Historia de la Navidad

Giotto - Natività (detalle)
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Abundante es la literatura musical sobre temas y textos navideños, tanto a nivel popular como culto; y grandes son las cimas alcanzadas a través de los siglos. Pero una de las obras más antiguas y hermosas sobre este hito cristiano es la Weihnachts-Historie SWV 435 de Heinrich Schütz (1585-1672)
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Compositor y organista alemán, nacido en Turingia, con sólida formación germana pero con ampliación de estudios, todo un plus, en la Venecia de principios del XVII con dos nombres señeros de la música: Giovanni Gabrieli y Claudio Monteverdi (enseñanzas que se reflejan en sus obras corales). Schütz fue desde 1617 Maestro de Capilla de la corte de Dresde, para la cual, ya en el otoño de su vida, compuso esta obra maestra, entre 1660 y 1664, fecha del estreno de su versión definitiva.
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Su historia navideña, basada enteramente en textos evangélicos de S. Lucas y S. Mateo, se desarrolla entre una Introducción-Sinfonía y una Conclusión para coro y orquesta, que engloban ocho Intermedios para los distintos personajes que deambulan por la historia (Ángeles, Pastores, Magos, Herodes, Sumos Sacerdotes) engarzados todos por la narración del Evangelista en un estilo parlando de evidente entonación gregoriana.
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Sinfonía: para coro a cuatro voces y orquesta completa que introduce la narración de la Natividad.
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Evangelista
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Intermedio I: el Ángel (soprano) anuncia la buena nueva a los pastores, entre texturas de viola da gamba y un tempo oscilante, entre moderato y presto.
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Evangelista
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Intermedio II: un ejército de Ángeles, coro a seis con sopranos y tenores doblados, canta la Gloria de Dios:

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"Ehre sei Gott in der Höhe"

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Evangelista
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Intermedio III: los pastores, dos contratenores, se dirigen a Belén con sus atributos instrumentales: flautas de pico y fagot.
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Evangelista
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Intermedio IV: pasaje de los tres Reyes Magos, tres tenores, que en un ritmo de marcha preguntan por el recién nacido (Wo ist? / Dónde está?) :
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"Wo ist der neugeborne König der Juden?"

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Evangelista

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Intermedio V: cuatro bajos personifican los Sumos Sacerdotes sacralizados por las dos partes de trombón:

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"Zu Bethlehem im judischen Lande"

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Evangelista
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Intermedio VI: dignificado por las trompetas, el bajo Herodes ordena diligentemente la búsqueda del niño, con un trasfondo de profunda hipocresía, casi bufa:

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"Ziehet hin"

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Evangelista
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Intermedio VII: el ángel-soprano urge a José a abandonar Israel, (Stehe auf! / Levántate!) con una línea musical ascendente
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Evangelista
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Intermedio VIII: ángel-alto, en una pieza más alegre, anuncia la muerte de Herodes y anima al regreso.

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Evangelista
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Conclusión: doble coro de agradecimiento por la venida del Mesías, en escritura veneciana, fruto del master con Gabrieli: masa coral y conjunto instrumental se responden en eco:

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"Dank sagen wir!"

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Ensemble Vocale - René Jacobs

(Vídeos de ataknoT)

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¡Venturoso Año Nuevo!

Zemlinsky (VI): "DER KREIDEKREIS"

Poster de Karl Domenik Geissbuehler
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Compuesta entre 1930 y 1932 El Círculo de Tiza fue la penúltima ópera de Zemlinsky, la última completa.
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El libreto de Klabund (Alfred Henschke) es un cuento chino, basado en una obra en verso de Li Xingdao (siglo XIV), obra maestra de la literatura de la dinastía Yuan, la cual inspiró también a Bertolt Brecht su Círculo de Tiza del Cáucaso.
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Una obra con final de cuento de hadas, un cuento de navidad, que sustancia potentes conflictos vitales de manera extremada: bondad/maldad, riqueza/pobreza, brutalidad/dulzura, sumisión/rebelión, amor/odio…
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Zemlinsky quiso extraer toda la magia oriental, tan en boga en esa época, de la obra literaria, enfatizando el componente tímbrico con todo su habitual y magistral lirismo cromático y su expresionismo musical más refinado (véase el delicado retrato de Haitang asociado a la flauta). Al que quiso y supo unir las modernas corrientes de sabor jazzístico que impregnaban algunas obras contemporáneas, como las de Kurt Weill o Ernst Krenek (escúchese el saxofón que abre la obra)
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La ópera se concibió abierta a la audiencia, con diálogos hablados y expresión directa, como si en un cabaret berlinés nos encontrásemos.
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Aunque llegó ser estrenada en varias ciudades alemanas (Berlín, incluido) pronto fue considerada Entartete Musik.
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Acto I: incapaz de pagar sus deudas al mandarín Ma, el padre de la bella Haitang se suicida. Al tiempo que su hermano Chang-ling se convierte en revolucionario, su madre vende como prostituta a la joven, siendo Ma quien la compra, y la convierte en su segunda esposa, pese a que el enamorado príncipe Pao intenta pujar por ella.

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Acto I: "Am ufer hinter Weiden" (Haitang)
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Acto II: Yu-Pei, la primera esposa de Ma, sabiendo que Haitang le ha dado un hijo, envenena a su esposo acusando a ésta del homicidio, y reclamando su hijo como propio.

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Acto II: "Darf ich eine Frage " (Yu-Pei, Ma, Haitang)
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Acto III: Haitang es juzgada y condenada a muerte, pero la desaparición del Emperador y la ascensión del príncipe Pao al trono suspende todas las condenas. Revisado el caso por el nuevo monarca, éste decide probar a ambas mujeres. Colocado el niño dentro de un círculo de tiza se considerará que la madre será aquella que logre sacarlo hacia sí. Temerosa de lastimar a su hijo, Haitang suelta la mano del pequeño para que Yu-Pei se lo lleve. Pao proclama a Haitang como su verdadera madre al tiempo que le hace saber que él es su padre pues la día de su venta entró a escondidas en casa de Ma y pasó la noche con ella. Haitang es elevada a Emperatriz y su hijo proclamado príncipe heredero.

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Acto III: Preludio-Interludio-Escena final (Pao, Haitang)

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Renate Behle, Haitang
Gertrud Ottenthal, Yu-Pei
Roland Hermann, Ma
Reiner Goldberg, Pao
Radio-Symphonie-Orchester Berlin
Stefan Soltesz
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PS: aprovecho el Cuento para desearos Amor y Música, ahora y siempre!

Álbumes de una vida (13): Hot Rats (FZ)

En el año 1969 mientras algunos estiraban melodías de compasillo, el gran Frank Zappa se metía en el estudio con un novedoso, aún en pruebas, equipo de grabación de 16 pistas para alumbrar un puzzle sonoro espectacular. Un álbum bizarro, en su doble acepción; española: generoso, lúcido, espléndido, valiente; anglo-francesa: extravagante, transgresor, delirante, raro. Todo esto, y mucho más, es Hot Rats… también una cumbre del eclecticismo musical y la experimentación sonora.
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Para su segundo disco en solitario, sin The Mothers of Invention, se hizo acompañar por su mano derecha de aquella época, Ian Underwood, un multiinstrumentista de sólida formación (piano, órgano, saxos, clarinetes) contando además con la colaboración de renombrados músicos de sesión para la sección rítmica y el violín eléctrico; y la aparición de su buen amigo Don van Vliet (Captain Beefheart) para poner voz a un escaso texto en un único tema. A lo que hay que añadir la explosión como gran guitarrista de FZ con su fulgurante Gibson Les Paul Goldtop, quien sin un portentoso virtuosismo instala una sonoridad apabullante, casi polifónica. Para rematar la faena, un caratulista de primera clase: Cal Schenkel fotografiando en tonos psicodélicos a Miss Christine (integrante del grupo GTO’s, a la sazón novia del todavía activo Alice Cooper)
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El resultado fue una obra instrumental adelantada a su tiempo, donde tienen cabida líneas pianísticas jazzísticas, improvisaciones de saxo ácido, complicadas tramas de teclados, guitarras desatadas del más puro rock sesentero, bases rítmicas balanceándose entre el blues y el funk, incendios sonoros de la mejor fusión, arreglos de viento a lo big band, … todo pasado por el personal e inconfundible sello psicodélico e iconoclasta de Zappa, su complejidad y sofisticación; y por una riqueza sonora, a lo wall of sound, de texturas y colores superlativos.
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Al grano:
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Peaches en Regalia: tras el redoble inicial, y sobre una base de teclados, aparece una melodía muy simple, casi infantil, que se va rellenando con texturas de sonidos diversos, auténtica inflación, que van ampliando el paisaje sonoro con colores evanescentes. Un clásico indefinible… (MrMLD72MLD)
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Willie the Pimp: un ritmo ostinato decididamente funk, también para el violín solista y la voz, que conduce a un imposible solo de guitarra, intenso y demoledor, incontinente, doblando notas, derivando hacia su lado más blues, que nos lleva sin aliento hacia un clímax excéntrico.
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Son of Mr Green Genes: comienza en la melodía de clarinete y saxo para dar paso a la guitarra en un cambio de ritmo que intensifica la atmósfera, con incursiones del saxo tenor, para redondear la tormenta sonora perfecta en el vértigo de la guitarra y la base rítmica, hasta dejarnos exhaustos de exuberancia. (vinzer72frie)

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Little Umbrellas: la calma tras la tormenta, un walking bass para una progresión claramente jazzística entre metales y maderas, relajada y cool. Dame más… (RakyMaky)
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The Gumbo Variations: una extensiva jam session para saxo desaforado, violín incendiario y guitarra ardiente que explota en una anarquía sonora, alma mater del arte zappiano.
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It must be a Camel: un tema muy experimental, basado en atmósferas y texturas de saxo, piano, violín, comprometidamente relajante y creativo. Un espejismo sonoro alucinante.
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¿¿¿Blues, Funk, Hard-Rock, Pop, Jazz-Rock, Psicodelia, Cool, Expresionismo, Rumba Catalana ???
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- Alucino, maestro ¿qué es todo esto?
- ¡Es la Música, imbécil!

Inusual Concierto

Inusual resulta recibir en una pequeña ciudad, alejada de cualquier circuito o festival, a un artista de primera fila en plena expansión, como es el joven pianista británico Paul Lewis.
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Inusual es acoger, aún sin algunos de sus primeros atriles, a la Sinfónica de Galicia haciendo honor a su apellido.
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Inusual es que dicha orquesta haya venido acompañada de su director titular: Victor Pablo Pérez, en traje de faena.
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Inusual se ha convertido encontrar en un programa tres Conciertos para Piano y Orquesta de Ludwig van Beethoven: Segundo, Tercero y Cuarto.
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Inusual el gratis total, previa reserva de invitación, que se convirtió en un puertas abiertas en el Auditorio municipal.
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Usual la asistencia: medio aforo (siendo generosos)
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Paul Lewis es un pianista muy personal, cuya carrera en ascenso se fundamenta en Beethoven (y en Schubert). Su integral de Sonatas recorrió medio mundo, y acaba de publicar sus cinco Conciertos para piano con la Orquesta Sinfónica de la BBC bajo la dirección de J. Belohlavek.
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Dueño de un sonido delicado, sus lecturas se decantan hacia el lirismo, la introspección, la poesía transparente, dejando señas de un virtuosismo amable, delicado, humano, veraz. Su aproximación estilística a Beethoven deriva claramente hacia el eje de la dulzura en detrimento del otro eje cartesiano de la música del genio de Bonn: la violencia. Tal vez ese sesgo deviene su personal aportación…
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La orquesta, pese a la ausencia de su primer concertino, mantuvo la belleza de su sonido, basada esta vez en el empaste de sus cuerdas, si bien adoptando un discreto plano secundario siempre dialogante y arropador. VPP, contenido y dúctil, no digo más…
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Primera parte:
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Concierto para piano n.2 en si bemol mayor op19: interpretación relajada, a modo de introducción, para una obra menor del catálogo de un Beethoven de pequeña orquesta, en la cual destaca el fluido y elocuente Adagio.
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Concierto para piano n.4 en sol mayor op58: obra de alturas sinfónicas pertenecientes al gran Beethoven, cuyo monumental primer movimiento -Allegro moderato- resultó un prodigio de dinámica, elegancia y refinamiento.
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Segunda parte:
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Concierto para piano n.3 en do menor op37: bellísima lectura, siempre recogida, pura y delicada de esta partitura de aromas mozartianos, en cuyo Largo, fervoroso, casi un nocturno, se hizo carne (sonido) la magia de su mecánica digital.
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De los Proms de este mismo año: Paul Lewis interpreta dicho segundo movimiento, o cómo convertir el piano en arpa: (vídeo de JCThompsonMA)
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Inusual Belleza… casi una caricia.

Woman 8/12/1980

Excéntricos (?)

carámbano -broken haiku- flickr CC

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Escribir con una espada
Acariciar sin tener manos.
Encontrar pedazos de luna en los bolsillos.
Comprar una playa con gritos.
Ir al infierno a ver un amigo.
Enviar una mano a su amada.
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-Carlos Edmundo de Ory- (1923-2010)
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Excéntrico: dícese del carácter extravagante.
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Extravagante: que se hace o dice fuera del orden o común modo de obrar. Raro, extraño, desacostumbrado, excesivamente peculiar u original.
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Pienso que no hay mes más raro, extraño, peculiar y original que el de diciembre: con sus luces, su gula, sus festivos y su felicidad a fecha fija, todo envuelto en blanco. Mes ideal para mencionar a Erik Satie (1866-1925): músico inclasificable, coqueteador con todas las vanguardias, siempre independiente. Como diciembres son sus Gnossiennes impares: unas piezas esenciales. Carámbanos suspendidos de una conífera, cuyas gotas de agua percutieran obstinadamente, al caer, sedosas cuerdas azarosas.

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retrato de Erik Satie -Suzanne Valadon-

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Un juego frío, cristalino, candente como hielo: la mejor molécula en su estado más puro. Filos de espejos que cortan como amenazas… música digital, modernamente suspendida de la nada, cuya infinitud concreta la mano izquierda marcando la cadencia del goteo…
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Aldo Ciccolini, piano

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para Anderea ...

El otro “caro sassone”

Dresde 1748 (Bernardo Bellotto)
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Cumpliendo su propia profecía ante un joven Mozart (“este chico hará que nos olviden a todos”) Johann Adolf Hasse (1699-1783) uno de los músicos más famosos y reconocidos de la Europa de mediados del dieciocho, todavía duerme en el limbo del olvido.
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Nacido cerca de Hamburgo, deslumbró a las mejores Cortes y entusiasmó a los mejores Teatros de su época: Nápoles, Venecia, Dresde, Berlín, París, Londres, Viena… se rindieron a su primorosa escritura vocal, a su delicada línea melódica, a su maestría orquestal, a su agradable recitativo acompañado, a su tratamiento moderno del da capo, a su hermosa realidad pre-mozartiana…

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Y no es ditirambo de admirador hacia una figura que nos legó sesenta y tres óperas, y cuya máxima era “deja que la música sea clara, sencilla, pero sublime”; hacia un músico que en Nápoles, siendo alumno de Porpora y Alessandro Scarlatti, estrenó su primera mini ópera a dos voces con el mismísimo Farinelli. Un hombre que rivalizó con los mejores compositores de ópera seria italiana (Leo, Porpora, Vinci) en los teatros venecianos, ante las más altas cabezas coronadas, con la renombrada Faustina Bordoni al frente del reparto, convertida ya en su esposa. Un maestro que elevó al más alto rango a la Orquesta de la Ópera de Dresde “la más cercana a la perfección” (Rousseau), teniendo al gran Bach y su hijo mayor Wilhelm Friedemann entre el auditorio. Un compositor requerido sin cesar desde Berlin, adorado por Federico el Grande de Prusia. Un músico tentado a rivalizar con el todopoderoso Händel en Londres. Un estilista en la Viena de Maria Teresa, donde mantuvo fuerte pugna con los nuevos vientos de la reforma gluckiana. Un humano enterrado en Venecia. Un nombre que marcó una Época. Una referencia del tardobarroco que fluía hacia el clasicismo… ¿Se puede pedir más? Sí, los elogios de Mozart, y las influencias indudables sobre sus propias obras.
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De su primera época napolitana, propongo la audición de unas piezas de su Serenata a dos voces Marc’Antonio e Cleopatra (vídeos de wienerfr). Todavía en un estilo claramente barroco, deslumbra por la luminosidad de su pentagrama, el virtuosismo vocal y la maestría de su orquesta.
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Sinfonía: spiritoso e staccato-allegro
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Aria Marc'Antonio: "Pur ch'io possa a te"
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Aria Cleopatra: "Morte col fiero aspetto"
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Descargar Aquí la obra completa:

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Vivica Genaux
Isabel Bayrakdarian
Concerto Köln
René Jacobs
París, junio 2000 -radiodifusión-

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Volveremos pronto sobre el sajón…

Alma eslava

La melodía de amplio aliento, profunda, amplia, eterna, pasional, forma parte sustancial del alma de la música eslava, y por extensión de toda su inmensa cultura. Una seña de identidad a través de generaciones, épocas y estilos.
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Paradigma del romanticismo en la cultura rusa, el compositor Sergei Rachmaninov (1873-1943) estrenó en 1901 su Sonata para violonchelo y piano en sol menor op 19, tras su muy popular Segundo Concierto para piano.
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En la sabia combinación de dos naturalezas instrumentales como son el piano y el violonchelo, se alcanza uno de los hitos de la música de cámara. La textura arquitectónica del teclado bañado por el color envolvente de la cuerda grave logran recrear los más variados estados anímicos.
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Esta Sonata en cuatro movimientos, deudora del Schumann más juguetón y de los humores de Brahms, nos atrapa en su vena melódica tan rica y poderosa, tan romántica, tan rusa, tan eslava…
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I. Lento – Allegro moderato - Moderato: íntima introducción que cede paso a dos temas melódicos de generoso desarrollo, y poderosa conclusión.
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II. Allegro scherzando: jugueteo en un piano ingenuo que sosiega el violonchelo en su sensata melodía.
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III. Andante: sencillez y serenidad, con atisbos melancólicos, en la siempre refinada melodía del lied, enriquecida en dos temas de gran hermosura e intensidad, que presenta siempre el piano y con un violonchelo que nos hunde en simas de gravedad infinita. Una serenidad a la que siempre tiende ese ente que denominamos, sin saber explicarlo, alma. Yo-yo Ma y Emanuel Ax nos proponen su lectura en un video de rovingeye2:

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IV. Allegro mosso – Moderato – Vivace: vivacidad pasional en su tratamiento melódico, contrastando al máximo las dos naturalezas instrumentales, sin primacías.
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Una pieza de impactante belleza, apropiada para regalar…el alma.

Segunda de Brahms: “consuelo de amigo”

Johannes Brahms compuso su Segunda Sinfonía en re mayor op 73 poco tiempo después de la Primera; contrasta con los años de preparación que necesitó su debut en el género. Recibida con éxito ya en su estreno en 1877 en Viena, fue su definitivo asiento en el Olimpo del sinfonismo clasicista y su evolución romántica; aceptada como una sabia mezcla de dos genios: Beethoven y Mozart.

Aunque mucho más sosegada que su predecesora, mantiene todo el poderío dinámico de sus brumosas atmósferas en sus cuatro movimientos:

I. Allegro non troppo: belleza melódica a ritmo de vals en cuerdas y maderas, solemnizada en las trompas.

II. Adagio non troppo: es en los tiempos lentos donde Brahms mejor nos habla; en este adagio encontramos la profundidad confortadora en la acariciante línea melódica de los violonchelos, que desarrollarán maderas y violines; a modo de consuelo de amigo, de abrazo sentido y repetido, de apretón de notas como caricias, de ayuda ante la tristeza: el afecto físico que tiende a la desaparición de la agitación dolorosa… Brumas sí, pero horizonte luminoso. Sintamos este agradable efecto en la batuta del genial Sergiu Celibidache con la orquesta SWR de Stuttgart:

III. Allegretto grazioso: danza afable y popular en forma de variación.

IV. Allegro con spirito: explosión orquestal con todo el optimismo vital de la sangre mozartiana (Hanslick)

Robert Fripp (VII): King Crimson THRAK

La encarnación de King Crimson en los noventa se basó en la dualidad. La dualidad, que siempre fue evidente en la manifestación artística del grupo, ahora llegaba hasta la propia composición instrumental del mismo. Robert Fripp puso en pie un sexteto en versión Doble Trío: dos baterías, dos bajos y dos guitarras. Una simetría sonora para un gran juego instrumental, donde la base rítmica pasaba a ser determinante, y muy poderosa, y con la cual iniciaba un nuevo bloque evolutivo.
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Superada la fase new wave de los ochenta con su Trilogía de colorines - rojo - azul – amarillo- el cuarteto incorporaba a Pat Mastelotto como segundo percusionista al lado de Bruford, y a Trey Gunn, tocando el stick (una mezcla entre bajo y guitarra, que se ejecuta utilizando la técnica de "tapping", consistente en tocar el instrumento por el cuello de éste con ambas manos presionando las cuerdas sobre el diapasón –wiki-) y la guitarra Warr (evolución del stick, llamada también touch guitar) haciendo una doble función de bajo rítmico y de apoyo melódico a las guitarras solistas merced a las características peculiares de sus instrumentos. Añadían además los soundscapes de Fripp como material envolvente supliendo al antiguo mellotron
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La nueva formación se rodó durante una gira por Argentina mientras grababan una mini obra llamada Vrooom donde apuntaban la nueva etapa musical; se anclaba rotundamente en las mejores obras de su monumental historia musical: In the Court… y Red.
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Una vez a punto la máquina sónica, Fripp decidió editar el primer larga duración en estudio, ya con las ideas asentadas. Esta obra se llamó THRAK (1995): en su factura aparecía nuevamente la dualidad:
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Por un lado la visión introvertida, lírica, seductora y tentadora del rey carmesí: baladas de tempo lento e intensidad vocal, puras melodías pop con guitarras envolventes:
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El suspendido Walking on Air:
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La delicada One Time:
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Por otro, todo el poderío rítmico de la nueva formación: ritmos pujantes, casi tribales; demoledores riffs de guitarra, para asfixiantes atmósferas post-industriales: la faceta que marcaría la evolución del grupo, en detrimento de la primera.
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Vrooom (un movimiento de avance implacable y aparentemente inevitable que se lo lleva todo por delante) aquí en una interpretación en directo:
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El devastador Thrak:
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Escojan y saboreen sus preferencias, yo me quedo con ambas.