde el Imperio Bizantino, y coexistió durante siglos con la flauta dulce.

Durante el Barroco musical tomaría preeminencia sobre su hermana de nombre, logrando entrar por la puerta grande, tomando un puesto que todavía no ha perdido, en las orquestas sinfónicas durante el Clasicismo. Tras un cierto ostracismo, en cuanto a su actividad solista, ha conocido un florecimiento durante todo el siglo XX, incluso en ámbitos de la música popular.

Aún manteniendo la dulzura característica de la flauta de pico, la travesera se acabó imponiendo por la mayor luminosidad, y penetración, de su timbre, y por su amplio registro de tres octavas que sucesivas mejoras técnicas le aportaron, a partir del XIX.

Seguimos con G.P. Telemann para escuchar su Concierto para Flauta y continuo en Sol Mayor TWV 51:G2, con uno de los grandes del instrumento: Emmanuel Pahud.