Alabama: la querella

No sólo se querellan los bufones, también los rockeros; ya se sabe, gente de mala vida y genio encendido.

Una de las trifulcas más comentadas y creativas, con final feliz, tuvo lugar en los setenta, a propósito de patrias chicas y banderas.

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El canadiense Neil Young incluía en su tercer álbum After The Gold Rush (1970) un tema llamado Southern Man, donde criticaba el racismo en los estados del sur:

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Vendrá al final un cambio para el sur.

Ahora tus cruces arden rápido

Sureño. Vi el algodón y vi a negros

Grandes mansiones blancas y pequeñas chabolas

Sureño ¿cuándo pagarás por ello?

Escuché gritos y látigos chasqueando

¿Por cuánto tiempo?

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(vídeo RockkkV2)

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Dos años más tarde, en su obra cumbre Harvest, volvía a abrir la llaga haciendo ahora una mención concreta al estado de Alabama, en su canción homónima:

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Alabama,

Llevas en los hombros el peso

Que te rompe las espaldas.

Tu Cadillac

Tiene una rueda en la cuneta

Y una rueda en la carretera.

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(vídeo RockkkV2)

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Las ampollas levantadas tuvieron una respuesta musical, de gran nivel, por parte del grupo de Rock Sureño, Lynyrd Skynyrd (tres guitarras solistas) quienes en su segundo y descomunal álbum Second Helping (1974) incluyeron un himno que aún perdura, llamado Sweet Home Alabama, donde aluden explícitamente al cantautor canadiense, invitándole a no aparecer por los estados de la antigua confederación:

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Escuché al Sr. Young cantar sobre ella

Bueno, escuché al viejo Neil menospreciarla

Bueno, espero que Neil Young recuerde

Que un hombre del sur no lo necesita para nada

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(vídeo CountryRock2U)
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La sangre no llegó al río; tras los elogios profesionales mutuos y el conocimiento personal, como puede verse en el vídeo, incluso el cantante de los Skynyrd, Ronnie Van Zandt, llegó a lucir en público una camiseta con una portada de un disco, fantástico, de Neil Young (Tonight’s the Night 1975)

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Y al bueno de Young se le vió con similar prenda en homenaje a la banda sureña

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Una querella ahogada en buena música, disfrútenla...

Messiaen: SEPT HAÏKAÏ

En este mundo,

Encima del infierno,

Viendo las flores

-Kobayashi Issa- (1762-1826)

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El Haiku ó Haikai es un poema breve japonés, de tres versos no rimados subdivididos en cinco, siete y cinco moras o sílabas; de ambientación natural, su impactante lirismo recae en su sencillez y en su condensación evocadora.

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En 1962 tras un viaje de conciertos por Japón, un Olivier Messiaen (1908-1992) profundamente impresionado por el país del sol naciente, compuso unos Proyectos para pequeña Orquesta y Piano solo: Sept Haïkaï.

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Siete breves piezas, a modo de haikus, donde condensaba sus impresiones sobre lo que había visto, oído y entendido del Japón. El conjunto, de una belleza tímbrica arrebatadora (feliz síntesis entre el mundo musical de Messiaen, alternativo y naif, y el exotismo de extremo oriente, y más acá), es perfectamente simétrico: una Introducción y una Coda engloban dos evocaciones del paisaje y dos imitaciones de cantos de pájaros, dejando la parte central, el cuarto haïkaï, para una lenta y ceremoniosa música imperial: Gagaku. Un ciclo rítmico eterno...

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I. Introducción: ritmos de la India, polifonía compleja, un canto sólido; como los dos reyes guardianes que encuadran la entrada a los templos budistas (Messiaen)

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II. El Parque de Nara y las Linternas de Piedra: evocación paisajística de la región de Nara, con su templos y su avenida principal con 3000 linternas de piedra.

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III. Yamanaka – Cadenza: el canto de los pájaros del lago Yamanaka, al pie del monte Fuji, con cadenza del piano:

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Haikus I-III:

(vídeo NewMusicXX)

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IV. Gagaku: pieza hierática, estática, a la vez religiosa y nostálgica: movimiento lento, implacable (Messiaen). El encanto irritante de los instrumentos de la música de la corte imperial japonesa: Shô (órgano de boca) e Hichiriki (oboe primitivo) reemplazados por un grupo de ocho violines y una trompeta, respectivamente.

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V. Miyajima y el Torii en el Mar: nueva evocación paisajística saturada de color, de una montaña cubierta de pinos y arces japoneses, que alberga un precioso templo sintoísta, y un torii (pórtico) en el mar. Imaginad todos esos colores mezclados, el verde de los pinos, el oro yel blanco del templo, el azul del mar, el rojo del torii (Messiaen)

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Haikus IV-V:

(MrRaph87)

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VI. Los Pájaros de Karuizawa: vuelven los cantos de los pájaros de montaña, de la región cercana al volcán Asama-Yama, con nuevas cadenzas del piano.

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VII. Coda: retoma la introducción para completarla, y cerrar la obra con el segundo rey-guardián.

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Haikus VI-VII:

(MrRaph87)

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Joela Jones, piano

The Cleveland Orchestra

Pierre Boulez

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Dedicatoria de Olivier Messiaen : « A Yvonne Loriod, à Pierre Boulez, à Madame Fumi Yamaguchi, à Seiji Ozaw, à Yoritsuné Matsudaïra, à Sadao Bekku et Mitsuaki Hayama, à l'ornithologue Hoshino, aux paysages, aux musiques, et à tous les oiseaux du Japon ».

El piano transparente de Mozart: Sonatas (1)

On croirait voir la robe ou l'ombre transparente

D'un esprit qui voyage et passe dans les cieux

-Baudelaire-

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Conviene insistir: el genio musical de WA Mozart encuentra en el piano su medio más natural de expresión; engloba y expone toda su potencia creadora, que es inmensa y que trasciende a lo conocido como música de entretenimiento. Va mucho más allá del denominado estilo galante, deudor en su caso de FJ Haydn, para transmitirnos una Belleza clásica y refinada.

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Mientras, Él, a lo largo de su vida iba clarificando su propio lenguaje sonoro, hasta llegar a la transparencia absoluta y esencial. Así lo vamos a ir descubriendo mientras recorremos esta mini serie sobre sus Sonatas para Piano, demostrando, una vez más, la bendita inutilidad del Arte. La Estética como fin...

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Dejando obviamente aparte sus primeras Sonatas, obras infantiles, perdidas en su totalidad, comenzamos por un primer grupo de seis Sonatas escritas entre el otoño de 1774 en Salzburgo y comienzos de 1775 en Mannheim: las KV 279-284.

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Sonata en si bemol mayor KV281: obra plenamente galante, intrascendente, pero ¡ay, cuán hermosa!; como todas, escrita en tres movimientos; y como casi todas, con la más alta cota de seducción habitando en su movimiento lento:

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II. Andante amoroso: suavidad, delicadeza, elegancia,... en las manos de la exquisita Maria Joao Pires:

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(vídeo Barbebleuei)

Szymanowski (x H-C)

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Una cosa no acepto.

Volver a ese lugar.

Renuncio al privilegio

de la presencia.

Te he sobrevivido suficiente

como para recordar desde lejos.

Wislawa Szymborska –Despedida de un paisaje-

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Uno de los grandes renovadores de la gran escuela musical polaca a comienzos del siglo XX, miembro del grupo Joven Polonia, fue Karol Szymanowski (1882-1937)

Precoz y dotadísimo compositor, dueño de una personalísima armonía, en cuya obra podemos rastrear diversas y cronológicas influencias: desde una primera etapa, post-romántica, deudora de Wagner y R. Strauss; una segunda fase simbolista e impresionista, influida por Debussy; hasta un retorno a valores nacionalistas basados en un folclore popular. A esta tercera y última fase pertenece su magnífica Sinfonía Concertante para piano y orquesta op. 60, compuesta en 1932 y dedicada a su mentor Artur Rubinstein.

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El auge y valoración de la obra del compositor, recordemos los recientes y exitosos montajes de su ópera Krol Roger en el GTL y TR, nos sirve hoy de excusa para presentar una flamante interpretación de su Sinfonía Concertante (27 de enero de 2012 Herkulessaal, Munich) bajo la batuta del granadino Pablo Heras-Casado, más que una promesa de la dirección orquestal española. Tras su afortunada incursión en el podio de la Filarmónica de Berlin, ahora nos llega al frente de la Orquesta Sinfónica de la Radio de Baviera, con Emanuel Ax al piano, en una lectura de impetuosa tensión y briosa dinámica, dejando la piel en cada arista. Escuchemos el segundo de sus tres movimientos:

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2. Andante molto sostenuto: un piano ostinato acoge un delicado diálogo melódico entre flauta y viola, el cual, tras unas figuraciones del solista, introduce un solo de violín que encadena un formidable crescendo en el tutti; un clímax que se relaja y evapora en delicados timbres cristalinos, avanzados por la flauta y sonorizados en el marfil:

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(vídeo Barbebleuei)

HWV 18

La decimoctava ópera de GF Händel tuvo por título TAMERLANO (1724), y fue fruto literario de una adaptación del libreto de CA Piovene sobre la tragedia Tamerlán o La Muerte de Bayaceto de J Pradon. Obra teatral de gran aceptación en el mundo lírico pues son varias las óperas sobre la misma temática:

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Il Gran Tamerlano (1706), de A Scarlatti

Il Tamerlano (1711), de F Gasparini

Il Gran Tamerlano (1771), de J Myslivecek

Y podemos añadir el pasticcio Bajazet (1735), de A Vivaldi

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Pero nadie mejor que Händel para moverse por esta imposible trama de locos amores cruzados y de míticos emperadores bipolares. Nadie mejor que el genio de Halle para poner en la voz del Senesino el fundamental papel de Andronico, o elevar a la tesitura de tenor al emperador otomano Bayaceto, consiguiendo, siglos después, que el ecléctico Domingo se sintiese atraído por el rol. Nadie mejor, efectivamente, que este formidable dramaturgo musical para navegar en un océano de dudas y malentendidos, con escenas de gran fuerza emocional, aromas exóticos y variedad de afectos:

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Acto I: presentación

Melancolía en el aria de Asteria S’ei non mi vuol amar:

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(vídeo tenar41146)

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Acto II: nudo

Pena en el aria de Andronico Cerco in vano:

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(vídeo sosarme1)

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Acto III: desenlace

Dulzura, valor y consuelo en el dúo de amantes, Andronico y Asteria, Vivo in te, mio caro bene:

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(vídeo tenar41146)

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Nancy Argenta, Asteria

Michael Chance, Andronico

English Baroque Soloists

Sir John Elliot Gardiner

KrautRock

(Alemania, un siglo después de Schumann)

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Con ese despectivo nombre denominaron los británicos a la fértil e imaginativa escena rock de principios de los setenta, en la conocida por entonces como República Federal de Alemania; nosotros no íbamos más allá de llamarle Rock Alemán. La gran influencia anglosajona, incluso cantaban en inglés, cosechaba los primeros frutos autóctonos de la juventud post-Reich, y lo hacía a lo grande, cualitativa y cuantitativamente.

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Pese a la amplitud de propuestas, además de la coincidencia en tiempo y espacio, se pueden rastrear en muchos de los grupos influencias comunes, explícitas o no, que van desde Stockhausen hasta la cultura psicodélica post-hippie, pasando por la Velvet Underground, el free-jazz, las vanguardias clásicas o el etnicismo sonoro más exótico, para dar un impulso potente y mucho lustre al Rock Progresivo con fuerte dosis de experimentación.

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Por motivos didácticos, siempre erróneos y de líneas difusas, distinguiría una línea o escuela Planeadora o Cósmica, basada en sintetizadores, muy atmosférica, liderada por grupos de la talla de los nebulosos Tangerine Dream, Ash Ra Tempel, los industriales Kraftwerk o los místicos Popol Vuh (autores de bandas sonoras de algunos de los mejores films de Werner Herzog, Nosferatu, Aguirre, Fitzcarraldo) Su legado provocó la explosión de la música electrónica, el Ambient y la New Age.

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Por otro carril, paralelo, una tendencia más rock, potentemente rítmica y mucho más interesante para mi gusto, de algún modo seminal para la aparición del punk; su origen puede encontrarse en el grupo NEU! y los representantes más destacados para quien suscribe son:

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AMON DÜÜL II: nacidos artísticamente en la comuna Amon Düül de Munich, supusieron la evolución dospuntocero, o sea profesional, de la faceta musical de dicho enclave artístico, alejados de veleidades políticas. Con el multiinstrumentista C. Karrer (guitarra, violín, saxos, voz) al frente y una vocalista con ínfulas líricas Renate Knaup, el grupo fue enormemente libre en su aspecto creativo; de amplia paleta instrumental se movían a sus anchas en las largas improvisaciones saturadas de toda la variedad de influencias imaginables. Para valorarlos escuchemos dos ejemplos de su magnífico segundo y doble álbum YETI (1970):

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Sandoz in the Rain: improvisación de aromas exóticos entre flauta y violín.

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(vídeo krautfranz)

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No se engañen con el ejemplo anterior, también tenían su lado salvaje:

Arcangels Thunderbird: potentes riffs de ambiente siniestro

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(vídeo estepedeamigos)

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CAN: (Comunismo, Anarquismo, Nihilismo) posiblemente los mejores, mucho más creativos e imaginativos, su influencia llega hasta nuestros días entre los grupos más rompedores, en especial en la propuesta world music. Con una formación muy sólida de miembros provenientes de distintas escuelas musicales: clásica, jazz, rock, y un vocalista japonés en sus mejores tiempos, construyeron auténticos rascacielos sonoros basados en un concepto rítmico muy rico e inteligente, gracias a una base rítmica brutal Czukai/Liebezeit (bajo/batería), en un ambiente psicodélico. Con el tiempo fueron derivando hacia propuestas más atmosféricas, pero todavía disfrutamos de su doble elepé TAGO MAGO (1971)

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Oh Yeah: un tema que comienza en viaje cósmico para terminar en una danza tribal

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(vídeo KERAKAO)

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Y de su fenomenal EGE BAMYASI (1972)

One More Night: un perfecto tema cánido.

(vídeo GilmoursAngst)

Adagio espressivo (y romántico)

No he podido evitarlo. Una semana más sigo atrapado por Robert Schumann, un compositor que desde fundamentos clásicos encarna el paradigma romántico, en vida y obra, e incluso mira hacia el futuro, hacia la modernidad, con atrevimiento y lucidez.

Y así, pensando, valorando, llego a su Sinfonía en Do mayor (en C de Clara) op 61. Estamos en Dresde en 1845, donde Schumann está saliendo de su primera gran crisis, con fuerza y determinación. Una música de convalecencia, en cuyo cuarto y último movimiento el músico afirma “sentirse renacer”

Esta su segunda Sinfonía, en realidad la tercera en ser compuesta, si bien se asienta en estructuras clásicas, con guiños evidentes a Beethoven (especialmente en los movimientos extremos) su alma y carácter giran en torno a su fenomenal Adagio. Un movimiento portentoso, bellísimo, de una intensidad descomunal, y un tema melódico que hace realidad el concepto del gran Tema al que hace referencia Eugenio Trías.

Este Adagio espressivo es hondamente romántico, apelativo, cautivador por la melancolía serena de su melodía principal que es presentada en las cuerdas y que toma color en la madera del oboe. Y en cuyo desarrollo, dulcemente fluido, alcanza en dos ocasiones el clímax tensional con una intensidad casi religiosa de los violines, dejando hueco, en medio, para un delicado fugato, homenaje al gran Bach.

Escuchemos este tercer movimiento en la siempre irresistible cuerda de la Filarmónica de Viena dirigida en esta ocasión por Leonard Bernstein:

(vídeo Barbebleuei)

Uno de los adagios sinfónicos más excitantemente hermosos...

momentos Schumann

Existen momentos en los cuales
Los humores del corazón
Inundan las sinapsis neuronales
Impulsando averías eléctricas
Que apagan nuestro raciocinio
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En el oscuro clímax, las tensiones
Son liberadas por rebosamiento
En las compuertas lacrimales
Creando gotitas saladas
Elegantes y luminosas
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Con molicie y vanidad
Descienden los pómulos
Para acogerse tras la comisura
Y fertilizar el paladar blando,
En re menor
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En su efímero trayecto
Van reiniciando el sistema
Dejando un vestigio de felicidad
En la piel del corazón
Y un rastro de demencia en los ojos
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Esos son los momentos Schumann
Robert Schumman y su piano, moderno
El Colapso fundido a negro
La Locura y el Deseo
La Electricidad y la Sal
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Robert Schumann: Fantasía en Do op17 -tercer tiempo- Lento sostenuto
“Todos los sonidos que resuenan
en el multicolor sueño de la Tierra,
contienen un sonido muy suave
para quien lo escuche secretamente.”
(Friedrich Schlegel)
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(video violim)
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por favor, no se las sequen…

Zemlinsky (y VIII): "KLEIDER machen LEUTE"

Terminamos la revisión del opus lírico de Zemlinsky con su ópera cómica Kleider machen Leute (traducido libremente como El hábito hace al Monje), cuya primera versión en tres actos fue completada en 1909; la segunda, en dos actos y un prólogo, fue concluida y estrenada en 1910 en la Volksoper de Viena, siendo revisada en 1922.

El libreto de Leo Feld está basado en la exitosa novela de Gottfried Keller, fechada en 1874 que cosechó parabienes del mismísimo Hofmannsthal quien glosó su limpieza narrativa y su hechura clásica.

La obra recoge el equilibrio del teatro mozartiano y la elegancia vienesa finisecular, en el estilo del Rosenkavalier straussiano. Sin llegar al nivel de la obra maestra de Richard Strauss, Zemlinsky permanece fiel a su extraordinario refinamiento orquestal, de escritura compacta, maestra en armonía y de amplio despliegue melódico; partitura rica en ritmo vivo y en melodía conmovedora.

La elegancia en el tratamiento de las escenas corales, el rigor constructivo, la suavidad narrativa, el fluido discurso, la perfección en las partes, aportan el clasicismo mozartiano que late detrás de la cuarta ópera de Zemlinsky.

El prólogo nos presenta al joven aprendiz de sastre Wenzel Strapinski dirigiéndose a la vecina ciudad de Goldach en busca de trabajo, vestido como un gran caballero. Se abre el Acto primero tras un evocador interludio:

Un misterioro cochero le conduce al hotel Zur Wage donde es recibido como un gran señor, más aún cuando, en pleno juego de equívocos, llega a ser presentado como Duque. Allí conoce a Nettchen, hija del magistrado de la ciudad, enamorándose inmediatamente ambos jóvenes. La confusión y los malentendidos continúan hasta que el antiguo pretendiente de la joven, Melcher Boehni desenmascara al aprendiz. Éste huye de la ciudad para no decepcionar a su novia, pero es seguido y rescatado por Nettchen, quien conoce su situación, y valora su bonhomía. Finalmente ambos jóvenes se casan, abriendo una sastrería de éxito que con el tiempo trasladarán a Golbach...

Strapinski... Hermann Winkler
Nettchen... Edith Mathis
Coro y Orquesta de la Ópera de Zurich
Ralf Weikert
Pabellón Secesión Viena -JM Olbrich-
(vídeos Barbebleuei)
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Sensacional Zemlinsky, Formidable Viena de entresiglos...

Pet Sounds

Cuenta Brian Wilson, alma compositora de los Beach Boys, que la publicación del álbum Rubber Soul de los Beatles, a finales de 1965, le supuso todo un revulsivo en la forma de abordar la nueva obra del grupo californiano. No solo por el tratamiento y belleza de las armonías vocales sino también por la concepción del disco como obra completa e íntegra.

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Tras unos meses de febril actividad compositiva e interpretativa vio la luz Pet Sounds (1966), lo nuevo de los Chicos de la Playa; pensado y realizado como obra cumbre del pop. Así sucedió en realidad, pues los reyes, The Beatles, se vieron obligados a trabajar duro para superarse a sí mismos con su Sgt. Pepper's.

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Los Beach Boys siempre han sido un grupo eminentemente vocal, los príncipes del falsetto (los reyes fueron los Bee Gees discotequeros), deudores de unas armonizaciones vocales provenientes del jazz. Para esta nueva obra, Wilson tomó la decisión de ir más allá, de superar el estatus conservador y frívolo del grupo, para alumbrar un sonido con aura, con ligera y audaz instrumentación, y de melodías introspectivas y sofisticadas, donde anidaban la más delicada expresión de sentimientos, dudas y pensamientos.

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God Only Knows: la canción pop más bella jamás compuesta, según McCartney; instrumentación de alto nivel:

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(vídeo Alixx2)

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Caroline, No: la preferida de Wilson:

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(vídeo MarkvBob)

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Don’t Talk (put your head on my shoulders): el latir del corazón; no hables, pon tu cabeza en mi hombro:

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(vídeo Unknown360DD)

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Suena a toda una época... pero es hermoso. El próximo año nos anuncian la reaparición de los Beach Boys, y nos prometen la continuación del Pet Sounds...

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¡FELIZ AÑO NUEVO!