domingo, 28 de septiembre de 2008

XIX domingo tras la Trinidad: BWV 48

Para la liturgia de hoy compuso JS Bach, entre otras, la Cantata “Ich elender Mensch, wer Wird mich erlösen” con el número 48 de catálogo. Presentada en 1723, el autor del texto permanece desconocido; todo gira en torno a la pregunta de la Carta a los Romanos, 7 que da título a la obra (Mísero de mí, ¿quién me librará del cuerpo de esta muerte?)

Como ilustración musical adjunto el Aria para tenor “Vergibt mir Jesus meine Sünden” (Perdona mi Jesús, mis pecados). Un ritmo danzante sobre el que pronto descuella un poderoso empuje musical, basado en la fe. La interpretación corre a cargo de la delicadeza, la elegancia y el respeto del siempre sublime Sir John Eliot Gardiner:



James Gilchrist, tenor
The English Baroque Soloists
John Eliot Gardiner

miércoles, 24 de septiembre de 2008

Buxtehude: "Membra Jesu Nostri"

La producción organística de Dietrich Buxtehude (c1637 – 1707) es sin duda lo más conocido de su obra. Por algo fue durante casi cuarenta años organista de la Iglesia de Sta. Maria de Lübeck, donde sentó las bases de la escuela barroca del norte de Alemania.
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Su fama de instrumentista fue enorme, y a sus “Abendmusik” (conciertos vespertinos durante los domingos de Adviento) se desplazaron en peregrinación los más ilustres compositores de la época: Händel, Mattheson, Telemann o JS Bach (éste último a pie).

Aunque no fue estrictamente un Kantor, su producción coral sacra destaca por la emotividad de su lenguaje personal, y supone un hito en el repertorio alemán anterior a Bach.

Una de sus mejores obras en este repertorio lo constituye el ciclo de siete Cantatas “Membra Jesu Nostri Patientis Sanctissima” para dos sopranos, alto, tenor, bajo y cuerda, basado el texto en un poema medieval, Salve mundo salutare, atribuído a Arnulf de Louvain (s. XIII) Cada Cantata está dedicada a una parte del cuerpo de Jesús (Pedes, Genua, Manus, Latus, Pectus, Cor, Faciem), y se divide en seis secciones: introducción instrumental, concerto, tres arias para solistas, y concerto da capo.

Su lenguaje musical resalta por la emotividad lírica, la poderosa imaginación, y una sensualidad que engendra un fruto cálido, espontáneo y de una pasión irresistible.

Escuchemos en la recogida versión, con una voz por parte, de Maria Cristina Kiehr (S), Rosa Dominguez(S), Andreas Scholl (A), Gerd Türk (T), Ulrich Messthaler (B) y la Schola Cantorum Basiliensis dirigidos por René Jacobs, la segunda Cantata de la serie “Ad Genua” , con sus seis secciones:

1. Sonata
2. Concerto (SSATB)
Ad ubera portabimini,
et super genua blandicentur vobis

3. Aria (T)
Salve Jesu, rex sanctorum,
spes votiva peccatorum,
crucis ligno tanquam reus,
pendens homoverus deus,
caducis nutans genibus
4. Aria (A)
Quid sum tibi responsurus,
actu vilis corde durus?
Quid rependam amatori,
qui elegit pro me mori,
ne dupla morte morerer
5. Aria (SSB)
Ut te quaeram mente pura,
sit haec mea prima cura,
non est labor et gravabor,
sed sanabor et mundabor,
cum te complexus fuero

6. Concerto (da capo):
Ad ubera portabimini


domingo, 21 de septiembre de 2008

XVIII domingo tras la Trinidad: BWV 96

Para este domingo que introduce el otoño tomamos el Coro inicial de la Cantata “Herr Christ, der einge Gottessohn” (Señor Cristo, único Hijo de Dios) que fue estrenada por JS Bach en 1724.

Este coro destaca por la introducción del flautín (piccolo) que por su penetrancia nos eleva hasta el resplandor del Morgensterne del texto (lucero del alba). Un compulsivo ritmo sobre el que se desgrana el texto coral de Creutziger (1524), se ve reforzado por la parte de contralto que interpreta el cantus firmus, dando como resultado la excelsitud habitual en nuestro autor.


Amsterdam Baroque Orchestra & Choir
Tom Koopman

martes, 16 de septiembre de 2008

AINADAMAR: "Ay, qué día tan triste en Granada..."

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Resulta extraño para la razón y odioso para el sentimiento que acabe en los juzgados la búsqueda y exhumación de los restos del gran poeta García Lorca y sus compañeros de infortunio. Tras más de setenta años, ni las familias se ponen de acuerdo con el proceder ni existe unanimidad en la ubicación de las fosas, sobre las que circulan hasta tres teorías, siendo la más clásica la del barranco de Viznar, en la Fuente de las Lágrimas, el Ainadamar árabe, manantial del que bebía la Granada nazarí.
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Precisamente con este sonoro título compuso Osvaldo Golijov (1960) su ópera de cámara sobre el asesinato de Lorca, su significado humano y el amor como elemento determinante de su destino. Una obra hermosa, doliente y conmovedora que jugando con el tiempo, introduce distintas capas de realidad sobre la persona y sus anclajes, desde la narración a posteriori de la actriz Margarita Xirgu.
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El Libreto es de la pluma de David Henry Hwang, escrito en inglés, y que fue traducido por el compositor al español. Se edifica sobre tres personajes eje, de los cuales uno no tiene voz: Mariana. Correspondiendo los otros dos a Margarita, soprano, y Federico, voz de mezzo.
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Tras un Preludio de Agua y Caballo, la ópera se estructura en tres imágenes o escenas, cada una titulada como las tres figuras sobre los que pivota el tiempo, e introducidas las tres por la popular balada de Mariana Pineda “Ay, qué día tan triste en Granada”:

I. Mariana: la reflexión de una moribunda Margarita Xirgu desde 1969, sobre los paralelos destinos de Mariana Pineda y Federico García Lorca, llegando a su punto álgido en el aria emocionada de Federico ante la estatua de la heroína andaluza en Granada. Así como sus recuerdos del poeta, su primer encuentro con él y el estreno de su obra.

II. Federico: centrado en el punto más intenso del recuerdo, con el arresto por Ruiz Alonso en casa de los Rosales y el asesinato del poeta, cuya descarga de disparos se transforma en pura música.

III. Margarita: introspectiva y ensoñadora imagen de una moribunda Xirgu que recibe al espíritu de Lorca y muere ofreciendo su vida a Pineda con las palabras Yo soy la Libertad.
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Musicalmente Golijov despliega, como es norma en su obra, un amplio abanico de temática tradicional con detalles de timbre y articulación de gran poder simbólico, desde la utilización de guitarras clásicas y flamencas, la presencia de un Cantaor como falangista o la introducción de la rumba en la primera escena. Construída en un continuo crescendo, arrebata por su nítido color, las rugosas texturas y el sentido del ritmo que dan estilo y expresividad a la partitura.

Entre los puntos fuertes de la partitura destacaría el Aria de la Estatua rapsódica y noble en su evocación:

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El centro mismo de la obra, la escena del Arresto, con las súplicas del falangista-cantaor a la familia Rosales para su entrega (se escucha claramente el sustantivo “maricón”), su posterior Confesión y envío a la Ejecución, solemnizada por una imitación gregoriana, y la posterior transformación en música percusiva de los disparos homicidas:

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Por último el final de la obra, en una mística de evocación del espíritu del poeta “Crepúsculo delirante” y posterior muerte de la actriz evocando Yo soy la Libertad. Escena, parece que basada o inspirada en la música de de la transformación de Daphne de R. Strauss (no es mala fuente, no)



Estrenada su primera versión en 2003 en Tanglewood, tras una revisión en 2005 fue llevada al disco al año siguiente contando con la participación de la siempre brillante soprano Dawn Upshaw (una habitual en ópera contemporánea), como Margarita; la cristalina mezzo Kelley O'Connor en el papel de Federico; el cantaor Jesús Montoya como el odioso falangista; y la dirección de Robert Spano con la Atlanta Symphony Orchestra.

Una obra muy, muy recomendable...

domingo, 14 de septiembre de 2008

XVII domingo tras la Trinidad: BWV 114

“Ach, lieben Christen, seid getrost” (Ay, amados cristianos, sentid Consuelo) es una de las Cantatas de JS Bach para la liturgia de hoy. Fue compuesta en 1724 sobre un cántico de Johann Gigas (1651). Corresponde a la serie de Cantatas Corales y precisa de un flautista de gran nivel para su ejecución.
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En su coral inicial, Bach introduce un bajo insistente y enfatiza con diferentes recursos musicales los conceptos destacados del texto, mientras el coro desgrana verso a verso su coral:


Bach Collegium Japan
Masaaki Suzuki

miércoles, 10 de septiembre de 2008

DG según Chopin

Parece que se ha inaugurado la temporada operística internacional en los cines Yelmo con el DG de Mozart; digo parece porque el espectáculo es exclusivo de las grandes ciudades, aquellas que más problemas de financiación acusan. No tiene nada que ver, pero es una forma de quejarse (no doy puntada sin hilo)

Bien, pues aprovechando la ola, traigo al blog la impresión que de dicha obra, una cumbre lírica, dejó escrita Frederic Chopin (1810-1849). En concreto me estoy refiriendo a su opus 2 :
Variaciones sobre "La ci darem la mano" en si bemol mayor, para piano y orquesta.

Obra temprana, como indica su número de opus, está fechada en 1827. El célebre dúo de Zerlina y DG inspira un arte pianístico donde aparece ya el germen del estilo del polaco. Escrito en forma de introducción, tema y cinco variaciones, destaca por la imaginación armónica y melódica, y toda la elegancia y delicadeza del piano de Chopin. Resulta también evidente el papel secundario, auxiliar, de la orquesta en su concertación con el instrumento solista; algo que también será una constante en sus futuras obras acompañadas.
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Esta fue la impresión que produjo la ópera de Mozart en Chopin, gran admirador desde muy niño del salzburgués, y muy elogiosa sería la crítica que Robert Schumann dejara de esta partitura.
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Estructurada en siete movimientos: Introducción: Largo - Tema: Allegretto - Variación I: Brillante - Variación II: veloce, ma accuratamente - Variación III: Sempre sostenuto - Variación IV: Con bravura - Variación V: Adagio alla polacca. Aquí os la presento en forma ininterrumpida:



Idil Biret, piano
Slovak State Philarmonic Orchestra
Robert Stankovsky

domingo, 7 de septiembre de 2008

XVI domingo tras la Trinidad: “Christus, der ist mein Leben”

La BWV 95 es una de las Cantatas que JS Bach compuso para este domingo del calendario litúrgico. Escrita en su primer año en Leipzig, contiene una muy expresiva aria para tenor “Ach, schlage doch bald, selge Stunde” (Ay, tañe pronto, bendita hora, la última campanada), quien reclama con ansiedad su última hora.
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Bach escribe una melodía para dos oboes d’amore que corre sobre un pizzicato de las cuerdas, a modo de campanas fúnebres, en una feliz y evocadora imagen:



Adalbert Kraus, tenor
Bach-Collegium Stuttgart
Helmuth Rilling

viernes, 5 de septiembre de 2008

Belleza en la sencillez: Jim Croce (In memoriam)

















“I'll Have To Say I Love You In A Song”
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"Sé que es un poco tarde
Espero no haberte despertado
Pero lo que tengo que decirte no puede esperar
Sé que me comprenderás
Cada vez que traté de decírtelo
Las palabras me salieron equivocadas
Así que tendré que decir Te Quiero en un canción"
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Hermosas palabras de amor para quien es capaz de componer hermosas canciones de amor. Jim Croce, sí. Porque él era así: sencillo, directo, honesto y sensible. La suerte siempre le fue esquiva, tan sólo dos años de éxito, muchas penurias, y una tragedia en el mejor momento.
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James Joseph Croce (1943- 1973), nacido en Filadelfia, creció con la querencia y las dotes de cantautor, rodeado de música “country” y versioneando en colegios y universidades a grandes de la época como Gordon Lightfoot, Joan Baez, o Woody Guthrie. Muy poco para sobrevivir. Agarrado a los más humildes empleos intentó por dos veces el asalto a la fama, tanto en solitario “Facets“ (1966) como a dúo con su esposa “Jim and Ingrid Croce”(1969). Pero todo quedó en actuaciones de café y pequeñas colaboraciones de estudio.




Por fin en mayo de 1972 publica su primer disco serio “You don’t mess around with Jim”, y se abren las puertas del cielo. Llega el éxito, trabajo, giras y desahogo.







En enero de 1973 ve la luz su segundo larga duración “Life and Times”








Y en diciembre del mismo año “I got a name” , álbum póstumo pues en septiembre fallecía en un accidente de avioneta en medio de una exitosa gira por California. Luego la mitificación, la pena y el negocio: recopilatorios, inéditos, homenajes…




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"Operator"
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La atracción de su música reside en la sencillez y en su enorme capacidad melódica sobre un fondo siempre melancólico. Un intimismo lírico que percibimos como profundamente honesto y cercano, y nos sumerge de inmediato en sentimientos de recuerdo y nostalgia. Fácil y directo, como un resorte; tal vez no sublime pero eficaz.
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"Lover's cross"
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Arropa sus breves canciones con una voz muy personal y cálida; un acompañamiento de acústicas con su inseparable amigo y compañero Maury Muehleisen; armonías vocales; y unas pinceladas de cuerdas por aquí y por allá, a modo de envoltorio que añaden ternura a los temas más líricos.
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Este mes se cumplen treinta y cinco años de su desaparición, y bien merece el recuerdo. Fiel compañero de amores adolescentes.













"You don't mess around with Jim"










"It doesn't have to be that way"







"New York's not my home"








"Time in a bottle"

lunes, 1 de septiembre de 2008

Aniversario en Adagio

Este humilde blog cumple hoy un añito. Todavía no anda bien, pero ya gatea que es un primor. Veremos cuándo le salen los dientes…

Como soy de gustos sencillos, para la celebración he escogido lo mejor. Una página señera de la literatura concertante para piano: el Adagio un poco mosso del Concierto N.5 "Emperador" de Ludwig van Beethoven. La sensibilidad Romántica en una forma Clásica. Resulta evidente que todos los conciertos del XIX son deudores de alguna manera de esta obra maestra.

En el Adagio, sobre un cuasi coral de las cuerdas, el piano estiliza su melodía y conduce a la plenitud de su espiritualidad. Una meditación en si mayor: un adagio “hinayana”


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En conmemoración y agradecimiento a todos los visitantes, especialmente a los comentaristas, AQUÍ os dejo un audio del concierto completo.

Krystian Zimerman
Filarmónica de Viena
Leonard Bernstein